En 1980 pasarían varias cosas importantes para Serú. Por un lado, vería la luz su tercer larga duración. Bicicleta es tal vez hoy reconocido como el mejor trabajo del grupo, pero en el momento de su salida no causó tanto entusiasmo en la prensa especializada, que lo veía como otro buen trabajo, pero sin destacarse sobre lo que el cuarteto venía produciendo. Fue grabado en los estudios ION, Del Cielito y la casa de Pedro, y editado por SG Discos. La banda, asociada con Daniel Grinbank, su manager, lanzaba de esta forma su sello independiente, dando por terminada su etapa en Sazam Records. Dicha salida prematura fue la que originó que Sazam, en represalia, editara el ya mencionado Música del alma en ese mismo 1980. 

El álbum, pensado originalmente como un disco doble (muchos de los temas no utilizados verían la luz más adelante), tiene una selección de canciones inmejorable, la genial A los jóvenes de ayer ponía su foco en criticar a los tangueros, Mientras miro las nuevas olas ponía ciertos reparos a la New Wave (aunque en el futuro Charly bebería mucho de esas aguas), mientras que Canción de Alicia en el país puede que sea el mejor reflejo de la realidad del país en ese momento, con una marcada influencia de la obra de Lewis Carroll. Además, forman parte de la placa las destacadas Encuentro con el diablo (muchos creen que este tema se escribió luego de una reunión convocada por la junta militar con distintos músicos populares de la época, organizada en un intento de acercarse a la juventud. Sin embargo, el tema venía compuesto desde la época de Buzios, y por otro lado Lebón se encargó de desmentir dicha reunión.), que toma muchiiiisimo “prestado” del clásico de Lynyrd Skynyrd de 1974, Sweet home Alabama, la emotiva Desarma y sangra, la rockera Cuanto tiempo más llevara y la dulce Tema de Nayla, que generó controversia puertas adentro porque Lebón decidió que el solo de piano jazzero estuviera a cargo de Diego Raopoport en lugar de Charly. Sin duda se trata del punto más alto de creatividad del cuarteto, que sonaba más ajustado que nunca. 

La presentación del álbum fue en obras el 6 y 7 de junio de 1980, con una genial puesta en escena de la artista plástica, y amiga de García, Renata Schussheim, y es acá donde podemos marcar el punto de inflexión en el que Serú alcanzaría el éxito masivo. 

En agosto la banda viajaría a Brasil para participar del Monterrey Jazz Festival que iba a tener lugar en Río de Janeiro. Esto sin duda representaba un gran reconocimiento para el grupo, que tocaría junto a artistas de la talla de Pat Metheny, John McLaughlin, Hermeto Pascoal o Weather Report. El plan incial era que Serú actúe en la primera parte de festival, pero su performance fue tan contundente que fueron invitados a tocar también en el evento principal. Adicionalmente a la importancia que tuvo la repercusión del show para el devenir de la banda, sin duda uno de sus puntos más altos, acá también se siembra una de las semillas que la llevaran a su fin, es el primer contacto de Pat Metheny con Pedro Aznar. 

Como si esto fuera poco, 1980 todavía tenía un par de eventos importantes para Serú. En septiembre realizarían dos recitales junto a Spinetta Jade, otro gigante de la época, desterrando los rumores esparcidos entre el público de una supuesta rivalidad entre las bandas. Y en diciembre darían un recital gratuito en La Rural, organizado por ATC, que convocaría a 60.000 personas, cifra inédita hasta ese momento en nuestro rock. 

Luego de presentarse en vivo en marzo del ‘81 en el marco de los recitales típicos de Carnaval, el grupo entraría al estudio ION (también grabarían en Wacameca Studios) en abril para comenzar a grabar su cuarto y último trabajo de estudio. Peperina, nuevamente editado a través de su sello SG Discos, vería la luz en agosto, y supondría una nueva colección de grandes canciones, dejando particularmente satisfecho a Charly en cuanto a la calidad lograda en la grabación. Entre sus momentos más inspirados podemos destacar al tema que da título a la obra (ya es conocida la historia de que fue dedicado a una corresponsal que Expreso Imaginario tenía en Córdoba, y que siempre se encargaba de criticar de forma negativa los shows de la banda), Llorando en el espejo, la blusera Esperando nacer, la genial Cinema verité (Charly y su don para la crónica), y En la vereda del sol, entre otras. Musicalmente se siente cierta continuidad con su trabajo anterior (de hecho, se utilizaron varias canciones compuestas para Bicicleta), pero nada permite adivinar que se trata del fin de un ciclo. 

En diciembre realizaron tres recitales en el Teatro Coliseo para despedir el año. El concierto se caracterizó por la participación de las Bay Biscuits, un grupo de teatro y música que integraba, entre otras, Fabiana Cantilo. Su acto se intercalaba en el medio del recital y todas las noches fue mal recibido por el público. De esos shows sobreviviría una grabación pirata que, en el año 2000, ya remasterizada, sería editada como un CD doble bajo el nombre de Yo no quiero volverme tan loco, bajo el sello Sony Music. Moro sería el responsable de dar con las cintas, cuando en una visita al Parque Rivadavia fue abordado por una persona que lo puso en conocimiento de la existencia de dicha grabación. La calidad sorprendió a todos los exmiembros de la banda que decidieron editarla. Se trata de un gran recital en el que destacan, además de buenas versiones de Canción de Alicia en el país, A los jóvenes de ayer o Cinema verité, algunos inéditos, como Oh Dios, ¿qué puedo hacer?, Inconsciente colectivo, que vería la luz en el primer disco solista de Charly, Alto en la torre, rescatada de la época de Sui Generis (solo editada en forma de simple), y Pena en mi corazón, una versión acelerada y más rockera de la que luego conoceríamos como Yo no quiero volverme tan loco. 

En enero de 1982 Aznar fue convocado por Pat Metheny para tocar en su banda. Eso sumado a la decisión del bajista de ir a estudiar al Berklee College of Music de Boston precipitó el final del grupo. Serú tenía los días contados, solo quedaban un par de shows para la despedida. En febrero realizaron una gira por varios destinos de la Costa Atlántica y en marzo llegaron los recitales despedida (aunque en ese momento todavía no sabían que serían los últimos) en Obras. Si bien el cuarteto siempre daba un plus en vivo, esta vez el grado de intensidad y emotividad fue mayor. Los que estuvieron dicen que fueron shows memorables. La banda seguramente lo intuía dado que fueron grabados con vistas a la edición de su primer disco en vivo. Ese mismo año saldría a la venta, a través de SG Discos, No llores por mí, Argentina, que recogía varias canciones de esos recitales y acumulaba varios retoques posteriores en estudio (ION). Además de varios hits de sus obras anteriores, el disco incluyó el tema homónimo, un rock potente cuya letra reflejaba el momento convulso del país, y Popotitos, un cover de la banda mexicana Teen Tops que a su vez era una versión en español de Bonie Moronie, de Larry Williams. 

Hubo un breve período de tiempo en que Charly, David y Oscar pensaron en seguir sin Pedro, en formato trío (al menos hasta encontrarle reemplazante al bajista). Sin embargo, pronto tanto García como el Ruso comenzaron a trabajar en sendos proyectos solistas que dieron por tierra con la posibilidad de continuar. Así se terminaba una de las mejores y más importantes bandas de nuestro rock, y Charly se preparaba para un nuevo salto en su carrera. 

Acá termina la primera temporada de nuestro recorrido por la carrera de García. Seguramente luego de unos meses de descanso volveremos con la segunda, para abarcar la gran carrera solista de uno de los genios del rock de acá.

Al cierre del episodio anterior, vimos como Charly se iba a instalar a Brasil, junto a David Lebón, para armar un nuevo proyecto. Con el dinero recaudado en el Festival del Amor, se radicaron en Buzios, donde durante tres meses se dedicaron a componer varias canciones y a experimentar un poco. Sin embargo, no todo salió redondo. Por un tema de derechos de importación, de elevado costo, no pudieron ingresar al país limítrofe con los equipos que llevaban a cuestas. A los dos meses de estadía, promediando enero del ‘78, Charly decide volver a Buenos Aires para arreglar un contrato con Oscar López y Billy Bond, quienes se encargarían de ser los productores en esta nueva etapa para Sazam Records, una subsidiaria de Music Hall. Además, aprovechando la visita empleó el tiempo para buscar integrantes para su nueva banda. 

Fue en un recital de Pastoral, al que asistió junto al ex bajista de la Máquina, José Luis Fernández, en donde vio por primera vez tocar a Pedro Aznar, un joven de 18 años que la rompía con el bajo. Esa misma noche decidió convocarlo para su nuevo proyecto. Por suerte para todos los amantes de la música, no necesitó mucho para convencerlo. Por último, García llamó a un viejo conocido, Oscar Moro, con quien había terminado de tocar hacía meses atrás en la Máquina. 

Con todas las piezas en su lugar, y utilizando parte del adelanto recibido por la firma del contrato, Charly le pagaría el pasaje a Pedro y Moro para que vayan a Brasil a reunirse con él y Lebón, y también se ocuparía de rescatar los equipos varados. Ahora sí, estaba todo listo para que estos cuatro grandes músicos formaran una de las bandas más importantes de nuestro rock, una verdadera superbanda y una de mis favoritas. Serú Girán estaba a la vuelta de la esquina. 

Con el material compuesto en esos meses en Brasil, entre marzo y abril de 1978 ingresaron al estudio El Dorado de San Pablo para comenzar el proceso de grabación del primer LP. También grabaron como banda de acompañamiento en el disco Billy Bond and the Jets, para el cual aportaron varios temas en la composición, entre los que se destaca Loco (¿no te sobra una moneda?), canción compuesta por García, y que Serú solía tocar en vivo. 

La grabación de Serú Girán (el disco debut se llamaría igual que la banda) se completó en los estudios ABC de Los Ángeles y contó con la participación de Daniel Goldberg en arreglos orquestales, que se destacan en el tema que le da nombre tanto al disco como a la banda y Eiti Leda (Charly ya lo había tocado junto a Sui Generis bajo el nombre de Nena). El larga duración tiene grandes canciones que con el tiempo se volverían clásicos indiscutidos de nuestro rock, como Seminare, la ya mencionada Eiti Leda, El mendigo en el andén o Voy a mil. El nivel creativo era tal, que llegaron a inventar un nuevo idioma para la letra del track Serú Girán. La complejidad de las composiciones y las armonías situaban a Serú en un nivel superior al resto de las bandas locales del momento. La placa exhibe una mezcla balanceada de rock nacional, rock progresivo, jazz y algunos toques de ritmos brasileros. No había nada igual en estas pampas. El mayor peso compositivo lo tiene Charly, con aportes de Lebón. 

La presentación en sociedad del cuarteto fue en julio del ‘78, en el Luna Park, cuando participaron del Festival de la Genética Humana, un show que les había conseguido su nuevo manager, Daniel Grinbank. Festival no exento de polémica, dado que la fundación que lo auspiciaba era presidida por la mujer de Videla. Solo tocaron tres canciones con un sonido que no estuvo a la altura. 

Su primer recital importante fue en noviembre de ese mismo año, en el Estadio Obras Sanitarias, con motivo de la presentación de su primer trabajo. El resultado no pudo ser más decepcionante. Si bien hay testimonios de asistentes que ponderan ciertas virtudes del show, la prensa de la época parece acordar que el concierto estuvo lejos de lo esperado. Entre las críticas más destacadas la actitud de los músicos fue la principal, haciendo foco en cierto egocentrismo y engreimiento por su parte. El periodista y poeta Pipo Lernoud llegó a decir que esa noche no tocó Serú Girán, sino sus dobles. La relación de la banda con la prensa especializada comenzaba con el pie izquierdo, y llegaría a su punto álgido cuando una publicación dedicada al rock titulara su nota de tapa así: “Charly García ¿ídolo o qué?”. Sin embargo, y a pesar del encono, Serú arrasaría en la encuesta de la revista Pelo con lo mejor de 1978, ganando en las categorías mejor tecladista, mejor guitarrista, mejor bajista, mejor baterista, mejor compositor (Charly), mejor grupo en vivo y mejor tema (Seminare). 

Este inicio un tanto desparejo tuvo repercusiones dentro del grupo, y hasta se llegó a especular con la separación de la banda. Estos rumores probaron ser falsos, pero los efectos de las críticas se harían notar en su próximo trabajo. El año 1979 los encontraría trabajando en nuevas canciones, que entrarían a grabar entre junio y agosto en los estudios ION. El resultado, que saldría ese mismo año, es La grasa de las capitales, una gran obra, musicalmente más directa que la anterior, despojada de cuerdas, y con letras que suponen una vuelta de Charly a la crónica y crítica social. Entre los temas del disco destacan el que le da nombre, en el que García aprovecha para verter una crítica a la frivolidad de la fama y sus distintas vicisitudes, San Francisco y el lobo, en el que pone el foco en la crueldad humana, la oscura y genial Viernes 3 AM, de hermosa melodía, tuvo problemas de censura porque se consideraba que su letra podía inducir al suicidio, y Noche de perros, otro punto alto en lo melódico, que tienen muy buenos aportes del bajo de Aznar. 

El arte de tapa imitaba la portada de una revista, algo similar a la Gente, con algunos titulares que hacían referencia a las diversas críticas que la banda y especialmente Charly, habían recibido el año anterior. Su presentación fue en seis exitosas funciones en el Auditorio Buenos Aires, para luego continuar con una gira por Córdoba, San Luis y Mendoza. Este disco marca el comienzo del romance de Serú con su público, y también con la prensa especializada. Adicionalmente es el último que vería la luz por Sazam Records, para Music Hall. Los esperaba el camino de la independencia. 

El año 1980 llegaría con bastantes novedades para el grupo, pero eso lo dejamos para el próximo capítulo de este recorrido.

Este episodio comienza con un flashback. No voy a retomar exactamente donde dejamos (y acá incluyo al lector en el plural) a Charly en la entrega anterior. Es 1974 y Sui Generis todavía está activo, en el fértil período que va desde la salida de Confesiones de invierno, hasta la de Instituciones. Charly y Nito, junto a algunos amigos, deciden encarar un proyecto distinto. En principio un poco más ambicioso de lo que terminó siendo. 

PorSuiGieco y su Banda de Avestruces Domadas fue la primera superbanda folk de nuestro país, muy al estilo de unos Stills, Crosby, Nash & Young de las pampas. Fue un proyecto que juntó a Charly, Nito, Raul Porchetto, Leon Gieco y María Rosa Yorio. Casi sin publicidad y con ganas de realizar una gira de varias presentaciones, debutaron en el Auditorio Kraft, una pequeña sala del centro porteño, en 1974. 

Sin embargo, y más allá de las intenciones, el grupo solo pudo realizar dos presentaciones más por el interior (Tandil y Mar del Plata), y llegó a grabar un larga duración en 1975, que vería la luz un año después, con Sui ya disuelto, y cuya producción recaería en Jorge Álvarez, para el sello Talent. La obra posee dos características fundamentales, por un lado, se aleja del formato acústico de los recitales anteriores (en la placa grabaron grandes músicos del momento, como Oscar Moro, Rinaldo Rafanelli, Pino Marrone, Juan Rodríguez, Gustavo Bazterrica, Leo Sujatovich y José Luis Fernández), por el otro, se trata de una muestra de composiciones que cada miembro aportó por separado, y no de canciones creadas en conjunto. 

Charly aporta grandes gemas a esta obra, como la bella Quiero ver, quiero ser, quiero entrar, que se puede disfrutar en la voz de María Rosa, Antes de gira, Tu alma te mira hoy (cuya letra pertenece a Mario Carlos Piégari), y la censurada El fantasma de Canterville (con Gieco en voz), que aparece como track oculto en algunas ediciones del disco. También hay una importante participación de León, que brinda una nueva versión de Todos los caballos blancos, la rockera La mamá de Jimmy, Viejo, solo y borracho, y la que se convertiría en un hit inoxidable, La colina de la vida. Por su parte Porchetto sumaría Las puertas del acuario y Mujer del bosque, y Nito agregaría su primera composición en ver la luz en un LP, Fusia. 

Ahora sí, ya estamos listos (el lector, el propio Charly, y quien escribe) para dejar atrás (aunque nunca del todo) el pulso folk, y adentrarnos en una nueva etapa de la vida musical de uno de los más grandes compositores de la música contemporánea de nuestro país. 

Luego del final de Sui, Charly estaba un poco cansado, quería armar un nuevo proyecto, pero sin ser el protagonista excluyente, ni llevar todo el peso compositivo. Su idea era formar una banda, que le permitiera explorar nuevas influencias, que ya estaban presentes en el último disco de Sui Generis, me refiero al rock progresivo. Para eso el primer convocado fue el ex Gatos y Color Humano, Oscar Moro, para hacerse cargo de la batería. 

Gracias a la grabación del disco de PorSuiGieco, García conoció al por entonces bajista de Crucis, José Luis Fernández. Su solidez había llamado la atención de Charly, y es por eso que pensó en él para cerrar la base rítmica de su nueva agrupación. Así se formó, en 1975, la primera versión de La Máquina de Hacer Pájaros (nombre tomado de una tira de humor gráfico que publicaba Crist llamada casualmente García y La Máquina de Hacer Pájaros), que tocó en Córdoba como trío. Sin embargo, para completar la formación definitiva, todavía le faltaban un par de adiciones. Por un lado, sumaron a Gustavo Bazterrica en guitarras, que venía de formar parte de la banda de Raúl Porchetto, y por el otro, a Ana María Quatraro y Héctor Dengis en coros. Esta decisión tiene que ver con cierta inseguridad que García estaba viviendo en la parte vocal. Con esta alineación de cuarteto más coros se presentaron varias vecen en La Bola Loca, un boliche propiedad de Atilio Stampone. Luego de estos shows, Charly decide eliminar los coros, algo que no lo había dejado para nada conforme y convoca a un tecladista más, el ex Pescado Rabioso Carlos Cutaia. Esta última incorporación significó la conformación definitiva de La Máquina, y con ella ingresaron, en 1976, al estudio a grabar su primer LP. 

El disco debut, llamado como la banda, fue grabado entre junio y septiembre de 1976 en los estudios ION, y fue lanzado ese mismo año a través del sello Talent Microfón. Entre sus canciones, todas compuestas por Charly, a pesar de que esa no fuera su intención primigenia, hay algunas que provenían de la época de Sui, como Bubulina (ya había sido tocada en vivo), pero fueron revestidas de una musicalización bastante más compleja. Si bien es una obra de marcado corte progresivo/sinfónico, con influencias de Focus, Yes, Camel y Genesis, entre otras, no abandona de todo el pulso folk, en piezas como Como mata el viento norte, con la participación de María Rosa Yorio y Nito Mestre en coros, y la genial Por probar el vino y el agua salada. Otras canciones destacadas son Boletos, pases y abonos, y la suite Ah te vi entre las luces. Además del trabajo y la complejidad de las composiciones, y el alejamiento de la temática adolescente en las letras, hay algo que caracteriza al disco, las voces están casi en un segundo plano y muchas veces cuesta entenderlas. Además, la participación de Cutaia es limitada, ya que muchas canciones ya se encontraban grabadas cuando se incorporó al conjunto. 

El LP que, a pesar de tener buena recepción tanto de crítica como de público, no alcanzó las expectativas del propio Charly en cuanto a su acogimiento, fue hasta ese momento el más caro de la historia de nuestro rock, principalmente por la cantidad de horas de estudio que insumió su grabación. La tapa del disco mostraba una historieta realizada por el propio Crist. Su presentación fue en noviembre del ‘76 en el teatro Astral, en varios shows en los que el grupo intentó reproducir el disco de la manera más fiel posible, una idea que García hacía rato que tenía en la cabeza. 

Luego de una gira por el interior del país que se llevaría a cabo durante los primeros meses de 1977, la Máquina volvería a los estudios ION, para grabar su segundo y último trabajo durante el otoño de dicho año. Películas, tal es el nombre de este LP, fue nuevamente editado por Talent Microfón, y significó un nuevo paso adelante en la carrera de Charly. Con un sonido orgánico, arreglos más elaborados, incorporación de nuevos ritmos (sobre todo latinos), es una obra sumamente bella y sin duda el mejor trabajo del grupo. El peso compositivo esta vez estuvo más repartido, aunque siempre con el claro liderazgo de García que participa compositivamente en 7 de las 8 canciones del disco (aunque solo dos son de su exclusiva autoría), y aprovecha para incorporar varias críticas a la situación del país (recordar que la última dictadura militar estaba en el poder desde hacía un año), a través de efectivas metáforas, en sus letras. 

Entre las grandes canciones que componen esta obra destacan la instrumental Obertura 777, que abre una ventana al futuro, No te dejes desanimar, con una notable tensión pop, uno de mis temas favoritos de La Máquina, ¿Qué se puede hacer salvo ver películas?, que desde el título plantea una crítica a la situación del país, Hipercandombe, un (como su nombre lo indica) candombe eléctrico y Ruta perdedora. La presentación fue en julio del ‘77 en el teatro Coliseo, y posteriormente con un show en el Luna Park. El disco, al igual que su predecesor, no tuvo la recepción esperada, y fue revalorizado con el correr de los años. 

1977 fue un año movido para Charly, en marzo nacería su hijo Miguel Ángel (Migue), luego se separaría de María Rosa Yorio (que se fue con Nito), conocería a la bailarina brasilera Marisa “Zoca” Perderneiras, quien sería su gran amor y musa, y pondría fin a su segundo grupo, La Máquina de Hacer Pájaros. El final no fue del todo abrupto. En primer lugar, y por varios incumplimientos y llegadas tarde y faltazos a los ensayos, deciden expulsar del grupo a Gustavo Bazterrica. Posteriormente, y de cara a la posible grabación de un tercer trabajo, Charly se negó a democratizar la composición de las canciones, cosa que planteaba el resto del grupo. Esto, sumado a algunos problemas de ego relacionados a trabajar con otro tecladista, más las críticas recibidas por la prensa que, por esa época, comenzaba a tildarlo de cirquero por su performance en los shows, y un cansancio generado por llevar el peso de la estructura de un grupo y todo lo que ello implicaba (algo que había buscado intencionalmente al formar la Máquina), lo llevaron a tomar la decisión de abandonar el grupo. Su idea era que el conjunto siguiera sin él, pero luego de algunos ensayos, el resto de los músicos decidió ponerle punto final a esta experiencia. 

Mientras se acercaba el final de 1977, Charly decide que se radicará unos meses en Brasil, siguiendo a Zoca, su nuevo amor, pero no sin antes despedirse del público argentino. Para eso, organiza un recital con amigos, que fue bautizado como el Festival del Amor, y tuvo lugar el 11 de noviembre en el Luna Park. En él tocaron artistas como David Lebón, quien era muy cercano a García por esos días, y al que convencería de instalarse en Buzios durante los primeros meses de 1978 (aunque esa es otra historia), Raúl Porchetto, León Gieco, Gustavo Santaolalla, Nito Mestre, y los miembros de La Máquina de Hacer Pájaros, para los que esta ocasión sirvió de despedida oficial. 

Cuenta la leyenda que Charly y David, ya preparando su viaje a Brasil, se encontraban sin un peso, y decidieron organizar este recital para recaudar fondos que les permitieran establecerse en el país vecino sin sobresaltos. El show duró más de cuatro horas durante las cuales Charly y los distintos artistas invitados tocaron más de cuarenta canciones, y fue grabado con miras a la edición de un disco en vivo. Sin embargo, debido a problemas técnicos sufridos durante el show, la calidad de la grabación no fue la óptima, y se tuvieron que realizar varias regrabaciones en los estudios ION entre enero y febrero de 1978.

A pesar de todo este trabajo, el disco recién saldría a la luz en 1980, a través del sello Sazam Records (subsidiaria de Music Hall), producido por Oscar López, en un momento en que Charly tenía otro LP en circulación, pero con otra discográfica. Esta era la venganza de Music Hall, que no le perdonaba a García haberse ido de sus filas. Entre los temas que incluye destacan algunos inéditos como Iba acabándose el vino, Gaby (recuperado de la primera época de Sui Generis, compuesto por Carlos Piégari y Alejandro Correa) y Música del alma (canción que daría título al larga duración), una extensa versión de Boletos, pases y abonos, y el Fantasma de Canterville. También hay canciones de Lebón (Dos edificios dorados, Hombres de mala sangre, entre otras), Porchetto (Sentado en el umbral de Dios) y Gieco (Las dulces promesas). La tapa sería realizada por la artista plástica Renata Schussheim. Se trata de una obra menor, en la vasta discografía de Charly.

De esta manera, García cerraría una nueva etapa de su carrera, dejando atrás la locura de Buenos Aires, para cambiarla por la vida en las playas de Brasil. El futuro le depararía nuevos proyectos y desafíos. Sin duda, para Charly lo mejor estaba por llegar.

Cualquiera que siga desde hace varios años la continuidad de este blog merece un premio sabe que me gusta mucho el rock de acá, y que, entre los artistas más destacados de su vasta historia, Charly García ocupa un lugar especial. El músico nacido el 23 de octubre de 1951 siempre fue uno de mis predilectos y me acompaña con su música desde la más tierna infancia. Hay una versión de Charly para cada una de las etapas de mi vida. Y es probable que a muchos de sus fans les pase algo similar, dado que García ha sabido metamorfosearse con el tiempo, adaptándose a los distintos momentos musicales, sin perder nunca ese sello tan personal que siempre lo caracterizó. Hoy en Expreso les propongo comenzar un recorrido a través de la historia de Carlos Alberto García Moreno, a partir de sus discos, es decir, su obra. 

De su inicio en la música se han escrito incontables páginas, de su asistencia al conservatorio Thibaud Piazzini, de cómo se recibió de profesor de piano a los 12 años (algo no tan extraordinario en esa época), de cómo dejó la música clásica al escuchar a los Beatles por primera vez, del contacto que tuvo desde muy pequeño con grandes figuras del folklore gracias al trabajo de su madre, todas piezas importantes en el futuro de Charly. Sin embargo, mi intención es comenzar este relato un poco después. 

Corría el año 1969 cuando dos alumnos del Instituto Social Militar Dr. Dámaso Centeno cruzaron sus caminos por primera vez. Charly por ese entonces tocaba en To Walk Spanish y Nito Mestre en The Century Indignation. De la fusión de ambas bandas surge la primera encarnación de Sui Generis, integrada, además de por García (teclados y voz) y Mestre (flauta y voz), por Juan Belia en guitarra, Rolando Fortich en bajo y Alberto Rodriguez en batería. Sin embargo, en años venideros, la formación de Sui probó ser de lo más inestable, incluyendo a Mario Carlos Piégari, Alejandro Correa, Francisco Pratti, y varios más. Al momento de grabar su primer LP llegan en su clásica forma de dúo, luego de varias renuncias y deserciones. 

Hay un punto oscuro en cuanto a la fecha de publicación de la primera obra del grupo. Según está consignado oficialmente en ediciones posteriores, Vida, primer trabajo de Sui Generis, vio la luz en 1972, sin embargo, si se tiene en cuenta la reconstrucción de hechos realizada por Roque Di Pietro para su libo Esta noche toca Charly (2017), el año de publicación correcto sería 1973. Editado bajo el sello Talent Microfón (heredero de Mandioca) y con la producción de Jorge Álvarez y Billy Bond, al disco debut de la banda no podría haberle ido mejor, con buena recepción tanto del público como de la crítica. De su grabación participaron dos Manal: Claudio Gabis en guitarra y Alejandro Medina en bajo. 

Canción para mi muerte, tema que abre la placa y que fue editado en formato simple, fue el gran hit. Cuenta la leyenda que Charly lo escribió en pocos minutos, con mucho temor, estando bajo los efectos de ciertas pastillas que había ingerido para lograr dar por terminada su participación en el servicio militar. La canción, que habla claramente sobre la muerte, es lo suficientemente ambigua como para permitir interpretar que Charly (en ese momento acreditado como Charlie) le canta a una amante, algo que pegó fuerte en las adolescentes de la época, y les acercó un público hasta ese momento ajeno al rock. 

El disco, que exuda un claro aroma a folk rock, y tiene entre sus influencias a Simon and Garfunkel y Bob Dylan, aborda como pocos la problemática adolescente de la época, y García ya comienza a exhibir esa facilidad que siempre lo caracterizó para emitir radiografías certeras de la sociedad. Desde su primera obra, Charly ya nos regala hermosas canciones, como Dime quien me lo robó (una de mis favoritas), Mariel y el Capitán, Natalio Ruiz, el hombrecito del sombrero gris (en coautoría con Piégari), Amigo, vuelve a casa pronto, las breves Necesito y Estación, Quizás Porque, y Cuando comenzamos a nacer (otra de mis preferidas). 

Aparecido en agosto de 1973, Confesiones de invierno, el segundo larga duración del grupo, supuso un salto evolutivo importante. Si bien seguía siendo un disco de folk rock, García comenzó a incorporar elementos propios de otros estilos (en Vida ya lo había hecho en Toma dos blues, justamente un blues bastante clásico), coqueteando con el tango, el rock and roll y el rock progresivo. Este álbum tiene mayor calidad de composición tanto en el plano musical (con mejor sonido y arreglos más elaborados) como en las letras. Se nota en el sonido la transición que el dúo estaba experimentado hacia convertirse en un cuarteto. Cuenta con la participación de David Lebón en guitarra y bajo, Juan Rodríguez en batería, Rodolfo Mederos en bandoneón, Leon Gieco en armónica, y Alejandro Medina en bajo, entre otros. Al igual que su predecesor, fue editado por Talent Microfón con la producción de Jorge Álvarez y Billy Bond, y con Gustavo Beytelman a cargo de los arreglos y dirección orquestal. 

El tema que le da nombre a la placa es sin dudas uno de mis favoritos de todo el material de Sui, en solo 4 minutos y sin estribillo (al estilo Dylan) narra la historia de un joven que luego de ser abandonado por su amada, vive un periplo complicado, con elementos propios de la realidad de ese momento, que lo hacen terminar internado en un psiquiátrico. Cuando ya me empiece a quedar solo, es otro punto alto, con toques tangueros donde resalta el bandoneón de Mederos, y una letra en la que Charly se anima a pensar cómo será su vejez. Entre los más rockers podemos contar a Mr. Jones, y el hitazo inoxidable Rasguña las piedras. Otros temas destacables son Bienvenidos al tren, otro éxito que cuenta con la participación de Gieco en armónica, Aprendizaje, quizá la más cercana en estilo a su disco anterior, Lunes otra vez y sus toques folk, y dos canciones que permiten anticipar la marcada tendencia progresiva que tomará el ahora cuarteto, Un hada, un cisne, y Tribulaciones, lamento y ocaso de un tonto rey imaginario, o no, en la que Charly muestra su costado más político, pero desde una óptica original, la del rey que está siendo derrocado. 

El grupo seguía con su popularidad en ascenso, y su actividad en vivo era bastante prolífica. Charly y Nito estaban más ensamblados que nunca, y decidieron darle definitivamente forma de cuarteto al grupo con la incorporación de Rinaldo Rafanelli al bajo y Juan Rodríguez en batería (incorporando a David Lebón de manera estable en guitarra en los shows). Y con esta base grabarían su tercer y último LP de estudio, Pequeñas anécdotas sobre las instituciones (gran título), que aparecería en diciembre de 1974, en medio de un clima político complicado, Triple A mediante, que sin duda influyó en la composición de las canciones. 

Nuevamente editado por Talent Microfón y con la producción de Jorge Álvarez, Sui Generis termina de completar su transición hacia el rock progresivo, con composiciones de mayor complejidad. Charly aprovecha para estrenar varios equipos que había traído especialmente de EEUU, como el Mini Moog, el piano eléctrico Fender Rhodes y el sintetizador de cuerdas ARP string ensemble, que agregan matices y llevan al grupo a un sonido que nunca antes habían conseguido. Las letras, por su parte, reflejan el momento político y la hipocresía reinante en las distintas instituciones propias de la sociedad, hasta tal punto que muchas fueron víctimas de la censura y debieron ser modificadas. Botas locas y Juan Represión directamente tuvieron que ser descartadas y vieron la luz en reediciones posteriores. 

En el LP, además del cuarteto titular, participan Carlos Cutaia (Hammond), Leon Gieco (armónica), María Rosa Yorio en coros (pareja de Charly), David Lebón (guitarra), Oscar Moro (bateria), Jorge Pinchevsky (violín) y Billy Bond (coros), realmente artistas importantes de nuestro rock. Entre los grandes temas que componen el disco destacan Instituciones, El show de los muertos, Las increíbles aventuras del Sr. Tijeras, Pequeñas delicias de la vida conyugal, El tuerto y los ciegos, Música de fondo para cualquier fiesta animada y Para quién canto yo entonces. El matrimonio, la censura, el ejército, la justicia, la vida en sociedad, son algunos de las temáticas que conforman este disco (casi) conceptual, el más ambicioso de la historia del grupo. 

El disco, que fue muy elogiado por la prensa musical del momento, no tuvo el desenvolvimiento esperado en las bateas, y García acusó el golpe. Esta situación, más algunas desavenencias con Nito por el futuro de la banda, y el complejo momento social que vivía el país que los había llevado a ser censurados, precipitaron la decisión de Charly de ponerle punto final al grupo. Pero antes pasarían un par de cosas. Por un lado, cuando promediaba el año 1975 vio la luz el primer y único EP del grupo, de cuatro canciones, una por disco, Quizás, por qué (Vida), Confesiones de invierno (del disco homónimo), Tango en segunda (Instituciones), y uno inédito, Alto en la torre. 

Por el otro, y teniendo en cuenta la popularidad de Sui, era claro que no se iban a apagar en silencio y decidieron dar dos shows despedida en el Luna Park el 5 de septiembre de 1975, con una convocatoria total de 30.000 personas. Esos recitales serían grabados, y editados posteriormente en ese mismo 1975 como Adiós Sui Generis, Vol. I & II. Y luego en 1976 sería presentado en formato film. En dicha grabación se puede apreciar el camino estilístico que estaba emprendiendo Charly, y hay varias semillas que permiten vislumbrar lo que posteriormente terminará cosechando. Además de buenas versiones, más frescas, de hits como Instituciones, Natalio Ruiz, Aprendizaje, Confesiones de invierno, Canción para mi muerte, Un hada, un cisne (en una versión larguísima, claramente un signo de los tiempos de cambio), Pequeñas delicias de la vida conyugal, Tango en segunda y Rasguña las piedras, este registro deja varias perlitas, como por ejemplo un track instrumental llamado La fuga del paralítico, en donde hay varios elementos que se reutilizarían en Serú Girán, un tema cantado por Rinaldo Rafanelli (La niña juega en el gran jardín), una zapada que comienza con el inédito Fabricante de mentiras, que es cortada en la mitad para interactuar con el público, y termina con otra inédita, Botas locas, y El blues del levante, que se convertiría en un favorito del público. 

Hay un tercer volumen de este show, que fue publicado en 1996, a partir de unas cintas que se encontraban extraviadas desde 1975. Son seis canciones, entre las que se encuentras Cuando ya me empiece a quedar solo, ¿Para quién canto yo entonces?, una versión completa de Fabricante de mentiras (que sería grabada por Los Desconocidos de Siempre, la banda de Nito post Sui, en su debut), Nena (más conocido como Eiti Leda de Serú Girán), Bubulina (sería grabado por La Máquina de Hacer Pájaros) y El Fantasma de Canterville (que posteriormente editaría Leon Gieco, y también formaría parte del disco PorSuiGieco). 

El ciclo de Sui Generis duró tres años de gran creatividad, y se cerró a lo grande. Charly ya estaba listo para mudar de piel, para ofrecernos otra versión de su yo. Pero eso es otra historia. La seguimos la próxima.

Bienvenidos a la cuarta y última entrega de esta playlist que con ésta alcanzará las veinte canciones. Obviamente que esto no se agota acá y hay un sinnúmero de bandas y temas copados de esta época, pero es tarea del lector descubrirlos. La idea siempre fue presentar estas obras a gente que quizá no las conocía, y tratar de aportar algo nuevo a los ya iniciados. 

En este post encontraremos a bandas de dos viejos conocidos, que atravesaron la historia de nuestro Rock tanto con sus agrupaciones como en su versión solista, grupos interesantes, cuyos miembros tenían ya historia del Rock local, algunos de duración efímera, otros que terminaron estableciéndose en Europa, y la que es para mí la Gran Banda (si, con mayúscula) del Rock argento. 

Sin más preámbulos, los dejo con las cinco canciones elegidas para cerrar este listado. 

Ceremonias para disolver, Aquelarre, 1973. 

Integrada por Héctor Starc en guitarra, Emilio del Güercio en bajo y voz, Hugo González Neira en teclados, y Rodolfo García en batería, Aquelarre es una de las tres agrupaciones que surgió luego del desmembramiento de Almendra. Tras la edición de sus dos primeros LP, Aquelarre, y Candiles, la banda editaría un simple cuyo lado A seria Violencia en el parque, y el tema que nos ocupa lo acompañaría como lado B. Se trata de un SP de gran nivel, dado que cualquiera de las dos canciones podría haber integrado esta selección. Inicia con protagonismo del teclado, para luego ceder espacio a la guitarra, y a la voz de Del Güercio que entona una melodía irresistible y una letra un tanto críptica, que arranca como si estuviese ya empezada: "Desde la mesa manda traer café, también/las ceremonias para disolver mi voz/prácticamente vuelvo así,/casi palpitando el espacio que me dan". Un gran tema condensado en poco menos de tres minutos y medio. 

Elementales leches, Invisible, 1973. 

Esta es la tercera banda formada por el flaco Spinetta, la segunda en la que le "roba" la sección rítmica, compuesta por Pomo Lorenzo en batería y Machi Rufino en bajo, a Pappo. Elementales leches fue el lado B del single debut del grupo, cuyo lado A fue Estado de coma. Es una de las canciones que más me gustan del flaco, y eso que tiene muchos grandes temas. Luego de una brevísima intro instrumental, irrumpe la voz de Spinetta, con una melodía bastante accesible para lo que luego sería el estilo del grupo, pero que ya dejaba entrever lo que depararía el futuro, con una letra bien spinetteana, de tintes existencialistas, cuyo centro parece ser la frase "lo que está y no se usa nos fulminara...", y que tiene dos partes bien diferenciadas, una en el medio de la otra. La obra fue prohibida por la dictadura, ya que asociaba la palabra leches con el semen y consideraba que promovía el desenfreno sexual. 

Por probar el vino y el agua salada, La Máquina de Hacer Pájaros, 1976. 

Cuando Charly decidió disolver Sui Generis pegó un volantazo que puede resultar sorpresivo, pero que no deja de ser lógico si se analiza la evolución del grupo y el contexto de la época, armó junto a Gustavo Bazterrica en guitarra, José Luis Fernández en bajo, Oscar Moro en batería y Carlos Cutaia en teclados, una banda de rock progresivo. La canción forma parte de su primer LP, y todavía conserva vestigios de lo que fue su banda anterior con ese inicio acústico con la guitarra, al que rápidamente se le suma el teclado y la voz de García entonando una hermosa melodía. Sobre el final de la primera parte se nota que las intenciones de la banda van más allá que la simpleza del folk, y el tema, en sus tres minutos y medio, pasa por diferentes climas. La letra nos presenta dos personajes, Julia y el Rey, que quieren romper con los moldes y se ocupan de probar los placeres y dolores que la vida tiene para ofrecer. 

Sueltate Rock and Roll, Polifemo, 1976. 

El trío integrado por David Lebón (voz y guitarra), Rinaldo Rafanelli (bajo) y Juan Rodríguez (batería) tenían un sonido de rock compacto. El tema se editó como simple con el gran "Oye Dios que me has dado" como lado B, y fue lo que hizo que el grupo pasase de ser telonero de Sui Generis a ser reconocido a nivel nacional. Las claves de su éxito, y que le garantizan un lugar en esta selección, tienen que ver con poseer un riff característico, a cargo de Lebón, una sólida base rítmica, un buen solo de guitarra, y todo esto en la forma de uno de esos rocks básicos y muy gancheros que tanto se agradecen y que, contrario a lo que pueda parecer, significaban una corriente de aire fresco en ese momento. Un verdadero rock and roll para dejarse llevar y disfrutar. 

Canción de Alicia en el país, Serú Girán, 1980. 

El tema forma parte de Bicicleta, el tercer larga duración de Serú Girán, una de las mejores bandas de nuestro rock y un favorito personal, integrado por los capos de Charly García, David Lebón, Oscar Moro y Pedro Aznar, casi todos (la excepción es este último) caras conocidas en esta lista. La letra hace referencia al momento complicado que vivía Argentina en esa época, el país atravesaba su última dictadura militar, y Charly disfrazaba sus críticas con metáforas que tienen al clásico de Lewis Carroll, Alicia en el país de las maravillas, como referencia. "No cuentes lo que viste en los jardines, el sueño acabó/Ya no hay morsas ni tortugas" canta García, en clara alusión a nuestra historia. Desde lo musical el tema está impulsado primordialmente por la guitarra de Lebón, aunque tiene pocos pasajes instrumentales para una canción de Serú. 

Así cierra esta playlist que, durante cuatro entregas, se propuso recorrer muy brevemente la historia de la primera década y media del rock de acá. Le propongo al lector que se interne en la búsqueda de más bandas, más canciones, y se sumerja en la riqueza que tiene nuestro rock. Nos leemos la próxima en Expreso a Neptuno.

Luego de un parate de un mes vuelvo con el tercer post de la playlist de imprescindibles del rock local, agregando cinco nuevas canciones a dicha lista. Entrando en la década del setenta hacen aparición dos bandas de gran importancia para nuestra historia musical, que tienen miembros ilustres, un solista fundamental y otras dos agrupaciones cuya inclusión podría suponer una sorpresa para alguien que no conoce demasiado este período. Además, la mención de algunas bandas pone de manifiesto una tendencia que sería común en esa época, grupos que surgen de las cenizas de otros. 

Sin mayores introducciones, los dejo con las canciones, aclarando como siempre que se encuentran ordenadas de manera cronológica. 

Confesiones de invierno - Sui Generis, 1973. 

El dúo conformado por Nito Mestre y el genial Charly García hace finalmente su aparición, como no podría ser de otra manera. El elegido es el tema que le da nombre al segundo larga duración del grupo, y una de esas canciones de fogón eternas. Su instrumentación es muy sencilla, y tiene dos características que la hacen atípica para esa etapa de la banda, la canta Charly en soledad y pese a ser una canción que una vez que se escucha te queda grabada en la cabeza, no posee estribillo. La letra comienza con una ruptura para luego seguir a nuestro protagonista en su particular manera de sobrellevar el duelo por el fin de la relación, período en el que queda a la deriva y tiene problemas con la policía. García mezcla observaciones coyunturales y generales, con otras muy personales, cosa que haría muchas veces a lo largo de su carrera. Sin lugar a dudas tiene un merecido lugar en esta selección. 

Cantata de puentes amarillos, Pescado Rabioso, 1973. 

Otra de las grandes bandas de los setenta asoma al fin en el listado, es la segunda agrupación de Luis Alberto Spinetta, quien se rodea de gente como David Lebon, Black Amaya y Carlos Cutaia. Sin embargo, esta suite de nueve minutos de duración forma parte del último LP del grupo, Artaud, que el flaco grabó prácticamente como un disco solista. Rastrear las influencias que lo nutrieron a la hora de componer este tema, cuya poesía es innegable, no es simple, pero hay declaraciones del propio autor que reconoce haberse inspirado en obras de Antonin Artaud, el movimiento surrealista, Van Gogh y el emperador romano Heliogábalo. Musicalmente es una canción que se apoya principalmente en la guitarra acústica (aunque se electrifica hacia el final) y en la voz de Spinetta, y tiene varias partes que se van conectando por pasajes en los que el flaco tararea. La letra es bastante críptica, pero nos regala frases que definen muy bien a su compositor y su mirada de la vida, como por ejemplo "Aunque me fuercen yo nunca voy a decir/que todo tiempo por pasado fue mejor/mañana es mejor". 

Hombres de hierro, León Gieco, 1973. 

Forma parte del debut del solista santafesino (producido por Gustavo Santaolalla) y aporta algo novedoso a nuestra escena local con una clara influencia de Bob Dylan, aires folk, instrumentación acústica y una importante participación de la armónica. Sería algo así como nuestro Blowin' in the wind. La letra es de protesta con un fuerte mensaje anti represivo ("gente que avanza se puede matar/pero los pensamientos quedaran"), haciendo hincapié en la falta de libertad de expresión que se vivía en la época, pero también deja una nota de optimismo al referirse a la gente joven ("sos la esperanza y la voz que vendrá/a florecer en la nueva tierra"), y fue compuesta en tiempos de dictadura previo a la vuelta de Perón en el '73. Se trata de una canción emblemática de León, embebida en el espíritu de la época que tiene méritos más que suficientes para formar parte de esta selección. 

El mandato, El Reloj, 1973. 

Puede que a muchos les parezca una elección sorpresiva, pero la banda de Willy Gardi, Osvaldo Zabala, Eduardo Frezza, Luis Valenti y Juan Espósito fue pionera en el hard rock y metal argentino, con Deep Purple entre sus principales influencias. El tema que nos ocupa fue lanzado como lado A en el primer sencillo del grupo (con Vuelve el día a reinar como lado B), y luego incluido en su primer larga duración El Reloj (1975). La letra es muy escueta y habla de un viaje en el que el protagonista perdió su honor y ahora solo se quiere matar. Lo más destacable de esta canción de tres minutos es su instrumentación en la que las guitarras y el teclado toman el protagonismo, cada uno con su solo, y que conforma una pieza de hard rock a la Ritchie Blackmore (salvando las distancias) que era muy atípica para esos años. 

Cosas rústicas - Color Humano, 1974. 

Color Humano es una de las tres bandas que nacieron luego de la separación de Almendra en 1970. Su guitarrista Edelmiro Molinari se juntó con Rinaldo Rafanelli y Oscar Moro para dar vida al conjunto. Durante sus casi siete minutos de longitud, la canción, que forma parte del tercer LP de la banda, nos lleva a través de una introducción en la que la guitarra es la protagonista y nos va metiendo en clima, para luego dar paso a la breve letra que se ocupa de destacar la vida en la naturaleza, "cosas rústicas, cosas rústicas/hacen al tiempo por mi" canta Edelmiro con un ritmo apacible. El solo es breve pero intenso, y una muestra de que se está ante uno de los guitarristas más importantes de nuestro país. 

Y así llegamos al final de una nueva entrega de esta playlist que se acerca definitivamente a su final. El mes que viene postearé la cuarta y última parte de este listado que alcanzará las veinte canciones, una cantidad lo suficientemente respetable como para pasar un buen rato musical. Nos leemos la próxima en Expreso a Neptuno. 

A esta altura no es ninguna novedad que acá, en Expreso, somos fans de la ciencia ficción, con especial predilección por todo lo que involucre viajes temporales. Sin embargo, volver al pasado no es patrimonio exclusivo del género. A veces con asistir a un recital alcanza y sobra para revivir momentos de una vida. Y eso mismo fue lo que me pasó el sábado 26 de agosto en la cancha de Huracán, junto a mi hermano y su novia, y rodeado de 40 mil personas más, mientras La Renga brindaba el quinto de una seguidilla de seis conciertos en la Ciudad de Buenos Aires, luego de un largo período en que su presencia en los escenarios porteños se encontraba vedada. 

Dejamos el auto a más de 10 cuadras del estadio, y empezamos a caminar por una Avenida Jujuy bastante embotellada y con un tráfico de peatones sumamente inusual para un sábado a las 20 horas. A partir del cruce con Av. Brasil la calle ya se encontraba cerrada y la procesión de gente que caminaba entre puestos de comida improvisados, otros con un nivel de producción notable, y vendedores de cerveza, y remeras, era ya de una densidad considerable. El estadio se iba agrandando a cada paso, mientras intentaba recordar cuando había ido por última vez a un recital de rock de acá de esta envergadura. 

Pudimos acceder a nuestra ubicación con relativa facilidad, luego de pasar por lo menos tres cacheos, y nos acomodamos en la platea casi en línea recta al escenario, entre bromas y alusiones a lo viejo que estábamos por no ir al campo. La cita era a las 21 horas, pero rápidamente nos dimos cuenta de que la banda oriunda de Mataderos saldría más tarde, eran ya las 20:30 y recién salían los teloneros. 

Apenas pasadas las 22, entre el frío y una leve llovizna que fue y vino durante todo el show, se escucharon los primeros acordes del radial Corazón fugitivo. Al reciente hit le siguió Nómades, otro tema de su última placa Pesados Vestigios (2014). Un comienzo power pero que se me reveló un poco frío, dada mi falta de identificación con esta última versión del grupo. Pero eso fue rápidamente remediado cuando Motoralmaisangre inundó la escena, y me arrancó las primeras sonrisas y miradas cómplice de la noche. 

La seguidilla Almohada de piedra y Canibalismo galáctico se me antojó demasiado "nueva" por un momento, hasta que caí en que son canciones estrenadas en 2006 y 2010 respectivamente, y me pregunté a donde se había ido todo ese tiempo. Escucho cantar a Chizzo "evolutivo y didáctico/super nova demencial", y pienso que sus letras, al contrario de otras bandas de la misma época, no han envejecido mal, y el recital me da muchos ejemplos para apoyar este parecer. 

Cuando suenan A tu lado y Detonador de sueños, pegadas como en el disco de 2003 (uno de mis favoritos, para más datos), temas cortos, contundentes, que son el fiel reflejo del lema: "lo bueno, si breve, dos veces bueno", ya estoy convencido de que haber asistido al recital fue una gran decisión. Y es justo el momento en el que comienzan los flashbacks. Estoy en otro estadio, en otro recital, la banda presenta Detonador de Sueños en Vélez, en ese momento no lo sabía, pero sería la última vez que la vería en vivo en más de una década. El recuerdo es fugaz, vuelvo al presente. 

Chizzo habla poco, agradece, la banda no se toma respiros, suena potente, y elige todas canciones al palo, algunos temas los presenta, otros deja que hablen por sí mismos, para el que sigue aclara que se trata de una canción vieja que desempolvaron. En los primeros acordes me cuesta reconocerla, recuerdo el riff pero no su nombre, la letra comienza a brotar sola en mi cabeza, como algo olvidado por mucho tiempo que se resiste a ser borrado. Cortala y olvidala es uno de los mejores tracks de A donde me lleva la vida (1994), con un estribillo muy ganchero que me propongo cantar a grito pelado, en ese anonimato que dan 40 mil voces elevándose al unísono. Estoy en el recital pero también en el departamento en que vivía cuando era adolescente, una mañana cualquiera antes de ir al secundario, aprovechando mi tiempo libre para jugar un rato al PC Fútbol y escuchar música, descubriendo uno de los primeros discos de La Renga, al que llego tarde porque en el momento de su edición tenía apenas 9 años, y que demuestra que no siempre vivimos al tiempo en forma cronológica. 

Vuelvo rápido al presente con San Miguel, otra canción que no conozco muy bien, aunque muchos a mi alrededor la festejan y se la saben completa. "Es que la muerte esta tan segura de vencer, que nos da toda una vida de ventaja" reza Cuando vendrán, y los de Mataderos hacen suya una frase anónima que por una buena parte de la adolescencia confieso que pensé que les era propia. El capricho del recuerdo me aleja de Despedazado por mil partes (1996), y me encuentra en un quiosco de diarios de Villa del Parque, en 2001, comprando Insoportablemente vivo el mismo día que se puso en venta, disco doble grabado justamente en vivo en el mismo estadio en que me encuentro ahora, lanzado junto con una revista que aún conservo, y distribuido en dichos quioscos. 

El onceavo tema del show fue En el baldío, uno de los cortes de difusión de La esquina del infinito (2000), y un verdadero clásico de la banda, que dio pie a la parte más tranquila del evento. Una vez más Chizzo se dirigió al público, esta vez para presentar a un histórico de nuestro rock, con el que grabaron un tema en su último larga duración. Así ingresó el gran Ricardo Soulé en escena, quien interpretó junto a la banda, y su inestimable violín eléctrico, Sabes que (la canción en cuestión), y se quedó también para realizar su aporte en Triste canción de amor, ese cover de los mexicanos de El Tri que los de Mataderos supieron apropiarse hace muchos años, y que contó también con la participación de Pablo Martinián en teclados. 

Pasado ese breve período de relativa tranquilidad arremetieron con Arte infernal, otro de sus hits de La esquina del infinito, disco del que hicieron una gran cantidad de temas, y de repente estoy solo en la parada del 47 con destino a Villa del Parque, tengo puestos los auriculares, y escucho en mi walkman un TDK de 90 minutos que grabé hace poco con un compilado de lo último de mis bandas locales favoritas, "Ese adiós te rompió en pedazos/tus ganas de seguir" se escucha mientras pasa la cinta. El twist del pibe me devuelve a la platea del globo, una de mis canciones preferidas del disco de la estrella (1998), y la única que van a tocar hoy. Si bien no fue la primera del LP en gustarme, con el tiempo fue una de las que más se quedaron conmigo. "Así como volver a empezar/todo termina de repente/pero no me digas adiós/solo decime hasta siempre" canto mientras pienso si habrá entradas para el miércoles (es solo un acto reflejo, ya que sé que no podría ir). Para terminar de completar una gran seguidilla suena Desnudo para siempre (o despedazado por mil partes), obra que abre el disco homónimo y mires donde mires todo es alegría y emoción. El sonido es tan potente que ya a esta altura estoy felizmente aturdido, los años de aburguesamiento no vienen solos. 

Luego de La vida, las mismas calles, canción que no se cuenta entre mis favoritas, continuaron con Al que he sangrado, y Tripa y corazón, sin duda puntos altos de La equina del infinito y del disco de la estrella respectivamente. Aunque cada vez que escucho la intro del último es inevitable recordar que por mucho tiempo lo usaron para musicalizar publicidades de Carburando. Chizzo nuevamente anunció que se venía uno de los viejos hits y empezaron a sonar los primeros acordes de Somos los mismos de siempre, uno de mis temas preferidos de la primera etapa del grupo, el único que tocaron de Bailando en una pata (1995), que fue muy festejado por todos los asistentes. Durante su ejecución la vista del campo desde la platea ofrecía un espectáculo digno de apreciar. Los cantos y el pogo se desvanecen de golpe y estoy en el Musimundo de Flores, con apenas tengo 13 años, mirando las bateas de Cds queriendo cambiar un disco de los Stones que me regalaron y ya tenía. Luego de dar varias vueltas elijo Esquivando charcos (el cassette pirata es del 91, pero su reedición en cd del 98), pierde en comparación con Bailando en una pata, pero es un documento digno de los inicios de La Renga. 

Fui al recital sin expectativas, luego de un largo tiempo de no ver a la banda en vivo, y la verdad que lo estaba pasando muy bien. Bien alto, otro componente del LP del 98, le dio paso al por mucho tiempo inédito Oportunidad oportuna, y pegado sonó El rey de la triste felicidad, y ahí es cuando pienso que Nacho, mi hermano menor, miembro de Expreso a Neptuno, y que fue conmigo al recital, tiene razón cuando dice que La esquina del infinito es uno de los mejores discos del grupo, aunque yo siempre pongo a otros por arriba. Guitarra filosa, sonido metálico y un gran riff irrumpen cuando Chizzo, Tete y Tanque se despachan con el que es, en mi opinión, el último gran tema de la banda, me refiero a Oscuro diamante, de Truenotierra (2006), ese que dice "El mundo por fin se acabó/dejando a oscuras la vieja ilusión/que aunque sea ya muy tarde/seguimos buscando", y dan ganas de cantar a viva voz. 

Cuando la guitarra de Chizzo comenzó con el característico riff de El final es en donde partí, se adivinaba que el show estaba alcanzando su fin. "Y en qué lugar, habrá consuelo para mi locura" canto mientras escucho un cassette grabado que me prestó un compañero de la primaria, me lo había dado porque tenía un par de canciones de Los Piojos, pero por suerte estaba este temón de La Renga, y con 11 años es la primera vez que recuerdo haber escuchado al grupo. El presente me invade nuevamente con La razón que te demora, que arranca tranquilo pero va tomando empuje y épica a medida que avanza, y ahora sí, después de dos horas ininterrumpidas de fiesta, la banda agradece, saluda y sale del escenario. 

Por suerte no tuvimos que esperar demasiado, habrán sido 10 minutos, pero el frío y el viento los hicieron alargar al máximo. Los bises comenzaron con Masomenos blues, de su última placa, que tiene para destacar su sonido de guitarra slide bien sureño, y continuaron con tres canciones de Despedazado por mil partes, la sorpresiva y lisérgica Psilocybe mexicana, con su estilo de ranchera rock, El viento que todo empuja y finalmente (y para sorpresa de nadie) Hablando de la libertad, ese himno que cierra todos los recitales del grupo y que inspira grandes pogos y festejos en el público. 

Para mí fue mucho más que un recital, fue un viaje de dos horas y media por la adolescencia, recorriendo varias de las canciones con las que crecí y me acompañaron en distintos momentos de la vida. El final tiene ese gusto agridulce que nos invade cuando algo que disfrutamos se termina, pero me quedo tranquilo porque sé que siempre puedo volver a verlos, y así continuar el viaje.

Bienvenidos a la segunda entrega de esta playlist que recorre en forma sucinta y sin duda incompleta los primeros 15 años de nuestro Rock. En esta oportunidad se trata nuevamente de cinco canciones, presentadas en orden cronológico, en la que se introducen nuevos artistas y bandas de importancia capital para la evolución del rock local. 

Algunos de estos temas bien podrían haber formado parte del episodio anterior, tanto por estilo, como por la época en la que fueron compuestos, aunque terminaron viendo la luz años más tarde. Otros pertenecen a figuras que en su momento fueron emergentes, a discos fundamentales de nuestra historia, o a músicos ya mencionados en el capítulo pasado, que recién cuando construyeron su propio proyecto alcanzaron todo su potencial. Además, se empieza a vislumbrar algo que quedará reflejado de forma más marcada en próximas entregas, la incorporación de otros estilos como influencia para dar forma al Rock Nacional. Ahora sí, los dejo con las canciones. 

Amor de primavera - Tanguito, 1970. 

"Allá a lo lejos puedes escuchar/ a un amor de primavera/que anda dando vueltas", canta José Alberto Iglesias una melodía etérea, con una letra compuesta por Hernán Pujó, uno de los fundadores del sello Mandioca, junto a su hermano Pedro y al editor Jorge Álvarez. La canción fue grabada en 1970, en una sesión en los estudios TNT para el sello antes mencionado, junto con otras composiciones propias como Natural (que formó parte del compilado Pidamos peras a Mandioca lanzado ese mismo año), Todo el día me pregunto o La Balsa (en coautoría con Litto Nebbia). Estas obras iban a formar parte del primer LP de Tanguito, pero su lanzamiento se pospuso por la quiebra de Mandioca, viendo recién la luz en 1973 bajo el sello Talent. Sin duda se trata de una de esas canciones que una vez escuchadas es muy difícil sacarte de la cabeza, un número puesto en esta selección. 

Yo vivo en una ciudad - Pedro y Pablo, 1970. 

El dúo compuesto por Miguel Cantilo y Jorge Durietz siempre se caracterizó por sus arreglos vocales, su sensibilidad folk y su gran capacidad para retratar aspectos sociales, con tintes de protesta en ciertas ocasiones. El tema que nos ocupa fue editado como primer simple de la banda, con Los caminos que no sigue nadie como lado b, y su letra pinta de manera certera la vida en Buenos Aires en esa época, aprovechando Miguel para comentar algunos de sus aspectos negativos, y concluir que a pesar de todo quiere a la gente que la habita porque se siente uno más de ellos. Musicalmente se destaca la incorporación del bandoneón dotando al tema de un aire porteño inigualable. Además formó parte del primer larga duración del dúo, justamente titulado Yo vivo en esta ciudad, que se editó ese mismo año, y que incluyó otros clásicos, como La marcha de la bronca, o ¿Dónde va la gente cuando llueve?. 

Genesis - Vox Dei, 1971. 

Cómo ya he expresado en otras oportunidades, y hasta le he dedicado un post, La Biblia es uno de los grandes LP de nuestro Rock. Y cómo tal, su inicio con el tema que nos ocupa es memorable. Indudablemente si haces un disco sobre tal obra, empezar por su primer libro es el paso lógico. Desde el comienzo se nota que es una canción distinta, con una introducción que genera una muy buena atmósfera. "Cuando todo era nada, era nada el principio" canta Soulé, y ya nos comienza a conquistar. Su visión humana del libro se deja ver desde este primer tema, en el que se pone foco en la Creación. La parte final, totalmente instrumental, tiene grandes momentos, como los sutiles acordes que se van apagando para que el tema vuelva a comenzar con más fuerza, dando luego paso al solo. Poco más de 6 minutos y medio le toma a Vox Dei demostrar que es una gran banda. Génesis ha sido reversionada por varias bandas, entre ellas Soda Stereo. 

El tren de las 16 - Pappo's Blues, 1972. 

La canción abre el segundo larga duración de Pappo's Blues, placa que el Carpo grabó junto al bajista Carlos Pignatta, y a Black Amaya y Luis Gambolini en batería, y fue editado por el sello Music Hall. La letra, muy directa, al estilo Pappo, habla de los deseos de un amante de mantener relaciones sexuales y pasar el tiempo junto a su chica, mientras le avisa que pronto deberá dejarla en el tren que sale a las 16 horas. Comienza con un breve solo de batería, y cuenta con un nada despreciable solo del violero de La Paternal. Su duración es muy corta y representa un rock clásico de esos que suelen ser bastante cuadrados, pero eso no le quita ni efectividad ni belleza al tema. 

Hoy te queremos cantar, Alma y Vida, 1972. 

La banda de Carlos Mellino (voz y teclado) y Bernardo Baraj (saxo), nacida como grupo de acompañamiento de Leonardo Favio, logró mezclar al rock con toques progresivos y de jazz, potenciado por la incorporación de saxo y trompeta en el conjunto. Hoy te queremos cantar forma parte de Alma y Vida vol. 2, junto con otras obras destacadas como Don Quijote de barba y gabán. Inicia con los bronces hasta que irrumpe la particular voz de Mellino, que nos canta sobre alguien que ya no está, al que vimos luchar y también caer. "Hoy te queremos cantar/nadie te puede olvidar/vos estas vivo en todo y todos/como un sol" reza el estribillo. Siempre se dijo que estaba dedicada al Che Guevara, lo cual suena lógico si se tiene en cuenta el contenido de la letra. Sin duda fue fruto de su época. 

Así llegamos al final de esta nueva entrega. Espero que al lector le sirva para conocer nuevas canciones, o para poner en perspectiva algunas ya conocidas. Seguramente falte alguna que pueden considerar fundamental, pero no se preocupen, todavía quedan al menos un par de episodios más. Nos leemos el mes que viene.