Expreso a Neptuno

Del polígono a la vida real Parte 2

11:47 p.m. Webby 0 Comentarios Categoría :

Viajando con el rugido del huracán

10:45 p.m. Mala Prensa 0 Comentarios Categoría : La Renga , Mala Prensa , Recitales , Rock , Rock Nacional

A esta altura no es ninguna novedad que acá, en Expreso, somos fans de la ciencia ficción, con especial predilección por todo lo que involucre viajes temporales. Sin embargo, volver al pasado no es patrimonio exclusivo del género. A veces con asistir a un recital alcanza y sobra para revivir momentos de una vida. Y eso mismo fue lo que me pasó el sábado 26 de agosto en la cancha de Huracán, junto a mi hermano y su novia, y rodeado de 40 mil personas más, mientras La Renga brindaba el quinto de una seguidilla de seis conciertos en la Ciudad de Buenos Aires, luego de un largo período en que su presencia en los escenarios porteños se encontraba vedada.

Dejamos el auto a más de 10 cuadras del estadio, y empezamos a caminar por una Avenida Jujuy bastante embotellada y con un tráfico de peatones sumamente inusual para un sábado a las 20 horas. A partir del cruce con Av. Brasil la calle ya se encontraba cerrada y la procesión de gente que caminaba entre puestos de comida improvisados, otros con un nivel de producción notable, y vendedores de cerveza, y remeras, era ya de una densidad considerable. El estadio se iba agrandando a cada paso, mientras intentaba recordar cuando había ido por última vez a un recital de rock de acá de esta envergadura.

Pudimos acceder a nuestra ubicación con relativa facilidad, luego de pasar por lo menos tres cacheos, y nos acomodamos en la platea casi en línea recta al escenario, entre bromas y alusiones a lo viejo que estábamos por no ir al campo. La cita era a las 21 horas, pero rápidamente nos dimos cuenta de que la banda oriunda de Mataderos saldría más tarde, eran ya las 20:30 y recién salían los teloneros.

Apenas pasadas las 22, entre el frío y una leve llovizna que fue y vino durante todo el show, se escucharon los primeros acordes del radial Corazón fugitivo. Al reciente hit le siguió Nómades, otro tema de su última placa Pesados Vestigios (2014). Un comienzo power pero que se me reveló un poco frío, dada mi falta de identificación con esta última versión del grupo. Pero eso fue rápidamente remediado cuando Motoralmaisangre inundó la escena, y me arrancó las primeras sonrisas y miradas cómplice de la noche.

La seguidilla Almohada de piedra y Canibalismo galáctico se me antojó demasiado "nueva" por un momento, hasta que caí en que son canciones estrenadas en 2006 y 2010 respectivamente, y me pregunté a donde se había ido todo ese tiempo. Escucho cantar a Chizzo "evolutivo y didáctico/super nova demencial", y pienso que sus letras, al contrario de otras bandas de la misma época, no han envejecido mal, y el recital me da muchos ejemplos para apoyar este parecer.

Cuando suenan A tu lado y Detonador de sueños, pegadas como en el disco de 2003 (uno de mis favoritos, para más datos), temas cortos, contundentes, que son el fiel reflejo del lema: "lo bueno, si breve, dos veces bueno", ya estoy convencido de que haber asistido al recital fue una gran decisión. Y es justo el momento en el que comienzan los flashbacks. Estoy en otro estadio, en otro recital, la banda presenta Detonador de Sueños en Vélez, en ese momento no lo sabía, pero sería la última vez que la vería en vivo en más de una década. El recuerdo es fugaz, vuelvo al presente.

Chizzo habla poco, agradece, la banda no se toma respiros, suena potente, y elige todas canciones al palo, algunos temas los presenta, otros deja que hablen por sí mismos, para el que sigue aclara que se trata de una canción vieja que desempolvaron. En los primeros acordes me cuesta reconocerla, recuerdo el riff pero no su nombre, la letra comienza a brotar sola en mi cabeza, como algo olvidado por mucho tiempo que se resiste a ser borrado. Cortala y olvidala es uno de los mejores tracks de A donde me lleva la vida (1994), con un estribillo muy ganchero que me propongo cantar a grito pelado, en ese anonimato que dan 40 mil voces elevándose al unísono. Estoy en el recital pero también en el departamento en que vivía cuando era adolescente, una mañana cualquiera antes de ir al secundario, aprovechando mi tiempo libre para jugar un rato al PC Fútbol y escuchar música, descubriendo uno de los primeros discos de La Renga, al que llego tarde porque en el momento de su edición tenía apenas 9 años, y que demuestra que no siempre vivimos al tiempo en forma cronológica.

Vuelvo rápido al presente con San Miguel, otra canción que no conozco muy bien, aunque muchos a mi alrededor la festejan y se la saben completa. "Es que la muerte esta tan segura de vencer, que nos da toda una vida de ventaja" reza Cuando vendrán, y los de Mataderos hacen suya una frase anónima que por una buena parte de la adolescencia confieso que pensé que les era propia. El capricho del recuerdo me aleja de Despedazado por mil partes (1996), y me encuentra en un quiosco de diarios de Villa del Parque, en 2001, comprando Insoportablemente vivo el mismo día que se puso en venta, disco doble grabado justamente en vivo en el mismo estadio en que me encuentro ahora, lanzado junto con una revista que aún conservo, y distribuido en dichos quioscos.

El onceavo tema del show fue En el baldío, uno de los cortes de difusión de La esquina del infinito (2000), y un verdadero clásico de la banda, que dio pie a la parte más tranquila del evento. Una vez más Chizzo se dirigió al público, esta vez para presentar a un histórico de nuestro rock, con el que grabaron un tema en su último larga duración. Así ingresó el gran Ricardo Soulé en escena, quien interpretó junto a la banda, y su inestimable violín eléctrico, Sabes que (la canción en cuestión), y se quedó también para realizar su aporte en Triste canción de amor, ese cover de los mexicanos de El Tri que los de Mataderos supieron apropiarse hace muchos años, y que contó también con la participación de Pablo Martinián en teclados.

Pasado ese breve período de relativa tranquilidad arremetieron con Arte infernal, otro de sus hits de La esquina del infinito, disco del que hicieron una gran cantidad de temas, y de repente estoy solo en la parada del 47 con destino a Villa del Parque, tengo puestos los auriculares, y escucho en mi walkman un TDK de 90 minutos que grabé hace poco con un compilado de lo último de mis bandas locales favoritas, "Ese adiós te rompió en pedazos/tus ganas de seguir" se escucha mientras pasa la cinta. El twist del pibe me devuelve a la platea del globo, una de mis canciones preferidas del disco de la estrella (1998), y la única que van a tocar hoy. Si bien no fue la primera del LP en gustarme, con el tiempo fue una de las que más se quedaron conmigo. "Así como volver a empezar/todo termina de repente/pero no me digas adiós/solo decime hasta siempre" canto mientras pienso si habrá entradas para el miércoles (es solo un acto reflejo, ya que sé que no podría ir). Para terminar de completar una gran seguidilla suena Desnudo para siempre (o despedazado por mil partes), obra que abre el disco homónimo y mires donde mires todo es alegría y emoción. El sonido es tan potente que ya a esta altura estoy felizmente aturdido, los años de aburguesamiento no vienen solos.

Luego de La vida, las mismas calles, canción que no se cuenta entre mis favoritas, continuaron con Al que he sangrado, y Tripa y corazón, sin duda puntos altos de La equina del infinito y del disco de la estrella respectivamente. Aunque cada vez que escucho la intro del último es inevitable recordar que por mucho tiempo lo usaron para musicalizar publicidades de Carburando. Chizzo nuevamente anunció que se venía uno de los viejos hits y empezaron a sonar los primeros acordes de Somos los mismos de siempre, uno de mis temas preferidos de la primera etapa del grupo, el único que tocaron de Bailando en una pata (1995), que fue muy festejado por todos los asistentes. Durante su ejecución la vista del campo desde la platea ofrecía un espectáculo digno de apreciar. Los cantos y el pogo se desvanecen de golpe y estoy en el Musimundo de Flores, con apenas tengo 13 años, mirando las bateas de Cds queriendo cambiar un disco de los Stones que me regalaron y ya tenía. Luego de dar varias vueltas elijo Esquivando charcos (el cassette pirata es del 91, pero su reedición en cd del 98), pierde en comparación con Bailando en una pata, pero es un documento digno de los inicios de La Renga.

Fui al recital sin expectativas, luego de un largo tiempo de no ver a la banda en vivo, y la verdad que lo estaba pasando muy bien. Bien alto, otro componente del LP del 98, le dio paso al por mucho tiempo inédito Oportunidad oportuna, y pegado sonó El rey de la triste felicidad, y ahí es cuando pienso que Nacho, mi hermano menor, miembro de Expreso a Neptuno, y que fue conmigo al recital, tiene razón cuando dice que La esquina del infinito es uno de los mejores discos del grupo, aunque yo siempre pongo a otros por arriba. Guitarra filosa, sonido metálico y un gran riff irrumpen cuando Chizzo, Tete y Tanque se despachan con el que es, en mi opinión, el último gran tema de la banda, me refiero a Oscuro diamante, de Truenotierra (2006), ese que dice "El mundo por fin se acabó/dejando a oscuras la vieja ilusión/que aunque sea ya muy tarde/seguimos buscando", y dan ganas de cantar a viva voz.

Cuando la guitarra de Chizzo comenzó con el característico riff de El final es en donde partí, se adivinaba que el show estaba alcanzando su fin. "Y en qué lugar, habrá consuelo para mi locura" canto mientras escucho un cassette grabado que me prestó un compañero de la primaria, me lo había dado porque tenía un par de canciones de Los Piojos, pero por suerte estaba este temón de La Renga, y con 11 años es la primera vez que recuerdo haber escuchado al grupo. El presente me invade nuevamente con La razón que te demora, que arranca tranquilo pero va tomando empuje y épica a medida que avanza, y ahora sí, después de dos horas ininterrumpidas de fiesta, la banda agradece, saluda y sale del escenario.

Por suerte no tuvimos que esperar demasiado, habrán sido 10 minutos, pero el frío y el viento los hicieron alargar al máximo. Los bises comenzaron con Masomenos blues, de su última placa, que tiene para destacar su sonido de guitarra slide bien sureño, y continuaron con tres canciones de Despedazado por mil partes, la sorpresiva y lisérgica Psilocybe mexicana, con su estilo de ranchera rock, El viento que todo empuja y finalmente (y para sorpresa de nadie) Hablando de la libertad, ese himno que cierra todos los recitales del grupo y que inspira grandes pogos y festejos en el público.

Para mí fue mucho más que un recital, fue un viaje de dos horas y media por la adolescencia, recorriendo varias de las canciones con las que crecí y me acompañaron en distintos momentos de la vida. El final tiene ese gusto agridulce que nos invade cuando algo que disfrutamos se termina, pero me quedo tranquilo porque sé que siempre puedo volver a verlos, y así continuar el viaje.

Covers Que Cubren

5:50 a.m. santi varde 0 Comentarios Categoría : Alcande Goldie Wilson , Covers , Musica

En Expreso a Neptuno ya hemos hablado varias veces sobre el mundo del cover, ya sea porque eran peculiares, metaleros o simplemente grosos. Y es que en el mundo de la música, hacer un cover es la cosa más natural del mundo. Es incluso algo instintivo. Cualquier grupo de gente que se junte con intención de armar una banda, lo primero que van a hacer es elegir una canción que más o menos les guste a todos y tratar de tocarla, a ver que pasa.

Pero esta costumbre no se limita a los que recién empiezan. Sea por gusto, capricho, tributo o por simple olfato comercial de un productor o ejecutivo discográfico, tocar una canción de otro es algo que se encuentra en discos y conciertos en vivo de músicos de todas las épocas.

El listado del que vamos a hablar a continuación viene a demostrar el poder que pueden tener a veces los covers. Se trata de versiones tan exitosas y reconocidas que, no solo eclipsaron a las versiones originales y sus correspondientes autores, sino que además se convirtieron en la canción más reconocida de quién interpretó el cover. Si, vamos a hablar de músicos que son conocidos sólo por haber hecho una buena versión.

Con este criterio en mente, vamos a dejar afuera muchas cosas. Por ejemplo, nadie discute que la versión de Sweet Dreams de Marilyn Manson marcó una época, pero el músico tiene otras canciones muy conocidas y no eclipsa para nada a la versión original de Eurythmics. O también, todos sabemos lo bueno que está el cover de Hurt de Johnny Cash, y si bien puede haber algún pendejo maleducado que no sepa que la versión original la escribió un señor bastante groso llamado Trent Reznor, es indudable que Cash tiene un catálogo enorme de canciones por las que es reconocido.

Hecha la aclaración, vamos con el listado -sin orden particular- de covers que se llevaron todo puesto.

Harry Nilsson: Everybody’s Talkin’ (Fred Neil) + Without You (Badfinger) + bonus track

Empecemos con un ejemplo muy curioso. Para los que no lo conocen, Harry Nilsson fue un gran cantante y un prolífico compositor durante los más de quince años que duró su carrera, antes de retirarse a comienzos de la década del ‘80. Pero, a pesar de haber compuesto muchas canciones, las dos por los que más se lo recuerda son covers.

La primera sale de la película Midnight Cowboy (1969). Para su banda de sonido Nilsson grabó una versión de Everybody’s Talkin’, una canción compuesta unos años antes por Fred Neil, un cantautor folk algo olvidado hoy en día, pero que editó varios discos interesantes en la segunda mitad de los 60s.

La canción se volvería una de las interpretaciones más recordadas de Nilsson y seguiría siendo utilizada hasta el hartazgo en películas y series, especialmente si hay una escena en la que alguien maneja en la ruta.

La segunda sale de su disco más exitoso, Nilsson Schmilsson, de 1971. En ella tomó prestada una balada rockera compuesta por Badfinger un año antes para su disco No Dice.

La canción se llamaba Without You y el gran acierto de Nilsson y su productor fue convertir un buen tema de rock en una de las primeras y más épicas power ballads de la historia. La canción ayudó mucho a las ventas del disco de Nilsson e incluso su interpretación fue premiada con un Grammy.

Mientras tanto Badfinger, que había empezado como una muy prometedora banda de rock, se fue deslizando hacia el olvido, víctimas de los malos manejos de su manager y de la fragilidad emocional de Pete Ham, su principal compositor. Curiosamente, en lo que podría considerarse un “Inception” de covers, la mayor parte de nuestra generación no asocia la canción a ninguno de éstos dos artistas, sino que la identificamos con la versión que grabó Mariah Carey en 1990.

Cómo bonus track, podemos mencionar que una de las composiciones más conocidas de Harry Nilsson es la canción One, que -¡oh karma!- a fines de los 60s se volvió el mayor éxito comercial de la banda americana Three Dog Night. O sea que Nilsson también supo lo que es estar del otro lado del mostrador. Y si a eso le ponemos arriba que muchos conocen la canción con la versión que hizo Aimee Mann treinta años después para la banda de sonida de la película Magnolia (1999), la cosa ya se vuelve un quilombo divino.

Natalie Imbruglia: Torn (Ednaswap)

“No, no es Alanis Morissette. Es otra mina” es una aclaración que todos escuchamos alguna vez al hablar del único hit que tuvo Natalie Imbruglia en 1997. Lo que no muchos saben es que la canción es un cover de una banda de rock alternativo con mucha mala suerte llamada Ednaswap.

La canción original, mucho más oscura y deprimente, vio la luz en el debut homónimo de la banda de 1995, pero por malos manejos de una discográfica agonizante, el disco pasó totalmente desapercibido. En 1997, para su disco Wacko Magneto, la nueva compañía los convenció de grabar otra vez la canción en una versión un poco menos densa, ya que le veían pasta de hit. El tema es que casi al mismo tiempo apareció la versión de Imbruglia, que arrasó en los charts. El segundo disco de Ednaswap volvió a pasar inadvertido.

La versión de la cantante australiana es, a todas luces, el mérito de un productor con la habilidad de agarrar una canción muy post-grunge y convertirla en el tipo de producto alterno-radiable que vendía tanto en esa época. Que muchos lo confundieran con una canción de Morissette- que a mediados de los 90s era la semidiosa de ese palo- es la evidencia más clara que puede haber.

Sinead O’Connor: Nothing Compares 2 Us (The Family)

Algún que otro locutor de FM con algo de data puede que te comente, antes de presentar por millonésima vez la canción, que el hit de Sinead O’Connor fue compuesto en realidad por Prince. Lo que muchos no saben es que el músico lo grabó para el primer y único disco de The Family, una banda paralela que creó en 1985. La banda pasó sin pena ni gloria -apenas tuvo un hit menor con el single The Screams of Passion- y el músico continuó con su prolífica y exitosa carrera en solitario.

Cinco años después apareció la cantante irlandesa y decidió grabar una versión para su segundo disco. La canción original, una balada synth-pop ochentosa con toques gospel, se convirtió en una power ballad cuasi new age, apoyada en la potencia vocal y emocional de Sinead O’Connor. El cover fue un hit enorme y es la canción más emblemática de la cantante, que tuvo una carrera más o menos decente hasta que le empezó a chorrear agua de la medianera a finales de los noventa.

Happy Mondays: Step On (John Kongos)

Un músico de rock sudafricano metiendo hits en Inglaterra a comienzos de los 70s no es algo que debería pasar desapercibido. Y sin embargo, no muchos recuerdan a John Kongos, un artista que supo codearse en las listas del Reino Unido con estandartes del glam como T-Rex, Sweet y, por supuesto, ~~Dios~~ David Bowie.

Canciones como Tokoloshe Man y He’s Gonna Step On You Again quedarían en la memoria de los músicos que crecieron escuchándolas. Y justamente por eso, una banda de la movida Madchester decidió hacer su propia versión de una de ellas.

Lo que hicieron los Happy Mondays en 1990 con Step On fue algo más que un cover. En una cruza entre reinterpretación y remix, actualizaron la canción rockera de base tribal al sonido house que se bailaba en esa época, en una mezcla de estilos que Primal Scream llevaría a su punto caramelo un año después con Screamadelica.

La canción se volvería su mayor hit -ok, está cabeza a cabeza con Kinky Afro- y uno de los mayores impulsores de Pills ‘n’ Thrills and Bellyaches, su disco más exitoso.

Whitney Houston: I Will Always Love You (Dolly Parton)

Técnicamente es imposible no saber qué esta canción es un cover, más si partimos de la base que durante una escena de El Guardaespaldas, película para se grabó el tema, te lo dicen. Pero como es mucha más la gente que conoce la canción que la gente que se vió entero ese bodrio de dos horas y pico, es comprensible que más de uno no esté al tanto del dato.

La versión original es una balada country bastante tristona, grabada a mediados de los 70s en una interpretación dulce y sencilla de Dolly Parton, una de las megaestrellas más inoxidables y admiradas de ese estilo musical..

En una movida inteligente para vender entradas de cine y discos, la canción se metió en The Bodyguard (1992) como parte del guión. Así, el personaje de Kevin Costner resulta ser un fan de la música country y se lleva a Whitney Houston a un bar, donde se da una escena ¿romántica? en la que bailan la canción de Parton. Por eso es que ella, al final de la película, decide cantar la canción para él.

De la versión de Houston que ya todos conocemos no vale la pena hablar mucho, justamente porque ya todos la conocemos. Sí podemos señalar que una vez más mete la cola la power ballad, que parece que a la hora de reformular canciones lentas siempre aumenta las chances de éxito.

Quiet Riot: Come On Feel the Noize (Slade)

Que el polémico, excesivo, épico, hiper-comercializado, multimillonario, defenestrado y barrido-debajo-de-la-alfombra heavy metal ochentoso - o Hair Metal, como le llaman algunos con malicia- bebió mucho del glam de los 70s no es un secreto. Si se hecha un vistazo a los discos de covers editados por bandas del género como Def Leppard (Yeah! 2006) o Poison (Poison’d! 2007), se verá que aparecen nombres como T-Rex, Sweet, Kiss, Bowie, Roxy Music o incluso Alice Cooper. Por eso no sorprende que una banda del género metiese un hitazo con una versión de una de esas bandas durante los 80s.

Slade, en mi opinión, es una banda menor del glam, más si los comparamos con gente de mucho talento que apareció bajo el paraguas de ese estilo, como Bowie, Brian Eno, Marc Bolan, Brian Ferry y Lou Reed. Pero los tipos estuvieron en el lugar y momento indicado, lo que les bastó para vender millones de discos durante 1972 y 1975 en su Inglaterra natal, aunque nunca lograron conquistar Estados Unidos.

Del otro lado esta Quiet Riot, un grupo metalero que a comienzos de los ochentas buscaba sumarse a la moda del metal apto para MTV, mientras se recuperaba del abandono de su enorme guitarrista fundador Randy Rhoads, que se había ido para ser el guitarrista de Ozzy Osbourne y, de paso, co-escribir con él una de las canciones más grosas de la historia del metal. Fue entonces cuando Quiet Riot decidió tomar un single de Slade particularmente coreable, llamado Cum On Feel The Noize, para sumarlo a su disco de 1983 Metal Health.

La canción se convirtió en el mayor hit de su carrera y el disco en el más vendido de su carrera. El hecho de que la canción original fuese virtualmente desconocida en Estados Unidos ayudó a instaurar en el inconsciente colectivo la versión de Quiet Riot muy por encima de la de Slade.

Un año después, la banda repitió la jugada haciendo un cover de Mama Weer All Crazee Now, otro hit setentoso de Slade, aunque el éxito fue más moderado.

Big Brother and the Holding Company: Piece of my Heart (Erma Franklin)

Al mencionar a Big Brother and the Holding Company, a todos se nos viene a la cabeza dos cosas: Janis Joplin, que colaboró con ellos al comienzo de su carrera, y Piece of my heart, el mayor hit que tuvo la banda y una canción que quedó asociada para siempre con la voz de la cantante.

Pero la primera mujer en ponerle voz a la canción no fue Janis, sino que un año antes la canción fue grabada por la cantante de soul Erma Franklin, la hermana mayor de Aretha. El tema tuvo cierta repercusión e incluso arañó el top ten en los rankings del Reino Unido.

Esto fue suficiente para captar la atención de los bluseros psicódelicos de San Francisco, que como muchos pares de la época- como Grateful Dead y Quicksilver Messenger Service- siempre tenían un oído puesto en lo que estaba pasando en el mundo de la música negra. El tema les gustó y decidieron hacer la versión hippie-rockera que conocemos todos hoy en día.

La canción sería el mayor hit de la historia de Big Brother… ayudando a convertir a Cheap Thrills en un álbum clásico y quedaría en el panteón de los grandes registros de Janis Joplin, junto a joyas de su carrera solista como Cry Baby, Mercedes Benz y Me And Bobby McGee.

FIRMA: Alcalde Goldie Wilson

(Progreso es mi lema!)

¿Quién es Carmen Pi?

12:44 p.m. Unknown 0 Comentarios Categoría :

Del polígono a la vida real Parte 1

10:44 p.m. Webby 0 Comentarios Categoría :

Hollywood adapta todo lo que puede. Cualquier película que veas seguramente ya se contó en algún otro formato y los videojuegos no son la excepción. Pero contrariamente a lo que se pueda pensar, tardó bastante en consolidarse como algo realmente masivo y común. Hoy en día hay cada vez más super producciones basadas en fichines, ¿pero cómo empezó todo? Vamos con la primer parte de este repaso.

Los (fallidos) primeros pasos

El primer film que adaptó un videojuego fue nada más ni nada menos que Super Mario Bros., estrenado en 1993, y basado, obviamente, en el ultra famoso fichín de los hermanos plomeros, furor en todo el mundo. La premisa simple y fantasiosa del videojuego se vio transformada en una trama de aventura épica de ciencia ficción con universos paralelos, protagonizada por Bob Hoskins (de ¿Quién Engañó a Roger Rabbit?) en el papel principal, acompañado de John Leguizamo como su hermano Luigi y Dennis Hopper como King Koopa, el villano. Sí, nada que ver lo de Hopper, pero bue.

Básicamente, Mario y Luigi son, como se sabe, dos simples plomeros de Nueva York que se ven metidos en un quilombo de aquellos para detener al sangriento dictador King Koopa que quiere conquistar los dos universos (el nuestro y el otro, generado por el meteorito que eliminó a los dinosaurios)... ¿Eh? Mejor dejemos ahí.

"¿Posta? Me estás jodiendo"

La verdad que la movida de adaptar videojuegos a la pantalla grande no podría haber arrancado de peor manera, ya que este delirio a pesar de sus buenas intenciones fue un recontra fracaso de crítica y de taquilla (recaudó menos de la mitad del presupuesto). El aporte más importante que hizo el film fue uno muy loco: le puso apellido a los hermanos. Sí, según la película, los nombres completos son Luigi Mario y... Mario Mario. Claro, Mario Bros, Hermanos Mario, ¿no? Bueno, no. Si bien técnicamente sería correcto por lo que supone el bros., el creador del personaje (el legendario Shigeru Miyamoto) dijo en más de una oportunidad que los personajes no tienen apellido, y en la peli básicamente tiraron fruta. Ni eso hicieron bien. Sin contar que los propios Hoskins y Leguizamo en más de una vez declararon estar arrepentidos por haber hecho el film, revelando que la pasaban tan mal que no les quedaba otra que ponerse en pedo. Verídico.

Hoy en día Super Mario Bros., a pesar de haber sido el fracaso que fue en su momento, es vista con ojos más abiertos, considerada como una importante piedra fundacional en una nueva clase de cine, y por llevar a los videojuegos a un mundo aún más masivo.

A principios de los 90 hubo dos juegos de pelea que habían revolucionado la industria: Street Fighter II (1991) y Mortal Kombat (1992), y a pesar de la pésima experiencia que fue Super Mario Bros., no fueron lentos en llevar estos dos juegos a la pantalla grande.

En diciembre de 1994, un mes después de la adaptación de Double Dragon (con Robert Patrick), de la que mejor ni hablar, llegaba a los cines la esperadísima Street Fighter, una producción de acción y artes marciales con la estrella del momento: Jean-Claude Van Damme, los Músculos de Bruselas, en contraparte del genial Raúl Juliá, en la piel del villano Bison. El resto del cast incluía a Kylie Minogue (?) como Cammy, entre otros desconocidos.

Si bien estuvo basada en el mencionado Street Fighter II, las diferencias en la trama y en su estilo fueron notables, como por ejemplo sacar del protagonismo a Ryu, en beneficio de Guille, el personaje interpretado por Van Damme. Además, la adaptación fue mucho más familiar de lo que se suponía.

A pesar de esto, el film fue un éxito de taquilla (triplicó el costo), aunque no tan así de crítica. De hecho, los fans la odian. En mi caso la considero un placer culposo. Se que es muy mala, pero la disfruto muchísimo.

Lo más destacable es sin duda la interpretación de Raúl Juliá. El querido Homero Addams (de larguísima trayectoria repleta de premios) había sido diagnósticado con cáncer terminal poco tiempo antes, y aceptó el papel de Bison sabiendo que sería el último como un regalo para sus nietos, que eran fanáticos del videojuego. La actuación de Juliá es sencillamente brillante y se nota que dio lo mejor de sí mismo y trató de divertirse lo más que pudo. Lamentablemente falleció unos meses antes del estreno.

"Para ti el día que Bison fue a tu aldea fue el día más importante de tu vida. Para mi fue martes."

Ocho meses después llegó la oportunidad para su competencia videojueguil: Mortal Kombat. En este caso la adaptación fue bastante más fiel a su fuente. Protagonizada por Robin Shou (el chino luchador por defecto en el Hollywood de los 90) como Liu Kang, un monje que, guiado por el dios Raiden (Christopher Lambert), viaja junto a Johnny Cage y Sonya al outworld, para participar de un torneo de artes marciales y así derrotar al malvado Shang Tsung y evitar que conquiste nuestro mundo.

Mortal Kombat costó 18 millones de dólares y terminó recaudando nada menos que ¡122 millones! Una locura. Y a diferencia de Street Fighter, la crítica fue bastante más positiva, especialmente con respecto a las escenas de acción y su atmósfera. Dos años después vino la secuela Mortal Kombat: Annihilation, de calidad bastante inferior a la primera. Y si bien es continuación directa, tan sólo dos actores repitieron el papel (Liu Kang y Sonya).

Luego de las dos Mortal Kombat, durante el resto de la década de los 90 no hubo más adaptaciones, más allá de algunas cosas que se hicieron en Japón.

La llegada a las masas

Luego de tantos años, la primer super producción hollywoodense con enorme presupuesto y actores de renombre llegó recién a principios de este nuevo siglo, más precisamente 2001, con Lara Croft: Tomb Raider, basada en el exitosísimo juego de aventuras y acción creado por la compañía británica Core Design. Angelina Jolie en el papel principal, con John Voight como su padre (es el padre en la vida real también), y Daniel Craig.

Tomb Raider (el juego) es un fichín de aventura, plataformas y acción en la que encarnamos a Lara Croft, una arqueóloga heredera de una enorme fortuna que dedica su vida a buscar artefactos legendarios en los lugares más peligrosos e inhóspitos del mundo. Al momento de la realización del film la saga ya contaba con cinco entregas sumamente exitosas alrededor de todo el mundo.

Si bien la película fue bastante fiel dentro de todo a la fuente original, se discutió mucho la elección de Angelina Jolie como Lara, aunque la crítica en sí fue bastante dividida, con opiniones positivas y otras negativas. Por ej, el sitio especializado en entretenimiento IGN le puso 0.0 de puntaje, mientras que Roger Ebert, tal vez el crítico de cine más importante e influyente de los últimos 50 años, la puntuó con 3 estrellas sobre 4.

Sin embargo, Lara Croft: Tomb Raider fue un éxito rotundo de taquilla, llegando a recaudar casi 300 millones de dólares sobre un presupuesto de 115 millones. Fue la adaptación de videojuego más recaudadora hasta 2010, cuando fue superada por Prince of Persia: The Sands of Time.

El cine es un negocio, y como todo negocio apunta a generar la mayor cantidad de ganancias posibles. Lara Croft: Tomb Raider probó que un producto más o menos bien hecho con el marketing necesario puede triplicar tus ingresos sin problemas. Aunque a otros le puede pasar lo contrario... sino, pregúntele a Square.

La fantasía final de Square Pictures

La saga de juegos de rol Final Fantasy es una de las series más importantes y respetadas del mundo. Creada en 1987 por Hironobu Sakaguchi, el primer juego de la saga, llamado a secas Final Fantasy, tuvo ese nombre porque luego de varios fracasos, se suponía que iba a ser el último intento de Sakaguchi de tener un poco de éxito en el mundo de los fichines. Su última fantasía. Y contra sus muy bajas expectativas, Final Fantasy fue un rotundo éxito en la isla del sol naciente, y en la actualidad ya lleva la increíble cifra de ¡14 secuelas! Sin contar todo lo que ha salido en distintos formatos como comics, anime, o películas, claro.

En 1997 Square Soft, responsables de Final Fantasy, creó la división Square Pictures, que iba a especializarse en la parte de animación de la compañía. Al poco tiempo firmaron un acuerdo con Sony/Columbia para la realización de un larga duración basado en la saga. Con la idea en mente de crear algo revolucionario, Square Pictures puso manos a la obra inmediatamente. ¿El resultado? Final Fantasy: The Spirits Within (2001), digirida por el propio Sakaguchi.

Si bien lleva el nombre de la saga, esta tuvo poco y nada que ver. Los videojuegos están ambientados en épicos universos de fantasía, repletos de magia y personajes de los más extraños. En cambio, The Spirits Within es un film de ciencia ficción que se desarrolla en la Tierra. El film trata sobre los científicos Aki Ross y el Doctor Sid, que intentan liberar a nuestro planeta de la amenaza de una misteriosa y mortal especie alienígena conocida como los Fantasmas. Hay que aclarar algo: este un excelente largometraje de ciencia ficción, pero una pésima adaptación de Final Fantasy. Y la gente quería Final Fantasy.

Fue revolucionaro, eso sí. En el momento fue la primer película en usar animación fotorealista, utilizando la tecnología más avanzada para su realización. Realmente es visualmente impresionante, con Square Pictures utilizando literalmente todos los recursos que tenía a su disposición. Incluso el cast incluía a tipos de la talla de Steve Buscemi, Alec Baldwin, James Woods y hasta Donald Sutherland. Y ahí vino el problema. The Spirits Within tuvo un costo imposible: 137 millones de dólares. Una verdadera locura. ¿Cuánto recaudó? 85 millones... Fue la primer y única película realizada por Square Pictures, y dejó en la lona a Square Soft. Una terrible lástima, podría haber sido el comienzo de algo increíble.

Aquí llegamos al final de esta primera parte, en la próxima seguiremos desde donde dejamos, con la saga Resident Evil, las pedorras adaptaciones de Ube Woll y la actualidad con las películas más exitosas. ¡Saludos!

Temas indispensables para una playlist de Rock de acá (1966-1980), Vol. II

8:03 p.m. Mala Prensa 0 Comentarios Categoría : Alma y Vida , Mala Prensa , Musica , Pappo , Pappo's Blues , Pedro y Pablo , Rock , Rock Nacional , Tanguito , Vox Dei

Bienvenidos a la segunda entrega de esta playlist que recorre en forma sucinta y sin duda incompleta los primeros 15 años de nuestro Rock. En esta oportunidad se trata nuevamente de cinco canciones, presentadas en orden cronológico, en la que se introducen nuevos artistas y bandas de importancia capital para la evolución del rock local.

Algunos de estos temas bien podrían haber formado parte del episodio anterior, tanto por estilo, como por la época en la que fueron compuestos, aunque terminaron viendo la luz años más tarde. Otros pertenecen a figuras que en su momento fueron emergentes, a discos fundamentales de nuestra historia, o a músicos ya mencionados en el capítulo pasado, que recién cuando construyeron su propio proyecto alcanzaron todo su potencial. Además, se empieza a vislumbrar algo que quedará reflejado de forma más marcada en próximas entregas, la incorporación de otros estilos como influencia para dar forma al Rock Nacional. Ahora sí, los dejo con las canciones.

Amor de primavera - Tanguito, 1970.

"Allá a lo lejos puedes escuchar/ a un amor de primavera/que anda dando vueltas", canta José Alberto Iglesias una melodía etérea, con una letra compuesta por Hernán Pujó, uno de los fundadores del sello Mandioca, junto a su hermano Pedro y al editor Jorge Álvarez. La canción fue grabada en 1970, en una sesión en los estudios TNT para el sello antes mencionado, junto con otras composiciones propias como Natural (que formó parte del compilado Pidamos peras a Mandioca lanzado ese mismo año), Todo el día me pregunto o La Balsa (en coautoría con Litto Nebbia). Estas obras iban a formar parte del primer LP de Tanguito, pero su lanzamiento se pospuso por la quiebra de Mandioca, viendo recién la luz en 1973 bajo el sello Talent. Sin duda se trata de una de esas canciones que una vez escuchadas es muy difícil sacarte de la cabeza, un número puesto en esta selección.

Yo vivo en una ciudad - Pedro y Pablo, 1970.

El dúo compuesto por Miguel Cantilo y Jorge Durietz siempre se caracterizó por sus arreglos vocales, su sensibilidad folk y su gran capacidad para retratar aspectos sociales, con tintes de protesta en ciertas ocasiones. El tema que nos ocupa fue editado como primer simple de la banda, con Los caminos que no sigue nadie como lado b, y su letra pinta de manera certera la vida en Buenos Aires en esa época, aprovechando Miguel para comentar algunos de sus aspectos negativos, y concluir que a pesar de todo quiere a la gente que la habita porque se siente uno más de ellos. Musicalmente se destaca la incorporación del bandoneón dotando al tema de un aire porteño inigualable. Además formó parte del primer larga duración del dúo, justamente titulado Yo vivo en esta ciudad, que se editó ese mismo año, y que incluyó otros clásicos, como La marcha de la bronca, o ¿Dónde va la gente cuando llueve?.

Genesis - Vox Dei, 1971.

Cómo ya he expresado en otras oportunidades, y hasta le he dedicado un post, La Biblia es uno de los grandes LP de nuestro Rock. Y cómo tal, su inicio con el tema que nos ocupa es memorable. Indudablemente si haces un disco sobre tal obra, empezar por su primer libro es el paso lógico. Desde el comienzo se nota que es una canción distinta, con una introducción que genera una muy buena atmósfera. "Cuando todo era nada, era nada el principio" canta Soulé, y ya nos comienza a conquistar. Su visión humana del libro se deja ver desde este primer tema, en el que se pone foco en la Creación. La parte final, totalmente instrumental, tiene grandes momentos, como los sutiles acordes que se van apagando para que el tema vuelva a comenzar con más fuerza, dando luego paso al solo. Poco más de 6 minutos y medio le toma a Vox Dei demostrar que es una gran banda. Génesis ha sido reversionada por varias bandas, entre ellas Soda Stereo.

El tren de las 16 - Pappo's Blues, 1972.

La canción abre el segundo larga duración de Pappo's Blues, placa que el Carpo grabó junto al bajista Carlos Pignatta, y a Black Amaya y Luis Gambolini en batería, y fue editado por el sello Music Hall. La letra, muy directa, al estilo Pappo, habla de los deseos de un amante de mantener relaciones sexuales y pasar el tiempo junto a su chica, mientras le avisa que pronto deberá dejarla en el tren que sale a las 16 horas. Comienza con un breve solo de batería, y cuenta con un nada despreciable solo del violero de La Paternal. Su duración es muy corta y representa un rock clásico de esos que suelen ser bastante cuadrados, pero eso no le quita ni efectividad ni belleza al tema.

Hoy te queremos cantar, Alma y Vida, 1972.

La banda de Carlos Mellino (voz y teclado) y Bernardo Baraj (saxo), nacida como grupo de acompañamiento de Leonardo Favio, logró mezclar al rock con toques progresivos y de jazz, potenciado por la incorporación de saxo y trompeta en el conjunto. Hoy te queremos cantar forma parte de Alma y Vida vol. 2, junto con otras obras destacadas como Don Quijote de barba y gabán. Inicia con los bronces hasta que irrumpe la particular voz de Mellino, que nos canta sobre alguien que ya no está, al que vimos luchar y también caer. "Hoy te queremos cantar/nadie te puede olvidar/vos estas vivo en todo y todos/como un sol" reza el estribillo. Siempre se dijo que estaba dedicada al Che Guevara, lo cual suena lógico si se tiene en cuenta el contenido de la letra. Sin duda fue fruto de su época.

Así llegamos al final de esta nueva entrega. Espero que al lector le sirva para conocer nuevas canciones, o para poner en perspectiva algunas ya conocidas. Seguramente falte alguna que pueden considerar fundamental, pero no se preocupen, todavía quedan al menos un par de episodios más. Nos leemos el mes que viene.

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