Bienvenidos a la cuarta y última entrega de esta playlist que con ésta alcanzará las veinte canciones. Obviamente que esto no se agota acá y hay un sinnúmero de bandas y temas copados de esta época, pero es tarea del lector descubrirlos. La idea siempre fue presentar estas obras a gente que quizá no las conocía, y tratar de aportar algo nuevo a los ya iniciados. 

En este post encontraremos a bandas de dos viejos conocidos, que atravesaron la historia de nuestro Rock tanto con sus agrupaciones como en su versión solista, grupos interesantes, cuyos miembros tenían ya historia del Rock local, algunos de duración efímera, otros que terminaron estableciéndose en Europa, y la que es para mí la Gran Banda (si, con mayúscula) del Rock argento. 

Sin más preámbulos, los dejo con las cinco canciones elegidas para cerrar este listado. 

Ceremonias para disolver, Aquelarre, 1973. 

Integrada por Héctor Starc en guitarra, Emilio del Güercio en bajo y voz, Hugo González Neira en teclados, y Rodolfo García en batería, Aquelarre es una de las tres agrupaciones que surgió luego del desmembramiento de Almendra. Tras la edición de sus dos primeros LP, Aquelarre, y Candiles, la banda editaría un simple cuyo lado A seria Violencia en el parque, y el tema que nos ocupa lo acompañaría como lado B. Se trata de un SP de gran nivel, dado que cualquiera de las dos canciones podría haber integrado esta selección. Inicia con protagonismo del teclado, para luego ceder espacio a la guitarra, y a la voz de Del Güercio que entona una melodía irresistible y una letra un tanto críptica, que arranca como si estuviese ya empezada: "Desde la mesa manda traer café, también/las ceremonias para disolver mi voz/prácticamente vuelvo así,/casi palpitando el espacio que me dan". Un gran tema condensado en poco menos de tres minutos y medio. 

Elementales leches, Invisible, 1973. 

Esta es la tercera banda formada por el flaco Spinetta, la segunda en la que le "roba" la sección rítmica, compuesta por Pomo Lorenzo en batería y Machi Rufino en bajo, a Pappo. Elementales leches fue el lado B del single debut del grupo, cuyo lado A fue Estado de coma. Es una de las canciones que más me gustan del flaco, y eso que tiene muchos grandes temas. Luego de una brevísima intro instrumental, irrumpe la voz de Spinetta, con una melodía bastante accesible para lo que luego sería el estilo del grupo, pero que ya dejaba entrever lo que depararía el futuro, con una letra bien spinetteana, de tintes existencialistas, cuyo centro parece ser la frase "lo que está y no se usa nos fulminara...", y que tiene dos partes bien diferenciadas, una en el medio de la otra. La obra fue prohibida por la dictadura, ya que asociaba la palabra leches con el semen y consideraba que promovía el desenfreno sexual. 

Por probar el vino y el agua salada, La Máquina de Hacer Pájaros, 1976. 

Cuando Charly decidió disolver Sui Generis pegó un volantazo que puede resultar sorpresivo, pero que no deja de ser lógico si se analiza la evolución del grupo y el contexto de la época, armó junto a Gustavo Bazterrica en guitarra, José Luis Fernández en bajo, Oscar Moro en batería y Carlos Cutaia en teclados, una banda de rock progresivo. La canción forma parte de su primer LP, y todavía conserva vestigios de lo que fue su banda anterior con ese inicio acústico con la guitarra, al que rápidamente se le suma el teclado y la voz de García entonando una hermosa melodía. Sobre el final de la primera parte se nota que las intenciones de la banda van más allá que la simpleza del folk, y el tema, en sus tres minutos y medio, pasa por diferentes climas. La letra nos presenta dos personajes, Julia y el Rey, que quieren romper con los moldes y se ocupan de probar los placeres y dolores que la vida tiene para ofrecer. 

Sueltate Rock and Roll, Polifemo, 1976. 

El trío integrado por David Lebón (voz y guitarra), Rinaldo Rafanelli (bajo) y Juan Rodríguez (batería) tenían un sonido de rock compacto. El tema se editó como simple con el gran "Oye Dios que me has dado" como lado B, y fue lo que hizo que el grupo pasase de ser telonero de Sui Generis a ser reconocido a nivel nacional. Las claves de su éxito, y que le garantizan un lugar en esta selección, tienen que ver con poseer un riff característico, a cargo de Lebón, una sólida base rítmica, un buen solo de guitarra, y todo esto en la forma de uno de esos rocks básicos y muy gancheros que tanto se agradecen y que, contrario a lo que pueda parecer, significaban una corriente de aire fresco en ese momento. Un verdadero rock and roll para dejarse llevar y disfrutar. 

Canción de Alicia en el país, Serú Girán, 1980. 

El tema forma parte de Bicicleta, el tercer larga duración de Serú Girán, una de las mejores bandas de nuestro rock y un favorito personal, integrado por los capos de Charly García, David Lebón, Oscar Moro y Pedro Aznar, casi todos (la excepción es este último) caras conocidas en esta lista. La letra hace referencia al momento complicado que vivía Argentina en esa época, el país atravesaba su última dictadura militar, y Charly disfrazaba sus críticas con metáforas que tienen al clásico de Lewis Carroll, Alicia en el país de las maravillas, como referencia. "No cuentes lo que viste en los jardines, el sueño acabó/Ya no hay morsas ni tortugas" canta García, en clara alusión a nuestra historia. Desde lo musical el tema está impulsado primordialmente por la guitarra de Lebón, aunque tiene pocos pasajes instrumentales para una canción de Serú. 

Así cierra esta playlist que, durante cuatro entregas, se propuso recorrer muy brevemente la historia de la primera década y media del rock de acá. Le propongo al lector que se interne en la búsqueda de más bandas, más canciones, y se sumerja en la riqueza que tiene nuestro rock. Nos leemos la próxima en Expreso a Neptuno.

“A ti no te gusta mucho el fútbol” fue la sentencia que me dejó caer una compañera del laburo, después de que fuese incapaz de contestarle en frío preguntas como “¿Cuándo es el próximo sorteo de la Champions?” o “¿Cuántos puntos le lleva el Real Madrid al Barcelona en la liga?”

Lo que me más me llamó la atención fue que no es la primera vez que una persona de España -hombres y mujeres por igual- duda de mi interés por el fútbol. Y en parte tienen razón. El fútbol me gusta, pero no me gusta lo que acá conocen como fútbol. Pero claro, por más que se lo explique, ellos no van a entender.

¿Cómo hacerles entender? Si cuando ven un argentino solo saben preguntar si sos “del River” o “del Boca”, como si no existiese ninguna otra cosa. Si cuando nombras a All Boys los que no saben se te quedan mirando en silencio y los que saben un poco se esfuerzan y te dicen “Old Boys, Newell’s el equipo de Messi ¿no?”.

¿Cómo explicarles que venís de un país donde hay amor por el fútbol para repartir en todas las categorías. Un país en que la gente se enamora de un reality show que sigue las desventuras del que en ese momento era el peor equipo del fútbol profesional argentino?

¿Cómo hacerles entender que cuando ESPN y Fox inundaron nuestra pantalla del fútbol de su continente, vos preferías ver los partidos de segunda división que pasaba TyC Sports?

¿Cómo decirles que te aburría ver a “El Bambino” Pons cantando los goles de una Premier que una año dominaba el Chelsea porque lo había comprado un millonario Ruso y otro año dominaba el Arsenal porque lo compró un Jeque Árabe. Qué preferías ver a dos comentaristas hacer tiempo mientras esperaban a que se reanudará Sportivo Italiano-Deportivo Armenio, que llevaba diez minutos parado porque se hizo de noche y las luces en la cancha de Ciudad Evita no estaban funcionando?

¿Cómo hacerles entender que está todo bien con Messi-Suárez o Figo-Raúl, pero que para vos duplas atacantes de temer eran los hermanos Soriano en Atlanta o Gianfelice-Vildozo en Comunicaciones? (obviemos la época de All Boys porque era para pegarles un tiro en cada rodilla).

¿Cómo hacer que vean que sus Camp Nou o sus O2 serán muy modernos y podrán meter a decenas de miles de personas, pero que jodido de verdad es jugar en la cancha de Barracas Central en Bajo Flores o en la de Estudiantes de Buenos Aires en Caseros (¡Y ni hablemos de la de San Telmo en plena Isla Maciel!). Que presión para un jugador es tirar un córner con cuarenta tipos gritándote en la nuca cosas sobre tu vieja. Qué más intimidante que un estadio techado es saber que cada vez que te acercas a la banda para sacar un lateral te arriesgás a que te tiren en la cara un frasco de meo?

¿Cómo explicarles que Ronaldo o Henry habrán sido grandes nueves, pero que en el fútbol que viste en tu adolescencia los verdaderos tanques de área fueron tipos como “El Indio” Bazán Vera y “El Superhéroe” Ackerman?

¿Cómo explicarles que te chupaba un huevo ver al Lyon y al Celta de Vigo jugando un partido por la UEFA. Y menos cuando en el canal de al lado estaban Rivadavia de Lincoln y Kimberley de Mar del Plata cagándose a patadas en una cancha sin pasto, jugando un partido por amor a la camiseta?

¿Cómo les haces entrar en la cabeza que cuando un hincha rival puteaba a tus jugadores con nombre y apellido era casi un elogio, porque a nueve de los once que jugaban en tu equipo no los conocía nadie? ¿Qué van a entender de ese raro orgullo que sentías cuando entre un “la puta que te parió ocho” y un “sos horrible catorce” se colaba un “la concha de tu madre Solchaga”?

¿Cómo hacerles entender que hay próceres más allá de Iniesta o Buffon. Que tipos eternos para vos son “Cubito” Cáceres, que con cuarenta pirulos seguía siendo el arquero, capitán y espina dorsal de Estudiantes de Caseros; o “El Chino” Zárate, ese diez que equipo al que iba (Tristán Suárez, Deportivo Morón, All Boys…) era equipo que ese año peleaba el campeonato?

¿Cómo hacerles entender, si le llaman sufrir a ser del Atlético de Madrid, porque termina tercero en la liga o pierde la final de una Champions por penales?. Si eso es sufrimiento para ellos ¿Cómo le dirán a cuando llevas tres años viendo a tu equipo salvarse del descenso a primera B en la última fecha?

¿Cómo hacerles entender, a ellos tan civilizados, que Eric Cantona era un sacadito sí, pero que lo querés ver contra el Almirante Brown de Blas Giunta. Que el inglés estaría muy loco, pero locos de verdad eran Darío Dubois, que en Midland salía a jugar con la cara pintada como un cantante de Black Metal; o el "Gato" Sessa, que en su peor época estuvo a punto de amasijar a un árbitro?

¿Cómo les va a entrar en la cabeza a ellos, con sus equipos intocables, que un club como River se vaya a segunda división. Y menos van a entender que encima sufra para ascender, porque lejos de arrugar equipos como Defensa y Justicia o Guillermo Brown de Puerto Madryn se le paraban de manos?

¿Qué le podes explicarle a gente que hincha por clubes como el Sevilla y encima se frustra si quedan séptimos y no puede jugar una copa internacional. A esa gente que no sabe qué frustración en serio es ir a la cancha sabiendo que con un empate entrás al reducido y terminar comiéndote un 5 a 2 de local contra Sarmiento de Junín?

¿Cómo les decís que Mourinho y Guardiola son grandes técnicos, pero que estrategas en serio son Caruso Lombardi y el Tano Pasini, que sacaron buenos resultados con planteles de mierda en los cuarenta equipos de segunda divisón por los que pasaron?

¿Cómo hacerles entender que te aburre ver al Barcelona haciéndole seis al Espanyol. Qué preferís Chacarita-Platense, un clásico en serio, de esos en los que los dos equipos salen a jugar con el cuchillo entre los dientes, de esos en los que falta fútbol, pero sobra pasión?

¿Cómo hacerles entender ese zoológico hermoso que es el ascenso argentino. A ellos. Con sus planteles de dream team. Con sus jugadores de élite hasta en clubes chicos. Con sus equipos invencibles. Con sus millones y millones de euros?

Decime. ¿Cómo?  

Llega un nuevo jueves y desde Expreso a Neptuno hay un post listo para salir. Mis próximos tres post van a estar dedicados a contar un poco la experiencia que viví el pasado fin de semana. Tuve la oportunidad de visitar la ciudad más austral del mundo, la mucho muy bella Ushuaia. Cuando llegue al final del recorrido va a quedar un pequeño resumen de qué se puede hacer durante 3 días de viaje. Claro que no es suficiente pero si nos permite ver un poco de qué se trata y conocer los principales atractivos turísticos.

Luego de un parate de un mes vuelvo con el tercer post de la playlist de imprescindibles del rock local, agregando cinco nuevas canciones a dicha lista. Entrando en la década del setenta hacen aparición dos bandas de gran importancia para nuestra historia musical, que tienen miembros ilustres, un solista fundamental y otras dos agrupaciones cuya inclusión podría suponer una sorpresa para alguien que no conoce demasiado este período. Además, la mención de algunas bandas pone de manifiesto una tendencia que sería común en esa época, grupos que surgen de las cenizas de otros. 

Sin mayores introducciones, los dejo con las canciones, aclarando como siempre que se encuentran ordenadas de manera cronológica. 

Confesiones de invierno - Sui Generis, 1973. 

El dúo conformado por Nito Mestre y el genial Charly García hace finalmente su aparición, como no podría ser de otra manera. El elegido es el tema que le da nombre al segundo larga duración del grupo, y una de esas canciones de fogón eternas. Su instrumentación es muy sencilla, y tiene dos características que la hacen atípica para esa etapa de la banda, la canta Charly en soledad y pese a ser una canción que una vez que se escucha te queda grabada en la cabeza, no posee estribillo. La letra comienza con una ruptura para luego seguir a nuestro protagonista en su particular manera de sobrellevar el duelo por el fin de la relación, período en el que queda a la deriva y tiene problemas con la policía. García mezcla observaciones coyunturales y generales, con otras muy personales, cosa que haría muchas veces a lo largo de su carrera. Sin lugar a dudas tiene un merecido lugar en esta selección. 

Cantata de puentes amarillos, Pescado Rabioso, 1973. 

Otra de las grandes bandas de los setenta asoma al fin en el listado, es la segunda agrupación de Luis Alberto Spinetta, quien se rodea de gente como David Lebon, Black Amaya y Carlos Cutaia. Sin embargo, esta suite de nueve minutos de duración forma parte del último LP del grupo, Artaud, que el flaco grabó prácticamente como un disco solista. Rastrear las influencias que lo nutrieron a la hora de componer este tema, cuya poesía es innegable, no es simple, pero hay declaraciones del propio autor que reconoce haberse inspirado en obras de Antonin Artaud, el movimiento surrealista, Van Gogh y el emperador romano Heliogábalo. Musicalmente es una canción que se apoya principalmente en la guitarra acústica (aunque se electrifica hacia el final) y en la voz de Spinetta, y tiene varias partes que se van conectando por pasajes en los que el flaco tararea. La letra es bastante críptica, pero nos regala frases que definen muy bien a su compositor y su mirada de la vida, como por ejemplo "Aunque me fuercen yo nunca voy a decir/que todo tiempo por pasado fue mejor/mañana es mejor". 

Hombres de hierro, León Gieco, 1973. 

Forma parte del debut del solista santafesino (producido por Gustavo Santaolalla) y aporta algo novedoso a nuestra escena local con una clara influencia de Bob Dylan, aires folk, instrumentación acústica y una importante participación de la armónica. Sería algo así como nuestro Blowin' in the wind. La letra es de protesta con un fuerte mensaje anti represivo ("gente que avanza se puede matar/pero los pensamientos quedaran"), haciendo hincapié en la falta de libertad de expresión que se vivía en la época, pero también deja una nota de optimismo al referirse a la gente joven ("sos la esperanza y la voz que vendrá/a florecer en la nueva tierra"), y fue compuesta en tiempos de dictadura previo a la vuelta de Perón en el '73. Se trata de una canción emblemática de León, embebida en el espíritu de la época que tiene méritos más que suficientes para formar parte de esta selección. 

El mandato, El Reloj, 1973. 

Puede que a muchos les parezca una elección sorpresiva, pero la banda de Willy Gardi, Osvaldo Zabala, Eduardo Frezza, Luis Valenti y Juan Espósito fue pionera en el hard rock y metal argentino, con Deep Purple entre sus principales influencias. El tema que nos ocupa fue lanzado como lado A en el primer sencillo del grupo (con Vuelve el día a reinar como lado B), y luego incluido en su primer larga duración El Reloj (1975). La letra es muy escueta y habla de un viaje en el que el protagonista perdió su honor y ahora solo se quiere matar. Lo más destacable de esta canción de tres minutos es su instrumentación en la que las guitarras y el teclado toman el protagonismo, cada uno con su solo, y que conforma una pieza de hard rock a la Ritchie Blackmore (salvando las distancias) que era muy atípica para esos años. 

Cosas rústicas - Color Humano, 1974. 

Color Humano es una de las tres bandas que nacieron luego de la separación de Almendra en 1970. Su guitarrista Edelmiro Molinari se juntó con Rinaldo Rafanelli y Oscar Moro para dar vida al conjunto. Durante sus casi siete minutos de longitud, la canción, que forma parte del tercer LP de la banda, nos lleva a través de una introducción en la que la guitarra es la protagonista y nos va metiendo en clima, para luego dar paso a la breve letra que se ocupa de destacar la vida en la naturaleza, "cosas rústicas, cosas rústicas/hacen al tiempo por mi" canta Edelmiro con un ritmo apacible. El solo es breve pero intenso, y una muestra de que se está ante uno de los guitarristas más importantes de nuestro país. 

Y así llegamos al final de una nueva entrega de esta playlist que se acerca definitivamente a su final. El mes que viene postearé la cuarta y última parte de este listado que alcanzará las veinte canciones, una cantidad lo suficientemente respetable como para pasar un buen rato musical. Nos leemos la próxima en Expreso a Neptuno. 

Antes de empezar dos advertencias importantes.
1. Si pretendes ver la serie no leas este post, porque son todos spoilers

2. Si la viste y el titulo ya te causo irritación, te pido que leas todo antes de empezar a putearme.

Después de 25 años, una película muy Lyncheana, un libro de su hija que muy poca gente leyó y varios conflictos con la cadena, Twin Peaks volvió y en pocos meses se fue de forma definitiva.

Fiel al estilo de Lynch, muchas cosas  resultaron difíciles de entender y el final fue definitivamente una de ellas. Apenas los créditos empezaron a sucederse sobre la imagen de Laura Palmer diciéndole algo al oído a Cooper, mucha gente reaccionó de la misma forma: manoteo su celular y puso en Google “Final Twin Peaks interpretación”.

Pero entre tanta confusión y tanto intento por entender lo que pasó, dejamos de lado otra cuestión importante. Más allá de lo raro, lo abierto a la interpretación o lo satisfactorio o no que pudo ser ¿Fue realmente bueno el final de Twin Peaks? ¿Estuvo a la altura de un cierre que se hizo esperar más de dos décadas?

Para hablar del tema de forma más clara, vamos a dividir la cuestión en dos. Por un lado, vamos a analizar el final de la historia más “terrenal” por decirlo de algún modo, el que nos cuenta el regreso de Cooper y toda la historia de su Doppelganger. Por otro, vamos a hablar de la cuestión más “metafísica”, o sea toda la historia con Laura Palmer y Judy, que tiene dos momentos claves en el capítulo ocho y en el final.  

EL FINAL DE LOS DOS COOPERS

Está línea es la que viene a continuar el gran cliffhanger con el que terminó la serie original, dónde  un Cooper recién vuelto del Black Lodge ríe frente al espejo, mientras que en su reflejo vemos la cara de Bob. La historia se retoma en la actualidad, con el Cooper original todavía atrapado en el Black Lodge, mientras su doble maligno anda suelto por ahí, matando gente y trazando un plan para no tener que volver.

Acá la realidad es que Twin Peaks hace varias apuestas arriesgadas. Partiendo de la base, hace que el personaje principal que todos queríamos ver de vuelta se pase quince de los dieciocho capítulos con amnesia, funcionando en piloto automático. Sin embargo, la jugada no funciona mal, ya que da lugar a varias situaciones bizarras, personajes graciosos y de paso demuestra que aún haciendo de ameba Kyle Maclachlan tiene un carisma a prueba de balas.

La historia nos permite ver en qué andan varios de los viejos personajes (Gordon Cole, Albert, Bobby, Andy, Ed y hasta Log Lady) e incluso le pone cara a Diane, encarnada por el eterno capricho de Lynch Laura Dern. También introduce personajes nuevos que son sumamente queribles, como los hermanos medio mafiosos Bradley y Rodney Mitchum o el dúo de asesinos con mucha carga de humor negro a cargo de los tarantineanos Tim Roth y Jennifer Jason Leigh.

Todos van jugando de forma inteligente un rol diferente, a medida que nos acercamos a la confrontación final en las oficinas del Sheriff de Twin Peaks. El problema es que la forma en que se resuelven muchas cosas llegados a ese punto son un tanto… vagas, entendiendo el término no como ambiguas, sino como perezosas. En otras palabras, parecería que lo hubieran escrito sin ponerle muchas ganas.

Empecemos por la muerte de Bob-Cooper. Ya habíamos aprendido que una vez que le pegabas un tiro se moría, pero al toque aparecían un grupo de linyeras fantasmagóricos a revivirlo. ¿Cómo resuelven esto desde el guión? Crean a Freddie, un personaje que parece salido del animé One Punch-man, que no tiene nada que ver con nada y que no tienen ningún tipo de desarrollo durante la serie. De hecho sus únicas dos apariciones previas a matar a Bob son para explicar su rol (cuando le cuenta a James la historia de su guante) y justificar su presencia en la escena final (cuando se pelean en el bar y terminan metiéndolos en cana). Que el disparo que mata a Bob-Cooper lo haga Lucy lo bancamos mucho, pero que un flaquito que no conoce nadie mate a piñas a Bob suena a una salida del paso un poco caprichosa.

"Hola, vengo a matar a Bob" "Ajá... ¿Y vos quién eras?

EL FINAL DE LAURA PALMER



Es innegable que la historia de Twin Peaks es la historia de Laura Palmer. Es por eso que la serie tuvo éxito, pero quedó a la deriva en cuanto se resolvió el misterio de su muerte. Y es también por eso que la película que se desprendió de la serie se enfocó 100% en ella. Era impensado que la versión 2017 no volviese en algún momento sobre ese personaje. Y si bien fue sembrando pequeñas cosas a lo largo de los capítulos, el plato fuerte lo dejaron para el final.

Sentarse a ver cualquier producto de Lynch es aceptar un contrato tácito. Es saber que te vas a exponer a un contenido extraño y no lineal, que va a exigir mucha atención para entender y rellenar los espacios en blanco que el director nunca se gasta en explicar. La ambigüedad del final de Twin Peaks es un ejemplo claro de ésto y como buena Lyncheanada no puede interpretarse de una forma única.

Por eso, para analizar este segundo final tomaremos las dos teorías a las que más o menos todos arribamos, que son también las que más se desarrollaron y comentaron en internet. Lo interesante de estas interpretaciones es que, para poder funcionar, cada una toma los hechos que la otra ignora. Así que entre las dos, y a falta de una teoría unificadora, se abarcan todos los hechos clave de la serie.

Final 1: What year is this?

Yo que sé...

Las nociones de tiempo y realidad en Twin Peaks son algo que se tiene que tomar siempre con pinzas. Es como la aparición de Audrey en la nueva serie, por ejemplo. La vemos en varios capítulos, teniendo una discusión con su esposo sobre si ir o no ir a The Roadhouse a buscar a un tal Billy. Esta situación no parece moverse al mismo ritmo que el resto de la serie, ya que siempre es de noche y siempre es la misma conversación. O tal vez si se mueve al mismo ritmo. Tal vez Audrey está loca y todas las noches somete a su marido a la misma discusión. O tal vez ni siquiera está teniendo esa conversación realmente y todo es una alucinación que tiene desde el loquero (no olvidemos el extraño plano con el que cierra la escena de su baile!). Si los detalles menores se pueden dar del todo por sentados en Twin Peaks, así que del final ni hablar.

Final 2: We are living on a dream

Si lo dice Dios debe ser verdad.

La frase se repite varias veces durante la serie. Se la dice Monica Bellucci (??) cuando se le aparece a Cole en un sueño e incluso le pregunta “¿quién es el soñador?”.

La deja caer algún que otro personaje que se le aparece a Cooper cuando todavía está atrapado en el Black Lodge.

Hasta incluso la tira el mismo Cooper cuando aparece su cara sobre-expuesta en la escena final de la comisaría. Que esté acá es un dato no menor, porque justamente en esa escena acaba de salir todo bien, es el final soñado por los buenos. (faltó solamente que entrase Harry bailando tap y diciendo que se curó del cáncer).   

Entonces si hay un sueño, como bien Monica Bellucci (y de nuevo ??) tiene que haber un soñador. Y como ya dijimos, este programa fue siempre sobre Laura Palmer, por lo que es lógico asumir que ella es la que está soñando. O sea que todo lo que pasa en la serie es un sueño de una adolescente, construído principalmente a partir del trauma psicológico que le dejó el ser abusada por su propio padre, mientras su madre alcohólica se hace la que no se da cuenta.

???

En la escena final, al escuchar la voz de su madre llamándola Laura grita porque se da cuenta de que todo es un sueño y su madre está a punto de despertarla. Sabe que va a volver a una realidad en la que no hay ningún Agente Cooper intentando ayudarla.  

Esta interpretación tiene la debilidad de que ignora muchos más datos y hechos que la anterior (de hecho explicarla me llevó mucho menos tiempo, como habrás visto). Pero también es cierto que toma una referencia que aparece mucho en la serie y que en la otra teoría casi no se tiene en cuenta.

Además sabemos que a Lynch le va mucho el mundo del solipsismo onírico. Lost Highway y Mulholland Drive, dos de sus películas más famosas, están construidas sobre la estructura de realidad-sueño-realidad y sueño-realidad respectivamente. En ambas vemos a personajes principales (Bill Pullman y Naomi Watts) traspasando una relación fracasada de la vida real a un sueño, donde todo se redime en una historia que es un punto medio entre la novela de amor idealizada y la fantasía sexual mega elaborada. En ambas también se llega a un punto de quiebre, donde el sueño se convierte en pesadilla, para finalmente despertar y volver a la realidad.

Con esto en mente, es posible pensar en un sueño/fantasía, donde si bien ella muere, finalmente se hace justicia y todos los que la hicieron sufrir en vida (su padre, Leo, Jacques Renault, etc) la terminan pasando mal; en el que aparece un héroe dispuesto a salvarla como sea; en el que al menos cinco personajes masculinos confiesan que la aman; en el que ella es la única capaz de detener a una fuerza que es pura maldad. La escena final es el punto de quiebre, el momento en que todo se vuelve una pesadilla y ella despierta.

Bill Pullman soñando que no mató a su esposa.

En resumen, la teoría del sueño tiene sus defensores con motivo y hay que darle lugar. Ahora, si esta gente tiene razón ¿Qué onda este cierre?.

El truquito de “ah no, al final era todo un sueño” es viejo y jamás le cayó bien a nadie. Me gusta imaginar que cuando se usó por primera vez - allá por el siglo XVII- los espectadores que estaban en el teatro se levantaron de sus asientos y prendieron fuego todo.

¿Por qué cae mal? Porque es un truco simple y efectista, que si se usa mal -como pasa el 90% de las veces- involucra un golpe bajo y una traición al espectador que lo está viendo. Si yo no te di ningún indicio a lo largo de la historia, probablemente cuando aparezca esta explicación te sientas engañado.

Podrán decirme que en Twin Peaks te dicen literalmente en varios momentos que estás en un sueño. Pero la realidad es que para que tenga sentido que es un sueño de Laura, todo debería estar relacionado de forma directa o indirecta con ella y la mitad de la segunda temporada no tiene absolutamente nada que ver con su historia, sino que se centra mucho más en el pasado de Cooper. Y si bien muchos dicen que hay cosas de esta etapa de la serie que se “sacaron de continuidad” (como por ejemplo el personaje de Heather Graham), también es cierto que gran parte de la nueva serie se basa en la existencia de un Cooper poseído, es decir algo que pasa en la segunda temporada  

Aunque la teoría del sueño a mi no me convence mucho y dudo que sea la correcta, si este fue el final que quiso dar a entender Lynch, me parece, por un lado bastante cómodo de su parte, por usar un recurso fácil y tan visto; y algo malicioso por el otro, porque exige que el televidente haga caso omiso de lo que pasa en un tercio del total de la serie, que estamos de acuerdo que es el más flojo por lejos, pero que no deja de ser parte del viaje que es Twin Peaks.

Esto es un sueeeeeeño

Para concluir, podemos decir que es probable que Lynch ya no vuelva a visitar Twin Peaks y su galería de personajes. Cuando haya pasado más tiempo y el polvo se haya asentado seguramente le llegará la fecha de muerte a este post, víctima de las nuevas y cada vez más minuciosas lecturas sobre el final de la serie que seguirán apareciendo por ahí, nacidas del re-visionado obsesivo de las dieciocho partes que componen este rompecabezas. Tal vez esa sea la verdadera magia de Twin Peaks. Su capacidad de capturar nuestro imaginario al punto de que nos pasemos otros veinticinco años más hablando de ella.

Promediando el mes de enero compré mi primer libro de Nick Hornby. No sería el primero que leía, pero sí el primero comprado por mí. Hace ya algunos años cuando no tenía el hábito de leer, mi hermano Santi en uno de sus intentos, me recomendó Alta fidelidad. Lo empecé a leer en los interminables viajes a ciudad universitaria en el colectivo 107. Las hojas empezaron a sucederse y Hornby me fue metiendo en su mundo. De golpe pasaba unas dos horas por día en la Londres de los 90, pero era un ciudad vista a través del ojo del autor, y me parecía fantástica. El autor en cuestión tiene varios libros publicados. En esta oportunidad voy a hacer algunos comentarios sobre mis favoritos y por algún motivo voy a utilizar el caprichoso número 3.