En 1980 pasarían varias cosas importantes para Serú. Por un lado, vería la luz su tercer larga duración. Bicicleta es tal vez hoy reconocido como el mejor trabajo del grupo, pero en el momento de su salida no causó tanto entusiasmo en la prensa especializada, que lo veía como otro buen trabajo, pero sin destacarse sobre lo que el cuarteto venía produciendo. Fue grabado en los estudios ION, Del Cielito y la casa de Pedro, y editado por SG Discos. La banda, asociada con Daniel Grinbank, su manager, lanzaba de esta forma su sello independiente, dando por terminada su etapa en Sazam Records. Dicha salida prematura fue la que originó que Sazam, en represalia, editara el ya mencionado Música del alma en ese mismo 1980. 

El álbum, pensado originalmente como un disco doble (muchos de los temas no utilizados verían la luz más adelante), tiene una selección de canciones inmejorable, la genial A los jóvenes de ayer ponía su foco en criticar a los tangueros, Mientras miro las nuevas olas ponía ciertos reparos a la New Wave (aunque en el futuro Charly bebería mucho de esas aguas), mientras que Canción de Alicia en el país puede que sea el mejor reflejo de la realidad del país en ese momento, con una marcada influencia de la obra de Lewis Carroll. Además, forman parte de la placa las destacadas Encuentro con el diablo (muchos creen que este tema se escribió luego de una reunión convocada por la junta militar con distintos músicos populares de la época, organizada en un intento de acercarse a la juventud. Sin embargo, el tema venía compuesto desde la época de Buzios, y por otro lado Lebón se encargó de desmentir dicha reunión.), que toma muchiiiisimo “prestado” del clásico de Lynyrd Skynyrd de 1974, Sweet home Alabama, la emotiva Desarma y sangra, la rockera Cuanto tiempo más llevara y la dulce Tema de Nayla, que generó controversia puertas adentro porque Lebón decidió que el solo de piano jazzero estuviera a cargo de Diego Raopoport en lugar de Charly. Sin duda se trata del punto más alto de creatividad del cuarteto, que sonaba más ajustado que nunca. 

La presentación del álbum fue en obras el 6 y 7 de junio de 1980, con una genial puesta en escena de la artista plástica, y amiga de García, Renata Schussheim, y es acá donde podemos marcar el punto de inflexión en el que Serú alcanzaría el éxito masivo. 

En agosto la banda viajaría a Brasil para participar del Monterrey Jazz Festival que iba a tener lugar en Río de Janeiro. Esto sin duda representaba un gran reconocimiento para el grupo, que tocaría junto a artistas de la talla de Pat Metheny, John McLaughlin, Hermeto Pascoal o Weather Report. El plan incial era que Serú actúe en la primera parte de festival, pero su performance fue tan contundente que fueron invitados a tocar también en el evento principal. Adicionalmente a la importancia que tuvo la repercusión del show para el devenir de la banda, sin duda uno de sus puntos más altos, acá también se siembra una de las semillas que la llevaran a su fin, es el primer contacto de Pat Metheny con Pedro Aznar. 

Como si esto fuera poco, 1980 todavía tenía un par de eventos importantes para Serú. En septiembre realizarían dos recitales junto a Spinetta Jade, otro gigante de la época, desterrando los rumores esparcidos entre el público de una supuesta rivalidad entre las bandas. Y en diciembre darían un recital gratuito en La Rural, organizado por ATC, que convocaría a 60.000 personas, cifra inédita hasta ese momento en nuestro rock. 

Luego de presentarse en vivo en marzo del ‘81 en el marco de los recitales típicos de Carnaval, el grupo entraría al estudio ION (también grabarían en Wacameca Studios) en abril para comenzar a grabar su cuarto y último trabajo de estudio. Peperina, nuevamente editado a través de su sello SG Discos, vería la luz en agosto, y supondría una nueva colección de grandes canciones, dejando particularmente satisfecho a Charly en cuanto a la calidad lograda en la grabación. Entre sus momentos más inspirados podemos destacar al tema que da título a la obra (ya es conocida la historia de que fue dedicado a una corresponsal que Expreso Imaginario tenía en Córdoba, y que siempre se encargaba de criticar de forma negativa los shows de la banda), Llorando en el espejo, la blusera Esperando nacer, la genial Cinema verité (Charly y su don para la crónica), y En la vereda del sol, entre otras. Musicalmente se siente cierta continuidad con su trabajo anterior (de hecho, se utilizaron varias canciones compuestas para Bicicleta), pero nada permite adivinar que se trata del fin de un ciclo. 

En diciembre realizaron tres recitales en el Teatro Coliseo para despedir el año. El concierto se caracterizó por la participación de las Bay Biscuits, un grupo de teatro y música que integraba, entre otras, Fabiana Cantilo. Su acto se intercalaba en el medio del recital y todas las noches fue mal recibido por el público. De esos shows sobreviviría una grabación pirata que, en el año 2000, ya remasterizada, sería editada como un CD doble bajo el nombre de Yo no quiero volverme tan loco, bajo el sello Sony Music. Moro sería el responsable de dar con las cintas, cuando en una visita al Parque Rivadavia fue abordado por una persona que lo puso en conocimiento de la existencia de dicha grabación. La calidad sorprendió a todos los exmiembros de la banda que decidieron editarla. Se trata de un gran recital en el que destacan, además de buenas versiones de Canción de Alicia en el país, A los jóvenes de ayer o Cinema verité, algunos inéditos, como Oh Dios, ¿qué puedo hacer?, Inconsciente colectivo, que vería la luz en el primer disco solista de Charly, Alto en la torre, rescatada de la época de Sui Generis (solo editada en forma de simple), y Pena en mi corazón, una versión acelerada y más rockera de la que luego conoceríamos como Yo no quiero volverme tan loco. 

En enero de 1982 Aznar fue convocado por Pat Metheny para tocar en su banda. Eso sumado a la decisión del bajista de ir a estudiar al Berklee College of Music de Boston precipitó el final del grupo. Serú tenía los días contados, solo quedaban un par de shows para la despedida. En febrero realizaron una gira por varios destinos de la Costa Atlántica y en marzo llegaron los recitales despedida (aunque en ese momento todavía no sabían que serían los últimos) en Obras. Si bien el cuarteto siempre daba un plus en vivo, esta vez el grado de intensidad y emotividad fue mayor. Los que estuvieron dicen que fueron shows memorables. La banda seguramente lo intuía dado que fueron grabados con vistas a la edición de su primer disco en vivo. Ese mismo año saldría a la venta, a través de SG Discos, No llores por mí, Argentina, que recogía varias canciones de esos recitales y acumulaba varios retoques posteriores en estudio (ION). Además de varios hits de sus obras anteriores, el disco incluyó el tema homónimo, un rock potente cuya letra reflejaba el momento convulso del país, y Popotitos, un cover de la banda mexicana Teen Tops que a su vez era una versión en español de Bonie Moronie, de Larry Williams. 

Hubo un breve período de tiempo en que Charly, David y Oscar pensaron en seguir sin Pedro, en formato trío (al menos hasta encontrarle reemplazante al bajista). Sin embargo, pronto tanto García como el Ruso comenzaron a trabajar en sendos proyectos solistas que dieron por tierra con la posibilidad de continuar. Así se terminaba una de las mejores y más importantes bandas de nuestro rock, y Charly se preparaba para un nuevo salto en su carrera. 

Acá termina la primera temporada de nuestro recorrido por la carrera de García. Seguramente luego de unos meses de descanso volveremos con la segunda, para abarcar la gran carrera solista de uno de los genios del rock de acá.

Al cierre del episodio anterior, vimos como Charly se iba a instalar a Brasil, junto a David Lebón, para armar un nuevo proyecto. Con el dinero recaudado en el Festival del Amor, se radicaron en Buzios, donde durante tres meses se dedicaron a componer varias canciones y a experimentar un poco. Sin embargo, no todo salió redondo. Por un tema de derechos de importación, de elevado costo, no pudieron ingresar al país limítrofe con los equipos que llevaban a cuestas. A los dos meses de estadía, promediando enero del ‘78, Charly decide volver a Buenos Aires para arreglar un contrato con Oscar López y Billy Bond, quienes se encargarían de ser los productores en esta nueva etapa para Sazam Records, una subsidiaria de Music Hall. Además, aprovechando la visita empleó el tiempo para buscar integrantes para su nueva banda. 

Fue en un recital de Pastoral, al que asistió junto al ex bajista de la Máquina, José Luis Fernández, en donde vio por primera vez tocar a Pedro Aznar, un joven de 18 años que la rompía con el bajo. Esa misma noche decidió convocarlo para su nuevo proyecto. Por suerte para todos los amantes de la música, no necesitó mucho para convencerlo. Por último, García llamó a un viejo conocido, Oscar Moro, con quien había terminado de tocar hacía meses atrás en la Máquina. 

Con todas las piezas en su lugar, y utilizando parte del adelanto recibido por la firma del contrato, Charly le pagaría el pasaje a Pedro y Moro para que vayan a Brasil a reunirse con él y Lebón, y también se ocuparía de rescatar los equipos varados. Ahora sí, estaba todo listo para que estos cuatro grandes músicos formaran una de las bandas más importantes de nuestro rock, una verdadera superbanda y una de mis favoritas. Serú Girán estaba a la vuelta de la esquina. 

Con el material compuesto en esos meses en Brasil, entre marzo y abril de 1978 ingresaron al estudio El Dorado de San Pablo para comenzar el proceso de grabación del primer LP. También grabaron como banda de acompañamiento en el disco Billy Bond and the Jets, para el cual aportaron varios temas en la composición, entre los que se destaca Loco (¿no te sobra una moneda?), canción compuesta por García, y que Serú solía tocar en vivo. 

La grabación de Serú Girán (el disco debut se llamaría igual que la banda) se completó en los estudios ABC de Los Ángeles y contó con la participación de Daniel Goldberg en arreglos orquestales, que se destacan en el tema que le da nombre tanto al disco como a la banda y Eiti Leda (Charly ya lo había tocado junto a Sui Generis bajo el nombre de Nena). El larga duración tiene grandes canciones que con el tiempo se volverían clásicos indiscutidos de nuestro rock, como Seminare, la ya mencionada Eiti Leda, El mendigo en el andén o Voy a mil. El nivel creativo era tal, que llegaron a inventar un nuevo idioma para la letra del track Serú Girán. La complejidad de las composiciones y las armonías situaban a Serú en un nivel superior al resto de las bandas locales del momento. La placa exhibe una mezcla balanceada de rock nacional, rock progresivo, jazz y algunos toques de ritmos brasileros. No había nada igual en estas pampas. El mayor peso compositivo lo tiene Charly, con aportes de Lebón. 

La presentación en sociedad del cuarteto fue en julio del ‘78, en el Luna Park, cuando participaron del Festival de la Genética Humana, un show que les había conseguido su nuevo manager, Daniel Grinbank. Festival no exento de polémica, dado que la fundación que lo auspiciaba era presidida por la mujer de Videla. Solo tocaron tres canciones con un sonido que no estuvo a la altura. 

Su primer recital importante fue en noviembre de ese mismo año, en el Estadio Obras Sanitarias, con motivo de la presentación de su primer trabajo. El resultado no pudo ser más decepcionante. Si bien hay testimonios de asistentes que ponderan ciertas virtudes del show, la prensa de la época parece acordar que el concierto estuvo lejos de lo esperado. Entre las críticas más destacadas la actitud de los músicos fue la principal, haciendo foco en cierto egocentrismo y engreimiento por su parte. El periodista y poeta Pipo Lernoud llegó a decir que esa noche no tocó Serú Girán, sino sus dobles. La relación de la banda con la prensa especializada comenzaba con el pie izquierdo, y llegaría a su punto álgido cuando una publicación dedicada al rock titulara su nota de tapa así: “Charly García ¿ídolo o qué?”. Sin embargo, y a pesar del encono, Serú arrasaría en la encuesta de la revista Pelo con lo mejor de 1978, ganando en las categorías mejor tecladista, mejor guitarrista, mejor bajista, mejor baterista, mejor compositor (Charly), mejor grupo en vivo y mejor tema (Seminare). 

Este inicio un tanto desparejo tuvo repercusiones dentro del grupo, y hasta se llegó a especular con la separación de la banda. Estos rumores probaron ser falsos, pero los efectos de las críticas se harían notar en su próximo trabajo. El año 1979 los encontraría trabajando en nuevas canciones, que entrarían a grabar entre junio y agosto en los estudios ION. El resultado, que saldría ese mismo año, es La grasa de las capitales, una gran obra, musicalmente más directa que la anterior, despojada de cuerdas, y con letras que suponen una vuelta de Charly a la crónica y crítica social. Entre los temas del disco destacan el que le da nombre, en el que García aprovecha para verter una crítica a la frivolidad de la fama y sus distintas vicisitudes, San Francisco y el lobo, en el que pone el foco en la crueldad humana, la oscura y genial Viernes 3 AM, de hermosa melodía, tuvo problemas de censura porque se consideraba que su letra podía inducir al suicidio, y Noche de perros, otro punto alto en lo melódico, que tienen muy buenos aportes del bajo de Aznar. 

El arte de tapa imitaba la portada de una revista, algo similar a la Gente, con algunos titulares que hacían referencia a las diversas críticas que la banda y especialmente Charly, habían recibido el año anterior. Su presentación fue en seis exitosas funciones en el Auditorio Buenos Aires, para luego continuar con una gira por Córdoba, San Luis y Mendoza. Este disco marca el comienzo del romance de Serú con su público, y también con la prensa especializada. Adicionalmente es el último que vería la luz por Sazam Records, para Music Hall. Los esperaba el camino de la independencia. 

El año 1980 llegaría con bastantes novedades para el grupo, pero eso lo dejamos para el próximo capítulo de este recorrido.

Bienvenidos a la cuarta y última entrega de esta playlist que con ésta alcanzará las veinte canciones. Obviamente que esto no se agota acá y hay un sinnúmero de bandas y temas copados de esta época, pero es tarea del lector descubrirlos. La idea siempre fue presentar estas obras a gente que quizá no las conocía, y tratar de aportar algo nuevo a los ya iniciados. 

En este post encontraremos a bandas de dos viejos conocidos, que atravesaron la historia de nuestro Rock tanto con sus agrupaciones como en su versión solista, grupos interesantes, cuyos miembros tenían ya historia del Rock local, algunos de duración efímera, otros que terminaron estableciéndose en Europa, y la que es para mí la Gran Banda (si, con mayúscula) del Rock argento. 

Sin más preámbulos, los dejo con las cinco canciones elegidas para cerrar este listado. 

Ceremonias para disolver, Aquelarre, 1973. 

Integrada por Héctor Starc en guitarra, Emilio del Güercio en bajo y voz, Hugo González Neira en teclados, y Rodolfo García en batería, Aquelarre es una de las tres agrupaciones que surgió luego del desmembramiento de Almendra. Tras la edición de sus dos primeros LP, Aquelarre, y Candiles, la banda editaría un simple cuyo lado A seria Violencia en el parque, y el tema que nos ocupa lo acompañaría como lado B. Se trata de un SP de gran nivel, dado que cualquiera de las dos canciones podría haber integrado esta selección. Inicia con protagonismo del teclado, para luego ceder espacio a la guitarra, y a la voz de Del Güercio que entona una melodía irresistible y una letra un tanto críptica, que arranca como si estuviese ya empezada: "Desde la mesa manda traer café, también/las ceremonias para disolver mi voz/prácticamente vuelvo así,/casi palpitando el espacio que me dan". Un gran tema condensado en poco menos de tres minutos y medio. 

Elementales leches, Invisible, 1973. 

Esta es la tercera banda formada por el flaco Spinetta, la segunda en la que le "roba" la sección rítmica, compuesta por Pomo Lorenzo en batería y Machi Rufino en bajo, a Pappo. Elementales leches fue el lado B del single debut del grupo, cuyo lado A fue Estado de coma. Es una de las canciones que más me gustan del flaco, y eso que tiene muchos grandes temas. Luego de una brevísima intro instrumental, irrumpe la voz de Spinetta, con una melodía bastante accesible para lo que luego sería el estilo del grupo, pero que ya dejaba entrever lo que depararía el futuro, con una letra bien spinetteana, de tintes existencialistas, cuyo centro parece ser la frase "lo que está y no se usa nos fulminara...", y que tiene dos partes bien diferenciadas, una en el medio de la otra. La obra fue prohibida por la dictadura, ya que asociaba la palabra leches con el semen y consideraba que promovía el desenfreno sexual. 

Por probar el vino y el agua salada, La Máquina de Hacer Pájaros, 1976. 

Cuando Charly decidió disolver Sui Generis pegó un volantazo que puede resultar sorpresivo, pero que no deja de ser lógico si se analiza la evolución del grupo y el contexto de la época, armó junto a Gustavo Bazterrica en guitarra, José Luis Fernández en bajo, Oscar Moro en batería y Carlos Cutaia en teclados, una banda de rock progresivo. La canción forma parte de su primer LP, y todavía conserva vestigios de lo que fue su banda anterior con ese inicio acústico con la guitarra, al que rápidamente se le suma el teclado y la voz de García entonando una hermosa melodía. Sobre el final de la primera parte se nota que las intenciones de la banda van más allá que la simpleza del folk, y el tema, en sus tres minutos y medio, pasa por diferentes climas. La letra nos presenta dos personajes, Julia y el Rey, que quieren romper con los moldes y se ocupan de probar los placeres y dolores que la vida tiene para ofrecer. 

Sueltate Rock and Roll, Polifemo, 1976. 

El trío integrado por David Lebón (voz y guitarra), Rinaldo Rafanelli (bajo) y Juan Rodríguez (batería) tenían un sonido de rock compacto. El tema se editó como simple con el gran "Oye Dios que me has dado" como lado B, y fue lo que hizo que el grupo pasase de ser telonero de Sui Generis a ser reconocido a nivel nacional. Las claves de su éxito, y que le garantizan un lugar en esta selección, tienen que ver con poseer un riff característico, a cargo de Lebón, una sólida base rítmica, un buen solo de guitarra, y todo esto en la forma de uno de esos rocks básicos y muy gancheros que tanto se agradecen y que, contrario a lo que pueda parecer, significaban una corriente de aire fresco en ese momento. Un verdadero rock and roll para dejarse llevar y disfrutar. 

Canción de Alicia en el país, Serú Girán, 1980. 

El tema forma parte de Bicicleta, el tercer larga duración de Serú Girán, una de las mejores bandas de nuestro rock y un favorito personal, integrado por los capos de Charly García, David Lebón, Oscar Moro y Pedro Aznar, casi todos (la excepción es este último) caras conocidas en esta lista. La letra hace referencia al momento complicado que vivía Argentina en esa época, el país atravesaba su última dictadura militar, y Charly disfrazaba sus críticas con metáforas que tienen al clásico de Lewis Carroll, Alicia en el país de las maravillas, como referencia. "No cuentes lo que viste en los jardines, el sueño acabó/Ya no hay morsas ni tortugas" canta García, en clara alusión a nuestra historia. Desde lo musical el tema está impulsado primordialmente por la guitarra de Lebón, aunque tiene pocos pasajes instrumentales para una canción de Serú. 

Así cierra esta playlist que, durante cuatro entregas, se propuso recorrer muy brevemente la historia de la primera década y media del rock de acá. Le propongo al lector que se interne en la búsqueda de más bandas, más canciones, y se sumerja en la riqueza que tiene nuestro rock. Nos leemos la próxima en Expreso a Neptuno.