En 1980 pasarían varias cosas importantes para Serú. Por un lado, vería la luz su tercer larga duración. Bicicleta es tal vez hoy reconocido como el mejor trabajo del grupo, pero en el momento de su salida no causó tanto entusiasmo en la prensa especializada, que lo veía como otro buen trabajo, pero sin destacarse sobre lo que el cuarteto venía produciendo. Fue grabado en los estudios ION, Del Cielito y la casa de Pedro, y editado por SG Discos. La banda, asociada con Daniel Grinbank, su manager, lanzaba de esta forma su sello independiente, dando por terminada su etapa en Sazam Records. Dicha salida prematura fue la que originó que Sazam, en represalia, editara el ya mencionado Música del alma en ese mismo 1980. 

El álbum, pensado originalmente como un disco doble (muchos de los temas no utilizados verían la luz más adelante), tiene una selección de canciones inmejorable, la genial A los jóvenes de ayer ponía su foco en criticar a los tangueros, Mientras miro las nuevas olas ponía ciertos reparos a la New Wave (aunque en el futuro Charly bebería mucho de esas aguas), mientras que Canción de Alicia en el país puede que sea el mejor reflejo de la realidad del país en ese momento, con una marcada influencia de la obra de Lewis Carroll. Además, forman parte de la placa las destacadas Encuentro con el diablo (muchos creen que este tema se escribió luego de una reunión convocada por la junta militar con distintos músicos populares de la época, organizada en un intento de acercarse a la juventud. Sin embargo, el tema venía compuesto desde la época de Buzios, y por otro lado Lebón se encargó de desmentir dicha reunión.), que toma muchiiiisimo “prestado” del clásico de Lynyrd Skynyrd de 1974, Sweet home Alabama, la emotiva Desarma y sangra, la rockera Cuanto tiempo más llevara y la dulce Tema de Nayla, que generó controversia puertas adentro porque Lebón decidió que el solo de piano jazzero estuviera a cargo de Diego Raopoport en lugar de Charly. Sin duda se trata del punto más alto de creatividad del cuarteto, que sonaba más ajustado que nunca. 

La presentación del álbum fue en obras el 6 y 7 de junio de 1980, con una genial puesta en escena de la artista plástica, y amiga de García, Renata Schussheim, y es acá donde podemos marcar el punto de inflexión en el que Serú alcanzaría el éxito masivo. 

En agosto la banda viajaría a Brasil para participar del Monterrey Jazz Festival que iba a tener lugar en Río de Janeiro. Esto sin duda representaba un gran reconocimiento para el grupo, que tocaría junto a artistas de la talla de Pat Metheny, John McLaughlin, Hermeto Pascoal o Weather Report. El plan incial era que Serú actúe en la primera parte de festival, pero su performance fue tan contundente que fueron invitados a tocar también en el evento principal. Adicionalmente a la importancia que tuvo la repercusión del show para el devenir de la banda, sin duda uno de sus puntos más altos, acá también se siembra una de las semillas que la llevaran a su fin, es el primer contacto de Pat Metheny con Pedro Aznar. 

Como si esto fuera poco, 1980 todavía tenía un par de eventos importantes para Serú. En septiembre realizarían dos recitales junto a Spinetta Jade, otro gigante de la época, desterrando los rumores esparcidos entre el público de una supuesta rivalidad entre las bandas. Y en diciembre darían un recital gratuito en La Rural, organizado por ATC, que convocaría a 60.000 personas, cifra inédita hasta ese momento en nuestro rock. 

Luego de presentarse en vivo en marzo del ‘81 en el marco de los recitales típicos de Carnaval, el grupo entraría al estudio ION (también grabarían en Wacameca Studios) en abril para comenzar a grabar su cuarto y último trabajo de estudio. Peperina, nuevamente editado a través de su sello SG Discos, vería la luz en agosto, y supondría una nueva colección de grandes canciones, dejando particularmente satisfecho a Charly en cuanto a la calidad lograda en la grabación. Entre sus momentos más inspirados podemos destacar al tema que da título a la obra (ya es conocida la historia de que fue dedicado a una corresponsal que Expreso Imaginario tenía en Córdoba, y que siempre se encargaba de criticar de forma negativa los shows de la banda), Llorando en el espejo, la blusera Esperando nacer, la genial Cinema verité (Charly y su don para la crónica), y En la vereda del sol, entre otras. Musicalmente se siente cierta continuidad con su trabajo anterior (de hecho, se utilizaron varias canciones compuestas para Bicicleta), pero nada permite adivinar que se trata del fin de un ciclo. 

En diciembre realizaron tres recitales en el Teatro Coliseo para despedir el año. El concierto se caracterizó por la participación de las Bay Biscuits, un grupo de teatro y música que integraba, entre otras, Fabiana Cantilo. Su acto se intercalaba en el medio del recital y todas las noches fue mal recibido por el público. De esos shows sobreviviría una grabación pirata que, en el año 2000, ya remasterizada, sería editada como un CD doble bajo el nombre de Yo no quiero volverme tan loco, bajo el sello Sony Music. Moro sería el responsable de dar con las cintas, cuando en una visita al Parque Rivadavia fue abordado por una persona que lo puso en conocimiento de la existencia de dicha grabación. La calidad sorprendió a todos los exmiembros de la banda que decidieron editarla. Se trata de un gran recital en el que destacan, además de buenas versiones de Canción de Alicia en el país, A los jóvenes de ayer o Cinema verité, algunos inéditos, como Oh Dios, ¿qué puedo hacer?, Inconsciente colectivo, que vería la luz en el primer disco solista de Charly, Alto en la torre, rescatada de la época de Sui Generis (solo editada en forma de simple), y Pena en mi corazón, una versión acelerada y más rockera de la que luego conoceríamos como Yo no quiero volverme tan loco. 

En enero de 1982 Aznar fue convocado por Pat Metheny para tocar en su banda. Eso sumado a la decisión del bajista de ir a estudiar al Berklee College of Music de Boston precipitó el final del grupo. Serú tenía los días contados, solo quedaban un par de shows para la despedida. En febrero realizaron una gira por varios destinos de la Costa Atlántica y en marzo llegaron los recitales despedida (aunque en ese momento todavía no sabían que serían los últimos) en Obras. Si bien el cuarteto siempre daba un plus en vivo, esta vez el grado de intensidad y emotividad fue mayor. Los que estuvieron dicen que fueron shows memorables. La banda seguramente lo intuía dado que fueron grabados con vistas a la edición de su primer disco en vivo. Ese mismo año saldría a la venta, a través de SG Discos, No llores por mí, Argentina, que recogía varias canciones de esos recitales y acumulaba varios retoques posteriores en estudio (ION). Además de varios hits de sus obras anteriores, el disco incluyó el tema homónimo, un rock potente cuya letra reflejaba el momento convulso del país, y Popotitos, un cover de la banda mexicana Teen Tops que a su vez era una versión en español de Bonie Moronie, de Larry Williams. 

Hubo un breve período de tiempo en que Charly, David y Oscar pensaron en seguir sin Pedro, en formato trío (al menos hasta encontrarle reemplazante al bajista). Sin embargo, pronto tanto García como el Ruso comenzaron a trabajar en sendos proyectos solistas que dieron por tierra con la posibilidad de continuar. Así se terminaba una de las mejores y más importantes bandas de nuestro rock, y Charly se preparaba para un nuevo salto en su carrera. 

Acá termina la primera temporada de nuestro recorrido por la carrera de García. Seguramente luego de unos meses de descanso volveremos con la segunda, para abarcar la gran carrera solista de uno de los genios del rock de acá.

Este episodio comienza con un flashback. No voy a retomar exactamente donde dejamos (y acá incluyo al lector en el plural) a Charly en la entrega anterior. Es 1974 y Sui Generis todavía está activo, en el fértil período que va desde la salida de Confesiones de invierno, hasta la de Instituciones. Charly y Nito, junto a algunos amigos, deciden encarar un proyecto distinto. En principio un poco más ambicioso de lo que terminó siendo. 

PorSuiGieco y su Banda de Avestruces Domadas fue la primera superbanda folk de nuestro país, muy al estilo de unos Stills, Crosby, Nash & Young de las pampas. Fue un proyecto que juntó a Charly, Nito, Raul Porchetto, Leon Gieco y María Rosa Yorio. Casi sin publicidad y con ganas de realizar una gira de varias presentaciones, debutaron en el Auditorio Kraft, una pequeña sala del centro porteño, en 1974. 

Sin embargo, y más allá de las intenciones, el grupo solo pudo realizar dos presentaciones más por el interior (Tandil y Mar del Plata), y llegó a grabar un larga duración en 1975, que vería la luz un año después, con Sui ya disuelto, y cuya producción recaería en Jorge Álvarez, para el sello Talent. La obra posee dos características fundamentales, por un lado, se aleja del formato acústico de los recitales anteriores (en la placa grabaron grandes músicos del momento, como Oscar Moro, Rinaldo Rafanelli, Pino Marrone, Juan Rodríguez, Gustavo Bazterrica, Leo Sujatovich y José Luis Fernández), por el otro, se trata de una muestra de composiciones que cada miembro aportó por separado, y no de canciones creadas en conjunto. 

Charly aporta grandes gemas a esta obra, como la bella Quiero ver, quiero ser, quiero entrar, que se puede disfrutar en la voz de María Rosa, Antes de gira, Tu alma te mira hoy (cuya letra pertenece a Mario Carlos Piégari), y la censurada El fantasma de Canterville (con Gieco en voz), que aparece como track oculto en algunas ediciones del disco. También hay una importante participación de León, que brinda una nueva versión de Todos los caballos blancos, la rockera La mamá de Jimmy, Viejo, solo y borracho, y la que se convertiría en un hit inoxidable, La colina de la vida. Por su parte Porchetto sumaría Las puertas del acuario y Mujer del bosque, y Nito agregaría su primera composición en ver la luz en un LP, Fusia. 

Ahora sí, ya estamos listos (el lector, el propio Charly, y quien escribe) para dejar atrás (aunque nunca del todo) el pulso folk, y adentrarnos en una nueva etapa de la vida musical de uno de los más grandes compositores de la música contemporánea de nuestro país. 

Luego del final de Sui, Charly estaba un poco cansado, quería armar un nuevo proyecto, pero sin ser el protagonista excluyente, ni llevar todo el peso compositivo. Su idea era formar una banda, que le permitiera explorar nuevas influencias, que ya estaban presentes en el último disco de Sui Generis, me refiero al rock progresivo. Para eso el primer convocado fue el ex Gatos y Color Humano, Oscar Moro, para hacerse cargo de la batería. 

Gracias a la grabación del disco de PorSuiGieco, García conoció al por entonces bajista de Crucis, José Luis Fernández. Su solidez había llamado la atención de Charly, y es por eso que pensó en él para cerrar la base rítmica de su nueva agrupación. Así se formó, en 1975, la primera versión de La Máquina de Hacer Pájaros (nombre tomado de una tira de humor gráfico que publicaba Crist llamada casualmente García y La Máquina de Hacer Pájaros), que tocó en Córdoba como trío. Sin embargo, para completar la formación definitiva, todavía le faltaban un par de adiciones. Por un lado, sumaron a Gustavo Bazterrica en guitarras, que venía de formar parte de la banda de Raúl Porchetto, y por el otro, a Ana María Quatraro y Héctor Dengis en coros. Esta decisión tiene que ver con cierta inseguridad que García estaba viviendo en la parte vocal. Con esta alineación de cuarteto más coros se presentaron varias vecen en La Bola Loca, un boliche propiedad de Atilio Stampone. Luego de estos shows, Charly decide eliminar los coros, algo que no lo había dejado para nada conforme y convoca a un tecladista más, el ex Pescado Rabioso Carlos Cutaia. Esta última incorporación significó la conformación definitiva de La Máquina, y con ella ingresaron, en 1976, al estudio a grabar su primer LP. 

El disco debut, llamado como la banda, fue grabado entre junio y septiembre de 1976 en los estudios ION, y fue lanzado ese mismo año a través del sello Talent Microfón. Entre sus canciones, todas compuestas por Charly, a pesar de que esa no fuera su intención primigenia, hay algunas que provenían de la época de Sui, como Bubulina (ya había sido tocada en vivo), pero fueron revestidas de una musicalización bastante más compleja. Si bien es una obra de marcado corte progresivo/sinfónico, con influencias de Focus, Yes, Camel y Genesis, entre otras, no abandona de todo el pulso folk, en piezas como Como mata el viento norte, con la participación de María Rosa Yorio y Nito Mestre en coros, y la genial Por probar el vino y el agua salada. Otras canciones destacadas son Boletos, pases y abonos, y la suite Ah te vi entre las luces. Además del trabajo y la complejidad de las composiciones, y el alejamiento de la temática adolescente en las letras, hay algo que caracteriza al disco, las voces están casi en un segundo plano y muchas veces cuesta entenderlas. Además, la participación de Cutaia es limitada, ya que muchas canciones ya se encontraban grabadas cuando se incorporó al conjunto. 

El LP que, a pesar de tener buena recepción tanto de crítica como de público, no alcanzó las expectativas del propio Charly en cuanto a su acogimiento, fue hasta ese momento el más caro de la historia de nuestro rock, principalmente por la cantidad de horas de estudio que insumió su grabación. La tapa del disco mostraba una historieta realizada por el propio Crist. Su presentación fue en noviembre del ‘76 en el teatro Astral, en varios shows en los que el grupo intentó reproducir el disco de la manera más fiel posible, una idea que García hacía rato que tenía en la cabeza. 

Luego de una gira por el interior del país que se llevaría a cabo durante los primeros meses de 1977, la Máquina volvería a los estudios ION, para grabar su segundo y último trabajo durante el otoño de dicho año. Películas, tal es el nombre de este LP, fue nuevamente editado por Talent Microfón, y significó un nuevo paso adelante en la carrera de Charly. Con un sonido orgánico, arreglos más elaborados, incorporación de nuevos ritmos (sobre todo latinos), es una obra sumamente bella y sin duda el mejor trabajo del grupo. El peso compositivo esta vez estuvo más repartido, aunque siempre con el claro liderazgo de García que participa compositivamente en 7 de las 8 canciones del disco (aunque solo dos son de su exclusiva autoría), y aprovecha para incorporar varias críticas a la situación del país (recordar que la última dictadura militar estaba en el poder desde hacía un año), a través de efectivas metáforas, en sus letras. 

Entre las grandes canciones que componen esta obra destacan la instrumental Obertura 777, que abre una ventana al futuro, No te dejes desanimar, con una notable tensión pop, uno de mis temas favoritos de La Máquina, ¿Qué se puede hacer salvo ver películas?, que desde el título plantea una crítica a la situación del país, Hipercandombe, un (como su nombre lo indica) candombe eléctrico y Ruta perdedora. La presentación fue en julio del ‘77 en el teatro Coliseo, y posteriormente con un show en el Luna Park. El disco, al igual que su predecesor, no tuvo la recepción esperada, y fue revalorizado con el correr de los años. 

1977 fue un año movido para Charly, en marzo nacería su hijo Miguel Ángel (Migue), luego se separaría de María Rosa Yorio (que se fue con Nito), conocería a la bailarina brasilera Marisa “Zoca” Perderneiras, quien sería su gran amor y musa, y pondría fin a su segundo grupo, La Máquina de Hacer Pájaros. El final no fue del todo abrupto. En primer lugar, y por varios incumplimientos y llegadas tarde y faltazos a los ensayos, deciden expulsar del grupo a Gustavo Bazterrica. Posteriormente, y de cara a la posible grabación de un tercer trabajo, Charly se negó a democratizar la composición de las canciones, cosa que planteaba el resto del grupo. Esto, sumado a algunos problemas de ego relacionados a trabajar con otro tecladista, más las críticas recibidas por la prensa que, por esa época, comenzaba a tildarlo de cirquero por su performance en los shows, y un cansancio generado por llevar el peso de la estructura de un grupo y todo lo que ello implicaba (algo que había buscado intencionalmente al formar la Máquina), lo llevaron a tomar la decisión de abandonar el grupo. Su idea era que el conjunto siguiera sin él, pero luego de algunos ensayos, el resto de los músicos decidió ponerle punto final a esta experiencia. 

Mientras se acercaba el final de 1977, Charly decide que se radicará unos meses en Brasil, siguiendo a Zoca, su nuevo amor, pero no sin antes despedirse del público argentino. Para eso, organiza un recital con amigos, que fue bautizado como el Festival del Amor, y tuvo lugar el 11 de noviembre en el Luna Park. En él tocaron artistas como David Lebón, quien era muy cercano a García por esos días, y al que convencería de instalarse en Buzios durante los primeros meses de 1978 (aunque esa es otra historia), Raúl Porchetto, León Gieco, Gustavo Santaolalla, Nito Mestre, y los miembros de La Máquina de Hacer Pájaros, para los que esta ocasión sirvió de despedida oficial. 

Cuenta la leyenda que Charly y David, ya preparando su viaje a Brasil, se encontraban sin un peso, y decidieron organizar este recital para recaudar fondos que les permitieran establecerse en el país vecino sin sobresaltos. El show duró más de cuatro horas durante las cuales Charly y los distintos artistas invitados tocaron más de cuarenta canciones, y fue grabado con miras a la edición de un disco en vivo. Sin embargo, debido a problemas técnicos sufridos durante el show, la calidad de la grabación no fue la óptima, y se tuvieron que realizar varias regrabaciones en los estudios ION entre enero y febrero de 1978.

A pesar de todo este trabajo, el disco recién saldría a la luz en 1980, a través del sello Sazam Records (subsidiaria de Music Hall), producido por Oscar López, en un momento en que Charly tenía otro LP en circulación, pero con otra discográfica. Esta era la venganza de Music Hall, que no le perdonaba a García haberse ido de sus filas. Entre los temas que incluye destacan algunos inéditos como Iba acabándose el vino, Gaby (recuperado de la primera época de Sui Generis, compuesto por Carlos Piégari y Alejandro Correa) y Música del alma (canción que daría título al larga duración), una extensa versión de Boletos, pases y abonos, y el Fantasma de Canterville. También hay canciones de Lebón (Dos edificios dorados, Hombres de mala sangre, entre otras), Porchetto (Sentado en el umbral de Dios) y Gieco (Las dulces promesas). La tapa sería realizada por la artista plástica Renata Schussheim. Se trata de una obra menor, en la vasta discografía de Charly.

De esta manera, García cerraría una nueva etapa de su carrera, dejando atrás la locura de Buenos Aires, para cambiarla por la vida en las playas de Brasil. El futuro le depararía nuevos proyectos y desafíos. Sin duda, para Charly lo mejor estaba por llegar.

Cualquiera que siga desde hace varios años la continuidad de este blog merece un premio sabe que me gusta mucho el rock de acá, y que, entre los artistas más destacados de su vasta historia, Charly García ocupa un lugar especial. El músico nacido el 23 de octubre de 1951 siempre fue uno de mis predilectos y me acompaña con su música desde la más tierna infancia. Hay una versión de Charly para cada una de las etapas de mi vida. Y es probable que a muchos de sus fans les pase algo similar, dado que García ha sabido metamorfosearse con el tiempo, adaptándose a los distintos momentos musicales, sin perder nunca ese sello tan personal que siempre lo caracterizó. Hoy en Expreso les propongo comenzar un recorrido a través de la historia de Carlos Alberto García Moreno, a partir de sus discos, es decir, su obra. 

De su inicio en la música se han escrito incontables páginas, de su asistencia al conservatorio Thibaud Piazzini, de cómo se recibió de profesor de piano a los 12 años (algo no tan extraordinario en esa época), de cómo dejó la música clásica al escuchar a los Beatles por primera vez, del contacto que tuvo desde muy pequeño con grandes figuras del folklore gracias al trabajo de su madre, todas piezas importantes en el futuro de Charly. Sin embargo, mi intención es comenzar este relato un poco después. 

Corría el año 1969 cuando dos alumnos del Instituto Social Militar Dr. Dámaso Centeno cruzaron sus caminos por primera vez. Charly por ese entonces tocaba en To Walk Spanish y Nito Mestre en The Century Indignation. De la fusión de ambas bandas surge la primera encarnación de Sui Generis, integrada, además de por García (teclados y voz) y Mestre (flauta y voz), por Juan Belia en guitarra, Rolando Fortich en bajo y Alberto Rodriguez en batería. Sin embargo, en años venideros, la formación de Sui probó ser de lo más inestable, incluyendo a Mario Carlos Piégari, Alejandro Correa, Francisco Pratti, y varios más. Al momento de grabar su primer LP llegan en su clásica forma de dúo, luego de varias renuncias y deserciones. 

Hay un punto oscuro en cuanto a la fecha de publicación de la primera obra del grupo. Según está consignado oficialmente en ediciones posteriores, Vida, primer trabajo de Sui Generis, vio la luz en 1972, sin embargo, si se tiene en cuenta la reconstrucción de hechos realizada por Roque Di Pietro para su libo Esta noche toca Charly (2017), el año de publicación correcto sería 1973. Editado bajo el sello Talent Microfón (heredero de Mandioca) y con la producción de Jorge Álvarez y Billy Bond, al disco debut de la banda no podría haberle ido mejor, con buena recepción tanto del público como de la crítica. De su grabación participaron dos Manal: Claudio Gabis en guitarra y Alejandro Medina en bajo. 

Canción para mi muerte, tema que abre la placa y que fue editado en formato simple, fue el gran hit. Cuenta la leyenda que Charly lo escribió en pocos minutos, con mucho temor, estando bajo los efectos de ciertas pastillas que había ingerido para lograr dar por terminada su participación en el servicio militar. La canción, que habla claramente sobre la muerte, es lo suficientemente ambigua como para permitir interpretar que Charly (en ese momento acreditado como Charlie) le canta a una amante, algo que pegó fuerte en las adolescentes de la época, y les acercó un público hasta ese momento ajeno al rock. 

El disco, que exuda un claro aroma a folk rock, y tiene entre sus influencias a Simon and Garfunkel y Bob Dylan, aborda como pocos la problemática adolescente de la época, y García ya comienza a exhibir esa facilidad que siempre lo caracterizó para emitir radiografías certeras de la sociedad. Desde su primera obra, Charly ya nos regala hermosas canciones, como Dime quien me lo robó (una de mis favoritas), Mariel y el Capitán, Natalio Ruiz, el hombrecito del sombrero gris (en coautoría con Piégari), Amigo, vuelve a casa pronto, las breves Necesito y Estación, Quizás Porque, y Cuando comenzamos a nacer (otra de mis preferidas). 

Aparecido en agosto de 1973, Confesiones de invierno, el segundo larga duración del grupo, supuso un salto evolutivo importante. Si bien seguía siendo un disco de folk rock, García comenzó a incorporar elementos propios de otros estilos (en Vida ya lo había hecho en Toma dos blues, justamente un blues bastante clásico), coqueteando con el tango, el rock and roll y el rock progresivo. Este álbum tiene mayor calidad de composición tanto en el plano musical (con mejor sonido y arreglos más elaborados) como en las letras. Se nota en el sonido la transición que el dúo estaba experimentado hacia convertirse en un cuarteto. Cuenta con la participación de David Lebón en guitarra y bajo, Juan Rodríguez en batería, Rodolfo Mederos en bandoneón, Leon Gieco en armónica, y Alejandro Medina en bajo, entre otros. Al igual que su predecesor, fue editado por Talent Microfón con la producción de Jorge Álvarez y Billy Bond, y con Gustavo Beytelman a cargo de los arreglos y dirección orquestal. 

El tema que le da nombre a la placa es sin dudas uno de mis favoritos de todo el material de Sui, en solo 4 minutos y sin estribillo (al estilo Dylan) narra la historia de un joven que luego de ser abandonado por su amada, vive un periplo complicado, con elementos propios de la realidad de ese momento, que lo hacen terminar internado en un psiquiátrico. Cuando ya me empiece a quedar solo, es otro punto alto, con toques tangueros donde resalta el bandoneón de Mederos, y una letra en la que Charly se anima a pensar cómo será su vejez. Entre los más rockers podemos contar a Mr. Jones, y el hitazo inoxidable Rasguña las piedras. Otros temas destacables son Bienvenidos al tren, otro éxito que cuenta con la participación de Gieco en armónica, Aprendizaje, quizá la más cercana en estilo a su disco anterior, Lunes otra vez y sus toques folk, y dos canciones que permiten anticipar la marcada tendencia progresiva que tomará el ahora cuarteto, Un hada, un cisne, y Tribulaciones, lamento y ocaso de un tonto rey imaginario, o no, en la que Charly muestra su costado más político, pero desde una óptica original, la del rey que está siendo derrocado. 

El grupo seguía con su popularidad en ascenso, y su actividad en vivo era bastante prolífica. Charly y Nito estaban más ensamblados que nunca, y decidieron darle definitivamente forma de cuarteto al grupo con la incorporación de Rinaldo Rafanelli al bajo y Juan Rodríguez en batería (incorporando a David Lebón de manera estable en guitarra en los shows). Y con esta base grabarían su tercer y último LP de estudio, Pequeñas anécdotas sobre las instituciones (gran título), que aparecería en diciembre de 1974, en medio de un clima político complicado, Triple A mediante, que sin duda influyó en la composición de las canciones. 

Nuevamente editado por Talent Microfón y con la producción de Jorge Álvarez, Sui Generis termina de completar su transición hacia el rock progresivo, con composiciones de mayor complejidad. Charly aprovecha para estrenar varios equipos que había traído especialmente de EEUU, como el Mini Moog, el piano eléctrico Fender Rhodes y el sintetizador de cuerdas ARP string ensemble, que agregan matices y llevan al grupo a un sonido que nunca antes habían conseguido. Las letras, por su parte, reflejan el momento político y la hipocresía reinante en las distintas instituciones propias de la sociedad, hasta tal punto que muchas fueron víctimas de la censura y debieron ser modificadas. Botas locas y Juan Represión directamente tuvieron que ser descartadas y vieron la luz en reediciones posteriores. 

En el LP, además del cuarteto titular, participan Carlos Cutaia (Hammond), Leon Gieco (armónica), María Rosa Yorio en coros (pareja de Charly), David Lebón (guitarra), Oscar Moro (bateria), Jorge Pinchevsky (violín) y Billy Bond (coros), realmente artistas importantes de nuestro rock. Entre los grandes temas que componen el disco destacan Instituciones, El show de los muertos, Las increíbles aventuras del Sr. Tijeras, Pequeñas delicias de la vida conyugal, El tuerto y los ciegos, Música de fondo para cualquier fiesta animada y Para quién canto yo entonces. El matrimonio, la censura, el ejército, la justicia, la vida en sociedad, son algunos de las temáticas que conforman este disco (casi) conceptual, el más ambicioso de la historia del grupo. 

El disco, que fue muy elogiado por la prensa musical del momento, no tuvo el desenvolvimiento esperado en las bateas, y García acusó el golpe. Esta situación, más algunas desavenencias con Nito por el futuro de la banda, y el complejo momento social que vivía el país que los había llevado a ser censurados, precipitaron la decisión de Charly de ponerle punto final al grupo. Pero antes pasarían un par de cosas. Por un lado, cuando promediaba el año 1975 vio la luz el primer y único EP del grupo, de cuatro canciones, una por disco, Quizás, por qué (Vida), Confesiones de invierno (del disco homónimo), Tango en segunda (Instituciones), y uno inédito, Alto en la torre. 

Por el otro, y teniendo en cuenta la popularidad de Sui, era claro que no se iban a apagar en silencio y decidieron dar dos shows despedida en el Luna Park el 5 de septiembre de 1975, con una convocatoria total de 30.000 personas. Esos recitales serían grabados, y editados posteriormente en ese mismo 1975 como Adiós Sui Generis, Vol. I & II. Y luego en 1976 sería presentado en formato film. En dicha grabación se puede apreciar el camino estilístico que estaba emprendiendo Charly, y hay varias semillas que permiten vislumbrar lo que posteriormente terminará cosechando. Además de buenas versiones, más frescas, de hits como Instituciones, Natalio Ruiz, Aprendizaje, Confesiones de invierno, Canción para mi muerte, Un hada, un cisne (en una versión larguísima, claramente un signo de los tiempos de cambio), Pequeñas delicias de la vida conyugal, Tango en segunda y Rasguña las piedras, este registro deja varias perlitas, como por ejemplo un track instrumental llamado La fuga del paralítico, en donde hay varios elementos que se reutilizarían en Serú Girán, un tema cantado por Rinaldo Rafanelli (La niña juega en el gran jardín), una zapada que comienza con el inédito Fabricante de mentiras, que es cortada en la mitad para interactuar con el público, y termina con otra inédita, Botas locas, y El blues del levante, que se convertiría en un favorito del público. 

Hay un tercer volumen de este show, que fue publicado en 1996, a partir de unas cintas que se encontraban extraviadas desde 1975. Son seis canciones, entre las que se encuentras Cuando ya me empiece a quedar solo, ¿Para quién canto yo entonces?, una versión completa de Fabricante de mentiras (que sería grabada por Los Desconocidos de Siempre, la banda de Nito post Sui, en su debut), Nena (más conocido como Eiti Leda de Serú Girán), Bubulina (sería grabado por La Máquina de Hacer Pájaros) y El Fantasma de Canterville (que posteriormente editaría Leon Gieco, y también formaría parte del disco PorSuiGieco). 

El ciclo de Sui Generis duró tres años de gran creatividad, y se cerró a lo grande. Charly ya estaba listo para mudar de piel, para ofrecernos otra versión de su yo. Pero eso es otra historia. La seguimos la próxima.