Por fin llegó la película de Queen. Después de años de espera, después de mil idas y venidas, después de infinitos cambios, los fans de la banda pudimos ir a ver al cine la historia de nuestra banda favorita.

¿Que nos encontramos en el cine? Bueno, el tema es bastante complicado. Por eso advierto desde el inicio tres cosas.

La primera, es que este post va a tener spoilers. (dah!)

La segunda, es que va a ser un post bastante largo.

La tercera, es que a pesar de que el titulo dice “todo”, no voy a hablar de todo lo que está mal en la Bohemian Rhapsody, porque son muchas cosas.

De base, si somos quisquillosos, está repleta de errores históricos. Algunos comprensibles y producto de la simplificación que exige meter quince años en dos horas de película. Otros son tan, pero tan innecesarios que dan ganas de pararse y empezar a preguntar “¿Por qué?” a los gritos en el medio del cine.

En el siguiente post no vamos a salir a enojarnos, por ejemplo, porque hicieron un montaje de la banda girando por Estados Unidos en 1974, usando Fat Bottomed Girls de fondo, que es una canción que recién grabaron en 1978.

Acá vamos a hablar de las cosas que están radicalmente mal, al punto de que le hacen mal a la película, a la historia de banda y hasta al propio Freddie Mercury, con todo lo que rodea su icónica figra incluído.

Estos son algunos de los gravísimos problemas que tiene Bohemian Rhapsody.
     

LIVING ON MY OWN: la vida privada de Freddie

Empecemos por el problema principal: la forma en que muestran el estilo de vida que llevó Freddie. O mejor dicho, la forma excesivamente higiénica y aséptica en que no cuentan su vida privada. Esta decisión de la banda y de otros allegados al proyecto fue un tema tan polémico que terminó provocando que Sacha Baron Cohen se baje de la película (aunque no fue la única razón).

Por un lado tenemos el manejo de su sexualidad. Ok, ser gay en la década del '70 en Inglaterra y más viniendo de una familia muy tradicional no es fácil. Pero lo que muestran en la película es a un tipo que se pasa en estado de en negación por años, al que le cuesta asumirse y ni siquiera puede decir que es gay en voz alta. ¡Hasta parece que todos se dieron cuenta menos él!

Freddie de fiesta en la película

Esto es retrogrado, vergonzoso y hasta injusto, si tenemos cuenta que el verdadero Freddie no tuvo tanto complejo en asumirse como era. Y, si bien siempre intentó ser discreto, nunca se avergonzó, ni se reprimió.

Pero tal vez lo más condescendiente en este ámbito es cuando muestran su “liberación” a pura fiesta a principios de los 80s. Según el guión de Bohemian Rhapsody,  esto es una consecuencia de haber “salido del armario”, pero también un intento por llenar un vacío emocional (en gran parte inventado para esta ficción).

La realidad es que esta no fue “su liberación”, sino un importante movimiento de liberación sexual que atravesó a toda comunidad gay en esos años. Y estaba de joda todo el día porque quería, le gustaba y ahora podía hacerlo en paz, no porque era el único que no tenía una familia a la que volver después de terminar la gira, como la película sugiere.

La segunda cuestión que se dejó de lado en pos de hacer una película ATP fue el tema de las drogas, que en la historia de Queen hubo muchas y no solo por parte de Freddie Mercury. Hasta hoy, por ejemplo, se recuerda las mítica fiesta de lanzamiento de Jazz, en el que los miembros de la banda pusieron a disposición de los invitados enanos que llevaban en la cabeza bandejas repletas de cocaína (aunque según el grupo es solo una leyenda).

Dicho esto, hay que aclarar que la película no erra del todo al centrar el tema más en Mercury. En algún momento fue el que más se pasó de rosca y la banda llegó a preocuparse por su vocalista, especialmente cuando empezó a afectar sus actuaciones en vivo a mediados de los 80s.

Freddie de fiesta en la vida real

Pero, en Bohemian Rhapsody el asunto queda en dos o tres referencias verbales y alguna que otra aparición fugaz en escena, cosa de que si algún nene está viendo la peli con papá, no termine de agarrar la indirecta.

Este puritanismo es, tal vez, una de las cosas que más dañan a la película. Porque cuando quieren dar a entender que Freddie se está hundiendo en los excesos, no resulta creíble. Que te muestren dos fiestas y que llega tarde al estudio unas cuantas veces no transmiten lo suficiente.

Por eso, cuando ves a sus amigos sentados con cara de culo/preocupación durante una fiesta, no se termina de entender de dónde viene el enojo. Incluso se puede llegar a malinterpretar -como hizo alguna crítica maliciosa- como una desaprobación a su estilo de vida homosexual. Después de todo, los tres miembros restantes de Queen adoptan esa actitud en una fiesta en la que Mercury aparece apenas dado vuelta y comportándose muy… ¿gay?

Alguno podrá decirme que todas estas lecturas entre líneas están hechas con un poco de mala leche y puede ser. Por eso prefiero no profundizar en un pequeño detalle más que me gustaría mencionar: el que abre la puerta a la homosexualidad de Freddie, resulta ser también “el malo” de la película.


MR. BAD GUY: el conflicto inventado

Uno de los conflictos centrales de Bohemian Rhapsody se da entre Freddie Mercury y el resto de la banda, cuando el cantante decide hacer un disco solista, “empujado” en parte por Paul Prenter, el "malo" de la película.  Los miembros de Queen se enojan, pensando que Mercury quiere separar a la banda y el cantante los corta con un tajante y soberbio “no voy a comprometer más mi visión”.

Esto está mal a tantos niveles que casi no se por donde empezar a desgranarlo…

Muchos coinciden en que Prenter, en la vida real, no fue una influencia positiva para el cantante. Pero tampoco era tan malo o manipulador como te lo muestra el film

Podría arrancar diciendo lo obvio: que esto es un invento. Pero prefiero explicar primero algo que me rompió más las bolas. La banda tuvo otros conflictos más jodidos que el que se inventaron y podrían haberle añadido profundidad no solo a la película, sino a la relación que había entre los miembros de la banda. Pero, por algún motivo los guionistas los dejaron de lado.

A principios de los 80s Queen sufrió una importante crisis artística que, en palabras de Brian May, casi provocó que la banda se separara. El problema arrancó en 1982, cuando lanzaron Hot Space, álbum considerado de forma unánime como el peor de su carrera. Después de eso, la banda entraría en una crisis que ni el éxito de su siguiente disco, The Works de 1984, terminaría de subsanar. Recién en 1985, por motivos que retomaremos más adelante, la cosa lograría componerse del todo.

En la película, el lanzamiento de Hot Space pasa de costado. De hecho, usan la escena de la conferencia de prensa en la que lo están presentado para ilustrar el acoso que sufría Mercury por parte de un grupo de periodistas obsesionados con su vida personal, a tal punto que ignoran al resto de la banda (tema que tiene su cuota de realidad, pero que la película tampoco se molesta en retomar más adelante como posible carne de conflicto entre los miembros del grupo).

Portada del infame Hot Space

Respecto a la parte del disco solista, la idea de que eso pueda ser conflictivo queda un poco ridícula si se tiene en cuenta que para cuando Mercury entró a grabar Mr. Bad Guy en 1984, Brian May ya había lanzado un disco solista (Star Fleet Project, en 1983) y Roger Taylor dos (Fun In Space en 1981 y Strange Frontier en 1984). También vale la pena señalar que, lejos de enojarse, los miembros de la banda colaboraban mucho entre sí para sus discos solistas. Es más, en Strange Frontier de Roger Taylor participaron de invitados en diferentes canciones TODOS los miembros de Queen. 

Sumemosle a todo otra cosa. Eso de que Freddie no quiere “comprometer su visión” es una boludez, más cuando venían de hacer un disco como Hot Space: un álbum disco/pop, en un estilo musical que a May y a Taylor no les gustaba y que Deacon bancaba a medias. En resumen, era claramente la visión de Mercury (bastante influenciado, acá si, por Printer).

¿Por qué los guionistas se inventaron un conflicto tan bobo teniendo a mano cosas más interesantes que contar? Habrá que preguntarle a ellos.


DON’T STOP ME NOW: el final prematuro de la película

La película decide terminar en 1985 con la presentación de Queen en Live Aid, en la que es -en mi opinión- una de las escenas mejor logradas de la película, tanto en lo técnico como en lo emotivo.

La importancia de ese momento en la historia de la banda es indiscutible. incluso en este blog le dedicamos un post cuando fue su 30 aniversario, unos años atrás. Ese show en vivo consagró a Queen como un monstruo de estadios y ayudó a la banda recuperar la confianza, sacándolo de forma definitiva de la crisis que habíamos mencionado antes (la real, no la inventada).

Acá el tema ya va en gustos, pero creo que al terminar ahí dejan afuera muchos de los momentos más emotivos de la vida de Freddie Mercury, que se dieron justamente en los últimos seis años de su vida.

La escena en la que recrean el Live Aid, uno de los puntos altos de la película.

Para empezar, se olvidan de la época más emblemática de Queen en vivo, que fue durante su gira de 1986 y que representa, probablemente, la imagen del grupo que quedó más marcada en la memoria colectiva.

Dejan afuera tres grandes discos de la banda -cuatro si contamos el post-mortem Made in Heaven- y el memorable disco de Freddie junto a Monserrat Caballé.

Pasan muy por arriba - y de forma casi ridícula - su relación con Jim Hutton, que fue su compañero hasta el día de su muerte.

Se olvidan de la hermosa relación de unidad sin precedentes que se conformó entre los miembros de Queen después de que Freddie les contara sobre su enfermedad. Y, si bien es cierto que en la película se muestra el inicio, lo hacen de forma superficial y encima adelantándose más de un año a cómo pasaron las cosas en la realidad. “Cosas” no menores, como el diagnóstico de HIV positivo del cantante.

Hasta ignoran el hecho de que Freddie Mercury decidió cantar hasta el último momento de su vida, en un intento por dejar la mayor cantidad de material grabado para que la banda pueda hacer un disco después de su muerte (otro tema que ya tratamos acá también).

Foto de Freddie en los últimos meses de su vida.

Si jugamos al abogado del diablo, podemos defenderlos diciendo que Freddie hubiera preferido que toda esa parte de su vida no la cuenten. Después de todo, él mismo decidió ocultar su enfermedad hasta último momento porque no quería ser un caso de lástima.

Personalmente, dado el final un tanto abrupto de las películas, tengo mi duda que lo hayan pensado tan en detalle


MISFIRE: la falta de forma de la película

¿Alguien puede decirme de qué se trata Bohemina Rhapsody? Ok, es una biopic bastante ficcionalizada del cantante de Queen. Pero como película ¿Alguien sabe sobre qué es la historia?
Toda biopic decente tiene un tema que la atraviesa, un hilo conductor, un arco dramático que te hace sentir que no solo te están mostrando cosas de la vida de alguien, sino que te están contando una historia.

Un buen ejemplo es Walk The Line (2005), la película sobre Johnny Cash y June Carter. Te puede gustar más o menos, pero está clarísimo que lo que te están contando es una historia romántica. Tan claro es, que el film termina cuando los dos personajes principales se juntan de forma definitiva. Por su puesto, en el medio te muestran mucho más: la carrera del músico, sus problemas con las pastillas, el colapso de su matrimonio y la relación de mierda que tenía con el padre. Pero todo, absolutamente todo, está atravesado en algún punto por la historia de amor.


Otro caso que podemos citar es el de Ray (2004). La historia de la vida de Ray Charles está prolijamente apoyada en tres pilares: sus mujeres, su adicción a la heroína y la culpa que lo persiguió gran parte de su vida por la muerte de su hermano. Y en el tercer y último acto de la película -la parte de la “redención” del personaje-  hacen confluir estos tres temas de manera creíble. También hay que destacar que cuando hablan de su ceguera lo hacen sin caer en la condescendencia -a diferencia de lo que pasa en Bohemian Rhapsody con la sexualidad de Freddie- e incluso tratan con bastante buen pulso, aunque de forma algo superficial, el tema de los conflictos raciales.


Volviendo a la película en cuestión, muchos críticos definieron a Bohemian Rhapsody como una historia de amor. Amor con Mary Austin, amor con el resto de la banda, con su público y, eventualmente, con Jim Hutton. En mi opinión la única que llega a apreciarse es la parte de Mary, su esposa y solo en la primera mitad de la película, a partir del último tercio se desdibuja casi del todo. La relación con la banda o con el público, apenas aparecen. Lo que se cuenta de Hutton es simplemente triste.

El film ni siquiera termina de calzar en la estructura más básica y clásica de muchas películas: Ascenso-Caída-Redención. Esto pasa porque la caída, como ya dijimos antes, no es creíble. Y para colmo intentan sobre-compensar,  llevando la parte de la redención al límite de lo ridículo. ¿De golpe su papá lo aprueba porque va a tocar en un recital a beneficio? ¿Toca Queen y el Live Aid pasa de no recaudar nada a alcanzar su objetivo? ¿Se junta con el hombre indicado para él ese mismo día, después de no haberlo visto por cinco años? ¿Recompone la relación rota con Mary invitándola al backstage?


Al final, la película trata de unir y atar todos los cabos que abrió, pero que ni siquiera se molestó en desarrollar, dejando la sensación de que se estuvo dos horas mirando una sucesión de hechos que tienen poca relación entre sí y que no terminan de ir a ningún lado. La única conexión entre todos los puntos es un personaje complejo y mal desarrollado.


IF YOU CAN’T BEAT THEM...

Bohemian Rhapsody es una biopic fallida, que queda a mitad de camino y que no está ni cerca de cumplir con el hype que se había generado a su alrededor a lo largo de casi una década.

Eso no quita que, como fans de Queen, podamos hacer la vista gorda a sus gruesos errores históricos y a sus grandes problemas como película, para disfrutar de una historia entretenida, plagada de preciosas y sutiles referencias a canciones, buenos momentos musicales y una catarata de temazos de la banda sonando al palo de forma casi constante.

Para disfrutarla, solo hay que cerrar un poco los ojos y abrir bien los oídos.

Si hay un personaje que se caracteriza por cambiar mucho de intérprete, ese es James Bond. Llega a tal punto, que a los fans del personaje- advierto de entrada que no estoy entre ellos- les gusta mucho debatir sobre quién es el Bond definitivo: Sean Connery o Timothy Dalton… digo, Roger Moore.

Pero, más interesante que quienes lo interpretaron, es la variedad y cantidad de actores estuvieron cerca de conseguir el papel. El arca que agrupa toda la sabiduría humana (a.k.a. Wikipedia) ofrece una enorme lista de los nombres  que fueron considerados cada vez que hubo un cambio de protagonista en la histórica saga. ¡Hasta te dice por qué cada actor fue descartado!

En la quinta y última entrega de esta sección, nos limitaremos a recoger algunos de los nombres que más nos llamaron la atención, con un criterio totalmente músico-genital y despreciando cualquier método sistematizado. Aclarado esto, ahí vamos.

A Cary "Dios" Grant le ofrecieron ser el primer Bond. Lo rechazó porque a sus 58 años se consideraba muy viejo para el papel.

BAT-BOND



Desde que el personaje de Ian Fleming llegó a la pantalla grande en 1962 y a lo largo de cinco películas, Bond fue interpretado por el enorme Sean Connery. Pero después del alejamiento del actor, el estudio tuvo que salir a buscar a alguien nuevo.

En la lista había nombres muy conocidos, como Clint Eastwood y Burt Reynolds. Pero, uno que tenía todas las fichas para quedarse con el papel era nada más y nada menos que Adam West, actor que en ese momento era considerado una superestrella mundial por su protagónico en la exitosísima serie de Batman.

Era sabido públicamente que el actor estaba interesado en el papel. De hecho, unos años antes había propuesto a los productores de Batman hacer una serie películas del personaje, pero un poco más “seria” que la estrenada en 1966. La idea era que Batman viajase por el mundo, trabajando no solo como superhéroe, sino también como espía. Lo que proponía West, en pocas palabras, era Jamesbondizar -ponele- a Batman.

Acá, Wikipedia les va a decir que el actor rechazó el papel porque consideraba que debía ser interpretado por una actor inglés. Pero años después, West contaría la verdad en uno de sus libros. Con el show todavía rodando la que sería su última temporada, se vio obligado a rechazar el papel de Bond por tener un contrato de exclusividad bastante severo con la ABC (mismo contrato que, según declara Burt “Robin” Ward, le bloqueó la posibilidad de protagonizar El Graduado). El papel finalmente fue a parar a George “No-te-conoce-ti-tu-vieja” Lazenby, que pasó sin pena ni gloria.


BOND-LUDO



En los noventas, después de la salida de Timothy Dalton, había dos actores que eran los máximos candidatos a volverse el nuevo Bond.

El primero era Pierce Brosnan, que curiosamente había estado a punto de quedarse con el papel en 1986, pero un problema de agenda hizo que Dalton siguiese en la saga.

El segundo era Liam Neeson. Y en esta sección lo tildamos de "boludo" por los dos motivos que tuvo para rechazar la oferta.

Por un lado, está la versión que contó por años. Lo rechazó porque “no estaba interesado en hacer películas de acción". Y basta ver las últimas diez películas que hizo, para darse cuenta de que más tarde cambió de idea… ¡Dejate de joder Liam! ¡Para eso te hubieras hecho una de Bond!

Por otro lado, está la versión que contó hace un tiempo, en la que explica que su novia y hoy difunta esposa le dijo que si aceptaba el papel ella no se iba a casar con él. Seguramente, no le hacía mucha gracia que su marido se pasase meses rodando junto a mujeres con poca ropa.

Si bien no podemos culpar a la pobre chica por tener ese razonamiento, si podemos culpar a Neeson por ser un pollerudo y habernos dejado con las ganas de ver a un gran actor como él en la piel de Bond.


DEAD-BOND


Para el papel que terminaría llevándose Pierce Brosnan, hubo otro candidato que todos conocemos bastante bien. Sean Bean en ese momento era un actor en ascenso, con una formación de teatro shakesperiano y con bastante experiencia en cine dramático.

EON, la productora a cargo de casi todas las películas que se hicieron de Bond, quería a Bean, aunque todavía confiaban en que volviese Dalton. Pero MGM, el estudio que ponía la papota, le bajó el pulgar.

La teoría más aceptada dice que no quisieron contratar a Bean porque hubiera significado que a James Bond lo iban a terminar matándolo en pantalla, después de todo, ¡Es Sean Bean!

Chistes obvios aparte, el actor impresionó tanto a la productora que terminó siendo contratado como el agente 006, el villano  de turno en Golden Eye. De esa forma, pudo cumplir con tranquilidad su eterno destino cinematográfico.


YAPA: BOND /bɒnd/



James Bond es inglés y, como tal, tiene que tener un acento y una pronunciación intachables. Por eso, a modo de yapa, dejamos algunos nombres de actores que fueron rechazados o dejados de lado por el mismo motivo: su inglés no era lo suficientemente british.

Entre los caídos en la batalla de la pronunciación, vale la pena destacar a:

- Dick van Dyke: fuera de joda, audicionó en 1967 para la primera Casino Royale. La respuesta del director es lógica. ¿O no vieron nunca Mary Poppins en inglés?

- Sam Neil: y bueno, el acento Neozelandés es jodido. A pesar de ser mejor actor, perdió con Dalton.

- Mel Gibson: no expliquemos nada y tomémonos un segundo para agradecer que ésto haya pasado.

- Christopher Lambert: ¡Bancamos a Highlander a punta de chancleta! Pero, por otro lado, el acento inglés de un francés… ¡durísimo!.

Si a alguien le interesa ver la lista completa, desde Expreso a Neptuno les recordamos cordialmente que Google no muerde.

The Beatles, Elvis, Bing Crosby, Frank Sinatra, Jon Bon Jovi, Britney Spears, Sandro, Palito Ortega, Donald y hasta Soledad Pastorutti. Desde hace décadas, no es raro ver a músicos que saltan del estudio de grabación a las pantallas de cine.

Pero hoy vamos a hablar de del camino inverso, que suele ser igual de común, pero menos comentado. ¿Qué pasa cuando un actor cambia la cámara por el micrófono? Pasa de todo.

Cosas graciosas, como Tenacious D de Jack Black; cosas solo aptas para consumo irónico, como los recitados de William Shatner y su recomendable Seeking Major Tom;  cosas exitosas, como el descafeinado rock alternativo de estadios de Jared Leto y sus 30 Seconds to Mars;  cosas sublimes, como Christopher Lee poniendo su voz operística al servicio del metal; cosas dignas, como los estándares de blues de Hugh Laurie; cosas bizarras, como el The Pizza Underground de Macaulay Culkin; y cosas de las que mejor no hablar, como lo de Lali Espósito. 

Pero más allá de esa primera y poco exhaustiva enumeración, hoy vamos a hablar de cinco casos en concreto.Son actores devenidos en músicos a los que vale la pena escuchar.


COCONUT RECORDS

Para el año 2007 Jason Schwartzman ya era una cara conocida en Hollywood, especialmente gracias a sus repetidas colaboraciones con el director Wes Anderson. 

Fue entonces cuando cambió de rubro y sacó a relucir su talento como compositor y multi-instrumentista en Nighttiming, el disco debut de su banda de indie pop Coconut Records. Con bastante folk, bastante de The Beatles y algún toque de Elliott Smith, el disco fue recibido con buenas críticas, aunque lo que más se destacó a nivel mainstream fue la colaboración de otras estrellas de Hollywood en el disco, como Kirsten Dunst y Zooey Deschanel.

Dos años después llegaría Davy, su segundo y último disco. Con un sonido muy en línea al anterior, aunque tal vez un poco menos ecléctico, el álbum tuvo mayor repercusión gracias a la canción Microphone, lo más cercano a un hit que tuvo Coconut Records.

En los últimos nueve años Schwartzman se dedicó a la actuación, retomando solo su veta musical para componer las bandas de sonido de Funny People (2009), Goats (2012) y la canción para la presentación de la serie que él mismo protagonizó, Bored To Death (2010).

A la fecha, no hay indicios de que vaya a editar otro disco.



DEAD MAN’S BONES

En el año 2009 dos amigos que apenas sabían tocar instrumentos, se metieron al estudio para grabar un disco inspirado en su obsesión compartida con los monstruos y los fantasmas. El resultado fue un disco tétrico, pero a la vez muy bonito, que llevó de título el nombre de la banda: Dead Man’s Bones.

Este particular dúo fue creado por Ryan Gosling - en ese momento a medio camino entre el cine indie y el mainstream- y su amigo Zach Shields. Completó la formación el coro de infantil de Silverlake Conservatory, al que varias de las canciones deben ese aire entre fúnebre y luminoso.

Al día de hoy, en teoría la banda sigue “en actividad”, aunque la realidad es que, después de editar un único álbum, Dead Man’s Bones hizo una breve gira por Estados Unidos para presentar el disco y no mucho más.



JEFF BRIDGES

Para cuando finalmente apareció su primer disco, Jeff Bridges llevaba bastante tiempo coqueteando con la música. Había tocado la guitarra con Kris Kristofferson, interpretado a un pianista en The Fabulous Baker Boys (1989) y hasta tocado un cover de Bob Dylan en la presentación de la película de culto The Big Lewoski (1998).

Lo que le puso el clavo final al asunto fue la película Crazy Heart (2009), por la que el actor ganó un Oscar. En ella, no solo interpretó a un cantante de música country, sino que además cantó el mismo las canciones de su personaje.

Dos años después apareció el disco, titulado simplemente Jeff Bridges. Si bien las críticas no fueron tan generosas, el álbum tuvo una gran repercusión entre los amantes del folk y el country clásico de Estados Unidos, gracias al sonido “auténtico” que el actor logró junto a su productor T-Bone Burnett.

Después de esta incursión musical, Bridges editó un disco en 2015, aunque para desconcierto de la mayoría fue de spoken word.



SHE & HIM

En el año 2006, durante el rodaje de la película The Go-Getter, el director Martin Hynes le propuso a la actriz Zooey Deschanel cantar la canción de los créditos finales junto a su amigo, el prolífico músico folk M. Ward. Esa colaboración terminaría convirtiéndose en la primer canción de She & Him.

Unidos por el cariño a clásicos de The Beach Boys, Smokey Robinson y el pop femenino manufacturado por Phil Spector, la banda hizo del pop sesentoso ingenuo y dulce un estilo propio, que quedó marcado desde el inicio en su disco debut Volume One (2008).

Si bien ese primer trabajo tuvo buena repercusión, la banda terminó de captar la atención del mundo con Volume Two (2010), el más exitoso a la fecha gracias a piezas pop casi perfectas, como Thieves, Don’t Look Back y In The Sun.

Durante los últimos ocho años, She & Him logró balancear su funcionamiento con la ocupada vida actoral de uno de sus integrantes y la constante actividad musical -como solista y en múltiples bandas- del otro. A  la fecha cuentan con dos discos de clásicos navideños, un tercer volumen de su discografía y hasta un disco de clásicos, siempre respetando en su producción ese estilo retro que los convirtió en una banda que vale la pena escuchar.



THE BLUES BROTHERS



Esta elección es probablemente la más obvia de la lista, aunque también es cierto que muchos se olvidan que The Blues Brothers no fue solo un chiste en una película, fue una banda de verdad.

Creada en 1978 como un scketch para Saturday Night Live por los comediantes John Belushi y Dan Aykroyd, la banda presentaba a dos hermanos vestidos con su clásicos trajes, sombreros y anteojos negros, haciendo covers de clásicos del blues y el soul.

Gracias a la popularidad que cobraron en el programa, comenzaron a hacer presentaciones en vivo, que quedarían registradas en sus dos primeros discos Briefcase Full Of Blues (1978) y Made in America (1980).

En ese mismo año rodaron bajo la dirección de John Landis The Blues Brothers. La película se convirtió en un éxito y en una comedia de culto. Además, como si fuera poco, se dieron el lujo de contar con cameos de músicos legendarios, como Ray Charles, Aretha Franklin, James Brown y John Lee Hooker entre otros.

Después de la muerte de John Belushi en 1982, la banda tuvo un parate de casi diez años. En 1990 Aykroyd volvería a reunir a The Blues Brothers para hacer un tour y grabar su primer disco de estudio Red, White and Blues (1992).

En el año 1998, aparecería la secuela The Blues Brothers 2000. Si bien como comedia es más floja que la primera, subieron la apuesta con los cameos musicales, que incluyeron a Aretha Franklin, James Brown, BB King, Eric Clapton, Stevie Winwood, Jimmie Vaughan, Dr. John, Billy Preston y muchos -pero muchos- más.

Como epílogo, el año pasado apareció The Last Shade Of Blue Before Black, el segundo - y todo parecería indicar que ultimo- disco de la banda.

En el año 1987 Superman: The Quest For Piece puso final a la primer saga cinematográfica del hombre de acero. Y no fue un final feliz.

La película, cuarta y última entrega de la serie que había empezado con Superman The Movie en 1978, fue un justo fracaso. Hecha con poco presupuesto y un guión con situaciones que rayaban lo absurdo, la película arruinó las carreras de varios de sus protagonistas -especialmente Christopher Reeve y Margot Kidder- y puso en duda la fuerza taquillera de las películas de superhéroes, al punto de amenazar el proyecto de la primer película de Batman.

Después de ese  fiasco, Superman se exilió en la pantalla chica, logrando un éxito aceptable con productos como la serie de Superboy (1988-1992), la comedia romántica Lois and Clark (1993-1997) y el giro teenager yanqui que le dio al personaje Smallville (2001-2011).

Tendrían que pasar casi dos décadas para que el hombre de la capa roja vuelva a hacer una película. Pero, lo que muchos no saben, es que durante esos años Warner intentó varias veces resucitar la carrera del superhéroe en el cine.

En la cuarta entrega de esta sección, repasaremos la historia de los tres proyectos que más cerca estuvieron de volverse realidad y, de paso, echaremos una mirada a la cara de los Superman que no fueron.


SUPERMAN LIVES! - 1995

Superman Lives! es probablemente la película jamás filmada de la que más se habla en internet. Incluso se llegó a financiar, a través de Kickstarter, el documental The Death of Superman Lives (2015), que cuenta la historia del proyecto desde su inicio hasta su cancelación.

El desarrollo estuvo a cargo del polémico y bizarro Jon Peters, un hombre que en sus inicios fue peluquero de Barbra Streisand - aclaro: no es joda- y que por esa época ya tenía en su currículum títulos como Flashdance (1983), El Color Púrpura (1985), Rain Man (1988) y las dos primeras de Batman, entre muchas otras.

De director, los de Warner se trajeron a Tim Burton, básicamente porque pensaron que si había logrado re-lanzar a Batman con éxito, podría hacer lo mismo con Superman (recordemos que ésto fue por el ‘95/’96, es decir antes que Batman se fuese a la mierda de la mano de Schumacher).

La película iba a estar basada libremente en La Muerte de Superman, el best-seller más reciente de DC Comics. El planteo era muy ambicioso y se quería incluir la muerte y resurrección de Superman; a tres villanos clásicos: Lex Luthor, Brainiac y Doomsday; y, a pedido de Peters, una lucha contra una araña gigante (aclaro otra vez: no es joda).

Como todo el mundo sabe, el encargado de ponerle cuerpo a Superman iba a ser Nicholas Cage, que en esa época todavía era considerado un actor respetable.

Famosa y polémica foto de Nicholas Cage en una prueba de vestuario para Superman Lives!

El resto de los elegidos eran una mezcla de actores consagrados, con otros que en ese momento se encontraban en camino ascendente. Del lado de los buenos estaban Sandra Bullock como Lois Lane y Chris Rock como Jimmy Olsen. Para los villanos, se habían seleccionado a Christopher Walken para interpretar a Brainiac y a Kevin Spacey como Lex Luthor, papel que terminaría haciendo una década después en Superman Returns. 

La muerte del film también es tema conocido. Después de que varios proyectos caros fracasaran, Warner decidió que una nueva película de Superman era algo muy arriesgado y decidió cancelar Superman Lives!.

Varios de los recursos y miembros del equipo se fueron con Jon Peters a su nueva producción: Wild Wild West, un western en el que Will Smith y Kevin Kline terminaron peleando contra una araña gigante. La película fue un fracaso.


SUPERMAN ASYLUM (o Batman Vs. Superman) - 2002 

Tuvieron que pasar siete años para que hubiese otro intento de revivir al personaje. Superman Asylum era un proyecto inspirado en uno de los hitos más recordados de la historia de DC: la lucha entre Batman y Superman en The Dark Knight Returns.

La idea de hacer una película de Batman vs. Superman tenía sentido, si consideramos que el personaje del murciélago también venía de una catarata de proyectos cancelados, después del fracaso de la segunda de Schumacher. El film iba a funcionar como un reboot para sacar, de forma simultánea, el mal gusto de boca que habían dejado Superman IV (1987) y Batman & Robin (1997).

El encargado del film iba a ser el alemán Wolfgang Petersen, autor de clásicos como Das Boot (1981),  joyas ochenteras como The NeverEnding Story (1984) o Enemy Mine (1985) y mamarrachos post milenio como The Perfect Storm (2000).

Para el papel de Batman había dos fuertes candidatos. El primero era un actor que ya había audicionado para Robin años atrás, su nombre era Christian Bale.  El segundo, que encima tenía más fichas para quedarse con el papel, era mi odiado personal Colin Farrell.

Solo en 2004 (año en que habría salido la película) Jude Law apareció en seis películas: I Heart Huckabees, Alfie, The Aviator, Closer, Sky Capitan and the World of Tomorrow y Lemony Snicket.

En cuanto a Superman, el actor ya estaba 100% definido. Iba a ser Jude Law (por tercera vez: no es joda). La pregunta “¿a quién se le ocurre elegir a un actor inglés para que haga de un granjero de Kansas?” le habrá venido a la cabeza a más de un nerd. Pero hay que tener en cuenta que Law estaba insoportablemente de moda en esa época y - si pensamos con la billetera en lugar de con la cabeza- no se puede negar que resultaba una apuesta segura.

El proceso de producción no llegó a avanzar mucho y se terminó cayendo cuando Wolfgang Petersen dejó Asylum por otro proyecto. Era una adaptación de La Ilíada de Homero y llegaría a los cines un par de años después con el título Brad Pitt Troy (2004).

Fue entonces cuando el estudio se embarcó en el que sería su tercer y último intento frustrado de revivir al personaje.


SUPERMAN: FLYBY - 2002

Con Asylum descartada, Warner decidió enfocarse en Superman: Flyby, un guión escrito por un tal JJ Abrams.

Desde la perspectiva de un estudio, Abrams era un tipo prometedor y con buenas ideas. Todavía no la había pegado con Lost, pero si había escrito el guión de la super taquillera Armagedon y creado dos series exitosas: Felicity y Alias.

En su propuesta, Abrams tocaba un poco el canon de la historia clásica, planteando que Krypton -el planeta natal de Superman- estallaba, pero no se destruía. El villano principal era un invento, mezcla de Zod y Brainiac, y Lex Luthor iba a ser un cazador de OVNIs que cobraría super-inteligencia, para terminar convirtiéndose en el villano que todos conocemos.

La película iba a incluir giros de cámara, coreografías de pelea y hasta efectos en bullet-time, es decir todos los chiches que había puesto de moda Matrix en aquel entonces. Tal vez por eso uno de los candidatos a dirigir la película era McG, director de -mueca de asco- las dos películas de Los Ángeles de Charlie. El que lo seguía de cerca era el más respetable Brett Ratner, que en esa época ya había hecho las dos de Rush Hour y Dragón Rojo.

El casting, que tenían a medio confirmar, era bastante ambicioso. Anthony Hopkins iba a interpretar a Jor-El, el padre biológico de Superman. Para Lex Luthor habían abrochado a Robert Downey Jr., aunque se dejaron a mano a Johnny Depp, por las dudas de que el buen Robert volviera a meterse en quilombos. Lois Lane no estaba del todo cerrada, aunque las candidata era Scarlett Johansson. Para Jimmy Olsen el elegido fue Shia Labeouf.

¿La Liga de la Justicia que no fue?

¿Quién iba a ser Superman? La realidad es que hubo una catarata de nombres, incluyendo a Jared Padalecki (el flaco de Supernatural), Michael Cassidy (de The O.C.), Ashton Kutcher y, curiosamente el Superman que tenemos hoy en día, Henry Cavill. Del lado de la productora empujaban a Josh Hartnett y a Justin Timberlake (y por última vez: no es joda). El elegido finalmente fue Matt Bomer, un virtual desconocido por esa época, que hoy muchos ubicarán como el protagonista de la serie White Collar.

Al final, Flyby, tal vez por lo ambicioso de la propuesta, quedó estancado. Aunque, según cuentan por internet, algunas de sus ideas serían recicladas más tarde para el guión de Superman Returns.


EL SUPERMAN QUE VINO… Y SE FUE.

Finalmente, en 2006 llegó Superman Returns, el vodriazo de Bryan Singer con Brandon “quién-te-conoce” Routh en el papel de Superman y Kevin Spacey como Lex Luthor.

El film pretendía retomar de donde había dejado Superman II, ignorando las dos últimas y olvidables entregas de la saga original. Por desgracia, el resultado fue una película larga, aburrida e igualmente olvidable.  Esto, sumado a que el éxito en la taquilla no fue el esperado, hicieron que el estudio decidiese cancelar los planes de hacer dos películas más con Routh.

Seis años después tendríamos un nuevo reboot del personaje con Man of Steel (2013). La película marcaría el puntapié inicial del nuevo y desparejo universo cinematográfico de DC Comics.

Todos tenemos presente la cara de los héroes que vinieron después de eso.

Cuando finalmente me senté a ver The Visit -o Los Huéspedes como le pusieron en Argentina por motivos que solo los distribuidores entenderán- habían pasado más de dos años de su estreno. Tardé mucho en mirarla simplemente porque pensé que iba a ser mala. Y, en mi opinión, las dos razones en las que me basé para asumir eso son más que válidas.


UN GÉNERO REPETITIVO

La primera tiene que ver con el cine de terror en general. En los últimos diez o quince años vi muy pocas películas del género, porque la verdad que hace rato que todas - o al menos la gran mayoría- me parecen lo mismo.

Hay excepciones sí, pero cada vez que aparece una película más o menos original, se dedican a copiarla hasta el cansancio. Pasó con El Proyecto Blair Witch, que puso de moda lo del found footage (¿sub-género? al que alguna vez le dedicamos un post). Pasó con The Ring, que puso de moda el J-Horror. Con Saw, ó El Juego del Miedo, y sus mil secuelas. O con  Paranormal Activity, la única vuelta de tuerca un poco original que le dieron al found footage y que también aburrió después de que hicieran veinte películas con la misma idea.

A ésto se suma que, de vez en cuando, aparece alguna película que no es original, pero al menos es buena. Pero eso también terminan arruinándolo, por culpa de la sobre-explotación. James Wan es un buen ejemplo. Cada hit que metió -sea como director o productor- lo replicó hasta el hartazgo. Hizo Saw, pero después clavó cinco secuelas. Hizo Dead Silence- en mi opinión una gran peli- pero después sacó Insidious, que estética y estructuralmente es igual y que para colmo terminó convirtiendo en ¡UNA TRILOGÍA!.  Y la última se la mandó con El Conjuro, que aunque sea muy buena hay que admitir que lo del spin-off Anabelle fue medio un choreo.

Y ni hablemos de la precuela del spin-off que sacaron ahora...

Con eso en mente, la perspectiva de ver una película de terror que usa el recurso híper gastado de la cámara en mano no me resultaba muy atractiva. Menos cuando está en manos de alguien que cuando hace las cosas mal, las hace muy mal. Lo que me lleva a la segunda razón.


UN DIRECTOR COMPLICADO

M. Night Shyamalan es un director polémico y difícil de clasificar. Están los que lo consideran un desastre y dicen que las películas buenas que hizo fueron de casualidad. Otros que lo defienden y le ponen siempre una ficha cuando saca una nueva película. Y están los tibios de siempre, que saben que es muy capaz de cagarla, pero le dan el beneficio de la duda. Yo hace un tiempo que me ubico en el último grupo, aunque hubo una época en la que estuve entre sus defensores.

Cómo todos, lo conocí con su hitazo Sexto Sentido (1999), cuando todos los críticos hablaban del nacimiento de un nuevo Hitchcock. En ésta película aparecería el giro final inesperado en la trama, que no solo se volvería un sello del cine de Shyamalan, sino que también se pondría de moda en el género de terror/thriller, al punto que durante varios años se llamó “tipo Sexto Sentido” a las películas que tenían un giro al final (como The Others, The Secret Window o Hide and Seek).

Sospecho que los mismos críticos que comparaban a Shyamalan con Hitchcock hoy se entretienen comparando a Nolan con Kubrick. ¡Un poco de seriedad por favor!

En el año 2000 apareció Unbreakable, también protagonizada por Bruce Willis. Hoy esta de moda hablar bien del film, pero en su momento defraudó a los que esperaban un nuevo thriller psicológico y se encontraron con una historia de superhéroes hiper-realista. Unbreakable no fascinó, pero no le fue mal a nivel crítica y taquilla. Algo parecido pasaría con su siguiente film Signs (2002), en mi opinión una película bastante aburrida, cuyo final se lleva puesto todo el terror psicológico que intento generar -con resultados dispares- a lo largo de 105 minutos. En su momento Signs fue un éxito, aunque es de esas películas que no envejecen muy bien que digamos. Personalmente creo que fue el primer paso en falso del director y lo que más rescato es la parodia que le hicieron en Scary Movie 3 con Charlie Sheen en el rol de Mel Gibson.

La caída en picada del director, según críticos y público en general, empezó con The Village (2004), curiosamente una película que yo banqué más que sus dos anteriores. En ésta volvería hacer uso de su famoso “giro final”, aunque en mi opinión fue uno muy predecible. Con The Lady in the Water (2006) el mundo del cine en general terminó de perder la fe en el director. Yo, por consejo de una amiga, me había sentado a verla pensando más en una fábula infantil oscura que una película de terror. Mi teoría es que ese cambio de chip fue lo que hizo que me gustase. Por eso me mantuve entre sus defensores algunos años más.

Ni siquiera una Zooey Deschanel en punto caramelo salva a The Happening, principalmente porque fue un severo error de casting y no tenía un carajo que hacer ahí.

Mi perdida de paciencia llegó con The Happening (2008), una película que en principio tenía una premisa interesante -gente que se suicida de forma masiva sin que nadie sepa bien por qué- pero que resultó ser un embole absoluto. De las siguientes películas no puedo hablar mucho, porque ni me molesté en verlas. The Last Airbender (2010) no me atrajo por ser una película basada en un dibujo animado de Nickelodeon. Y After Earth (2013) porque todo el mundo que la vio me dijo que era malísima.


UNA PELÍCULA BUENA

Con estos antecedentes del director llega de The Visit. Y como dije al principio, viniendo de un director con ese historial y encima usando un recurso que el cine de terror ya había agotado, la película no me resultaba especialmente llamativa. Recién me decidí a verla después de leer muchos comentarios positivos en diferentes medios o escucharlos de forma directa entre amigos y conocidos.

The Visit cuenta la historia de dos hermanos de quince y trece años que van a visitar por primera vez a sus abuelos, a los que no conocen porque están distanciados de su madre desde hace años. La hermana mayor, que sueña con ser directora de cine, decide documentar todo el viaje con sus dos cámaras. Los problemas empiezan cuando los abuelos resultan tener un comportamiento un poco más extraño de lo que uno podría esperar.

La película funciona en muchos niveles. En primer lugar, los cuatro actores elegidos para el papel de nietos y abuelos funcionan perfectamente bien en sus respectivos roles. Además, Shyamalan acierta al poner a dos chicos que tienen la edad que dicen tener, evitando el erro común de usar gente de veintiocho años para hacer personajes de dieciséis.

En segundo lugar, el terror está muy bien manejado. Hay escenas que logran asustar, incluso en ambientes simples, y no requieren el apoyo de la oscuridad o la música tensionante para funcionar. Si bien se usa alguna vez, no se hace abuso del jump scare como recurso para asustar, sino que se apuesta más a la generación del climas.

A ésta vieja la terminas odiando...

Otro punto fuerte es el uso del humor, que recae en buena parte sobre Ed Oxenbould, el actor que interpreta al hermano menor. Los momentos graciosos aportan a la trama por estar bien integrado en la historia y los personajes, no se quedan en el mero comic relief.

Y por último, el famoso giro. Parece que el director finalmente entendió que eso tiene que ser un medio y no un fin en sí mismo. Por eso, a diferencia de otras de sus películas, el giro se vuelve una parte necesaria de la historia, pero no lo más importante.   

Por todo eso The Visit, a pesar de no ser muy original, resulta una muy buena película de terror. De yapa, resulta un bienvenido regreso del M. Night Shyamalan que conocimos -o creíamos conocer- unos años atrás. El tiempo dirá si el director indio vuelve a defraudarnos. Por lo menos con Split, su última película, nos da motivos para seguir teniéndole fe.

En la vida real el DeLorean fue un fracaso. De hecho,  la DeLorean Motor Company se declaró en banca rota antes del estreno de la película

Una persona talentosa, de buen corazón, pero con una cara horrible. A su lado, Eric Stolz maquillado para su personaje de Mask.

El hermoso cameo de Huey Lewis en la película

A Shot of Adrenaline...